पेंटिंग में बुनियादी नियम. ऑइल पेंट के साथ काम करने के बुनियादी नियम

“तकनीक कलाकार की भाषा है; इसे सद्गुणता की सीमा तक अथक रूप से विकसित करें। इसके बिना, आप कभी भी लोगों को अपने सपने, अपने अनुभव, जो सुंदरता आपने देखी, वह नहीं बता पाएंगे। (पी.पी. चिस्त्यकोव। पत्र, नोटबुक, यादें।)

"तकनीक केवल एक साधन है, लेकिन एक कलाकार जो इस साधन की उपेक्षा करता है, उसकी समस्या कभी हल नहीं होगी... वह उस सवार की तरह होगा जो अपने घोड़े को जई देना भूल गया।" (रोडेन)।

सद्गुण के स्तर तक विकसित तकनीकी कौशल के महत्व के बारे में मास्टर्स के इसी तरह के बयानों के साथ, आपको चेतावनियां मिलेंगी कि तकनीकी तकनीकों को अपने आप में एक लक्ष्य के रूप में न लें, और विशेष रूप से उन्हें अपने पसंदीदा मास्टर्स से आँख बंद करके उधार न लें।

माइकल एंजेलो ने स्पष्ट रूप से कहा, "जो कोई दूसरों का अनुसरण करता है वह कभी भी उनसे आगे नहीं निकल पाएगा, और जो कोई ठीक से काम करना नहीं जानता वह कभी भी दूसरे लोगों के कार्यों का उचित उपयोग नहीं कर पाएगा।" (ए. सिदोरोव। पुराने उस्तादों द्वारा चित्र।)

प्रसिद्ध सोवियत कलाकार और शिक्षक आई.पी. क्रिमोव ने इस विचार को जारी रखते हुए कहा: “हम में से कई लोग महान गुरुओं की नकल करने की कोशिश करते हैं। वे उनके तौर-तरीके की नकल करते हैं, और ढंग आखिरी चीज है। वे अक्सर कॉन्स्टेंटिन कोरोविन की नकल करते हैं, लेकिन वे गलत लिखते हैं... बेहतर होगा कि उनके नकल करने वाले उनके रास्ते को दोहराने की कोशिश करें। इस रास्ते पर चलते हुए, उन्होंने शायद कोरोविन के तरीके से नहीं, बल्कि अपने तरीके से लिखना शुरू किया। (पी.पी. क्रिमोव - कलाकार और शिक्षक)।

इन बुद्धिमान कथनों के बारे में सोचें और पेंट मिश्रण के लिए व्यंजनों और स्ट्रोक लगाने के अनिवार्य तरीकों की तलाश न करें।

युवा या वयस्क महत्वाकांक्षी कलाकार सबसे पहला प्रश्न यही पूछते हैं:

कहां से शुरू करें?

बेशक, आपको सीधे कैनवास या कार्डबोर्ड पर एक ड्राइंग के साथ शुरुआत करने की ज़रूरत है, एक छोटे स्केच के साथ और भी बेहतर - एक पेंसिल या चारकोल के साथ कागज पर एक स्केच, जिसे बाद में कैनवास पर स्थानांतरित किया जा सकता है। एक स्केच में, आपके पास एक दिलचस्प दृष्टिकोण देखने, रचना के बारे में सोचने, अनुपात स्पष्ट करने आदि के अधिक अवसर होते हैं। हालाँकि, आप प्रारंभिक कार्य के इस भाग को सीधे कैनवास या कार्डबोर्ड पर कर सकते हैं, और यह बेहतर है चित्र को कोयले से बनाएं, जिसे कपड़े के टुकड़े से सतह से आसानी से हटाया जा सकता है और इस प्रकार इसे सही और स्पष्ट किया जा सकता है। आप पेंसिल से जमीन पर चित्र बना सकते हैं, लेकिन आपको इसे इरेज़र से मिटाना होगा, जिससे जमीन की सतह खराब हो जाती है।

फिर कोयले से बने चित्र को कपड़े से पोंछ देना चाहिए ताकि उसका केवल एक निशान ही रह जाए। यदि कार्बन को नहीं हटाया गया तो यह पेंट के साथ मिल जाएगा और उसे दूषित कर देगा। कोयले को साफ करने के बाद, बमुश्किल ध्यान देने योग्य पैटर्न को पतले पतले नीले या भूरे रंग से रेखांकित किया जा सकता है।

और फिर सवाल: वास्तव में पेंट के साथ काम कहाँ से शुरू करें?उत्तर हो सकता है: हर चीज़ से एक ही बार में। इस अजीब उत्तर को समझाना आसान है। ऊपर या नीचे, दाएं या बाएं, आदि से शुरू करना गलत है। आपको रंगों के मूल संबंधों को हल्केपन और रंग टोन के संदर्भ में तुरंत निर्धारित करने की आवश्यकता है और उन्हें - अभी के लिए लगभग - उन्हें रेखांकित करने दें, उसी समय निर्धारित करें सबसे गहरा क्या है और सबसे हल्का क्या है। यह अंकन, जिसे आमतौर पर कहा जाता हैअंडरपेंटिंग, इसे पतले पतले पेंट के साथ करने की अनुशंसा की जाती है।

शुरुआती लोगों के लिए यह जानना अधिक महत्वपूर्ण है कि आप एक स्केच को भागों में नहीं लिख सकते हैं, लेकिन इसे व्यापक रूप से, समग्र रूप से खोलने की आवश्यकता है। आप रंग-बिरंगे कैनवास या चारों ओर लगभग रेखांकित रंगों को छोड़कर पेंटिंग का एक टुकड़ा पूरा नहीं कर सकते।

बीवी इओगनसन का सुझाव है कि शुरुआती लोगों को एक ही बार में पूरे कैनवास पर स्ट्रोक्स का उपयोग करके पेंट करना चाहिए जो कि रंग से संबंधित और सहसंबद्ध होते हैं, जैसे मोज़ेक के रंगीन कंकड़ चुने जाते हैं। साथ ही, "सामान्य से विशिष्ट तक" काम करने के लिए, छवि के सभी हिस्सों के विस्तार की समान डिग्री बनाए रखना आवश्यक है।

पहला प्रयोग सरल स्थिर जीवन पर किया जाना चाहिए, जिसमें दो या तीन वस्तुएं शामिल हों।

सबसे पहले, आपको पूरे स्थिर जीवन को पतले पतले पेंट से रंगना होगा, मोटे तौर पर वस्तुओं के रंग और उनके हल्केपन के अनुपात को निर्धारित करना होगा, फिर मोटे लेखन की ओर बढ़ना होगा। साथ ही, कार्य को हर समय उसकी संपूर्णता में किया जाना चाहिए, एक विषय से दूसरे विषय की ओर बढ़ते हुए, न कि इस तरह कि एक भाग को पूरी तरह समाप्त करके फिर दूसरे पर आगे बढ़ें। यदि काम एक दिन या उससे अधिक के लिए बाधित होता है, तो जारी रखते समय, पेंट की ऊपरी परत को पैलेट चाकू से हटा दिया जाना चाहिए या तेल में भिगोया जाना चाहिए, या इससे भी बेहतर, "रीटच" वार्निश। तेल पेंट की एक परत सतह पर एक पतली फिल्म के निर्माण के साथ सूखने लगती है, जो फिर तेजी से मोटी हो जाती है और अंत में पेंट परत की पूरी मोटाई तक सूख जाती है।

यदि फिल्म बनने के बाद पेंट की एक परत पर नई परत लगाई जाती है, तो सूखने पर पेंट सिकुड़ जाता है और निचली परत की फिल्म टूट जाती है। उसी समय, इस परत से तेल नीचे चला जाता है, और परिणामस्वरूप, तथाकथित फ़ेड्स बनते हैं, जिसमें पेंट अपनी टोन, चमक की गहराई खो देता है और सुस्त और सुस्त दिखता है। काम पूरा होने के बाद इन जगहों को तेल से भिगोकर सुस्ती को खत्म किया जा सकता है, लेकिन यह सुनिश्चित करना जरूरी है कि पेंट की परत की सतह पर अतिरिक्त तेल न रहे। यदि, संसेचन के कुछ घंटों के बाद, पेंटिंग पर चमकदार धब्बे रह जाते हैं (पेंट की परत की सतह पर पड़े तेल से), तो उन्हें सावधानीपूर्वक एक मुलायम कपड़े से पोंछ देना चाहिए।

यदि आपने एक सत्र में काम पूरा नहीं किया है, तो सूखे पेंट की परत पर अगला पंजीकरण करें। नहीं तो रंग मुरझाया हुआ और काला पड़ने लगेगा।

लेकिन ऐसे मामलों में जहां सत्रों के बीच 2-3 दिन से अधिक समय नहीं बीता है, आप लहसुन या प्याज की कटी हुई कली से स्केच को पोंछकर पेंट की परिणामी फिल्म को भंग कर सकते हैं। इसके बाद, आप सूखापन के डर के बिना "कच्चा" काम करना जारी रख सकते हैं।

ऑयल पेंट उपयुक्त प्राइमर से अच्छी तरह चिपकते हैं और उन्हें मॉडल करना, शेड करना और एक टोन से दूसरे टोन में सूक्ष्म, अगोचर बदलाव प्राप्त करना आसान बनाते हैं, क्योंकि वे लंबे समय तक गीले रहते हैं, और सूखने पर अपना मूल टोन नहीं बदलते हैं। लेकिन यह सोचना ग़लत होगा कि ऑयल पेंटिंग के लिए किसी निष्पादन विधि की आवश्यकता नहीं होती है और यह आपको बिना किसी सिस्टम के बिना किसी दंड के पेंट की एक परत को दूसरे के ऊपर लगाने की अनुमति देता है। इसके विपरीत, तेल चित्रकला के लिए भी एक बहुत विशिष्ट निष्पादन प्रणाली की आवश्यकता होती है। सच है, तेल चित्रकला में सामग्रियों के अनुचित उपयोग में दोष इतनी जल्दी नहीं खोजे जाते हैं जितना कि अन्य चित्रकला तकनीकों में समान परिस्थितियों में देखे जाते हैं, लेकिन देर-सबेर वे अनिवार्य रूप से प्रकट होंगे।

तेल चित्रकला की सभी सामान्य विधियाँ दो विशिष्ट तकनीकों पर आधारित होती हैं:

1) एक चरण में पेंटिंग "अल्ला प्राइमा" (अल्ला प्राइमा) - एक विधि जिसमें पेंटिंग इस तरह से की जाती है कि, कलाकार के मामले के कलात्मक ज्ञान और अनुकूल परिस्थितियों को देखते हुए, काम एक या कई में पूरा किया जा सकता है सत्र, लेकिन इससे पहले कि पेंट को सूखने का समय मिले। इस मामले में, पेंटिंग के रंग संसाधन केवल उन स्वरों तक कम हो जाते हैं जो पैलेट पर पेंट के सीधे मिश्रण और काम में उपयोग की जाने वाली जमीन पर उनकी रोशनी से प्राप्त होते हैं।

2) कई तकनीकों में चित्रकारी - एक ऐसी विधि जिसमें चित्रकार अपने चित्रकारी कार्य को कई तकनीकों में विभाजित करता है, जिनमें से प्रत्येक को एक विशेष अर्थ दिया जाता है, जानबूझकर एक निश्चित गणना के साथ या काम के बड़े आकार के कारण, आदि।

इस मामले में, कार्य को इसमें विभाजित किया गया है:

• पहला पंजीकरण अंडरपेंटिंग है, जिसमें चित्रकार का कार्य ड्राइंग, सामान्य रूपों और प्रकाश और छाया को मजबूती से स्थापित करने के लिए कम हो जाता है, जबकि रंग को या तो माध्यमिक महत्व दिया जाता है, या इसे ऐसे टोन में किया जाता है जो केवल ओवरलेइंग के साथ आगे के पंजीकरण में होता है पेंट वांछित स्वर या प्रभाव देते हैं,
• दूसरे, तीसरे, आदि पंजीकरणों के लिए, जिसमें कार्य रूप और रंग की सूक्ष्मताओं को हल करने तक कम हो जाता है।

यह दूसरी विधि तेल चित्रकला के सभी संसाधनों का उपयोग करना संभव बनाती है।

आपको हमेशा पेंटिंग के बुनियादी नियमों का पालन करना चाहिए:

1) आमतौर पर मोटी परतों में तेल पेंट न लगाएं, और विशेष रूप से तेल से भरपूर पेंट न लगाएं;

2) पेंटिंग में हमेशा मध्यम चिपकने वाला (तेल) प्राइमर का उपयोग करें, साथ ही अंडरपेंटिंग और, सामान्य तौर पर, पेंटिंग की अंतर्निहित परतों का उपयोग करें, यदि बाद में इसकी सामग्री अपर्याप्त है, तो उन्हें तेल से संतृप्त करें।

दूसरे पंजीकरण के लिए सबसे अच्छी पेंटिंग तकनीक "अल्ला प्राइमा" पेंटिंग है, जो सचित्र निष्पादन को ताजगी देती है।

दूसरा पंजीकरण अंडरपेंटिंग की तुलना में अधिक तरल पेंट के साथ किया जाता है। पेंटिंग वार्निश और संघनित तेल यहां लागू होते हैं। बाद वाले को तारपीन वार्निश के मिश्रण में पेंट में पेश किया जाता है। दूसरा पंजीकरण, इसके पेंट्स में बाइंडरों की सामग्री के संदर्भ में, इस प्रकार अंडरपेंटिंग से अधिक है। ऑयल पेंट की परत चढ़ाने का प्राचीन सिद्धांत - "पतले पर मोटा" - पूरी तरह से मनाया जाता है। हालाँकि, आपको यहाँ तेल और वार्निश का अत्यधिक उपयोग नहीं करना चाहिए, बल्कि एक निश्चित संयम का पालन करना चाहिए।

यदि अंडरपेंटिंग पारंपरिक टोन में की गई थी, तो काम को आसान बनाने के लिए, ग्लेज़ या सेमी-ग्लेज़ के साथ प्रकृति के स्थानीय टोन में दूसरा पंजीकरण शुरू करना उपयोगी है, जिसके शीर्ष पर आपको पहले से ही होना चाहिएशरीर पर चित्रकारी .

तेल चित्रकला में सुधार

तेल पेंट समय के साथ और अधिक पारदर्शी हो जाते हैं। पारदर्शिता में यह वृद्धि बॉडी पेंट्स में भी देखी गई है, और उनमें से कुछ, जैसे सीसा सफेद, छिपाने की शक्ति के नुकसान के साथ-साथ सूखने पर परत के पतले होने के कारण पारभासी हो जाते हैं। तेल चित्रकला की इस विशेषता को ध्यान में रखते हुए, तेल चित्रकला में सभी प्रकार के पत्राचार और आमूलचूल परिवर्तनों के बारे में बहुत सावधान रहना आवश्यक है, जिसकी चित्रकार को कभी-कभी आवश्यकता होती है, क्योंकि बॉडी पेंट की एक पतली परत के साथ किए गए सभी सुधार और नोट्स फिर से दिखाई देने लगते हैं। एक लम्बे समय के बाद..

इस प्रकार, वेलास्केज़ द्वारा फिलिप IV के घुड़सवारी चित्र में, आठ पैर दिखाई देते हैं, जिनमें से चार जमीन के स्वर के नीचे से उभरे हुए हैं, जिससे लेखक ने उन्हें ढक दिया है, जाहिर तौर पर पैरों की स्थिति से असंतुष्ट हैं।

आई. क्राम्स्कोय (ट्रेटीकोव गैलरी) द्वारा कलाकार लिटोवचेंको के चित्र में, लिटोवचेंको के माथे को कलाकार के सिर पर रखी काली टोपी के माध्यम से काफी स्पष्ट रूप से देखा जा सकता है। जिस पर टोपी जाहिरा तौर पर बाद में लगाई गई थी, जब सिर पहले ही रंगा हुआ था। रेम्ब्रांट के जान सोबिस्की के चित्र में, सोबिस्की ने अपने हाथ में जो छड़ी पकड़ रखी है, वह पहले आकार में बड़ी थी और फिर छोटी हो गई। ऐसे कई उदाहरण हो सकते हैं.

उपरोक्त उदाहरण स्पष्ट रूप से दिखाते हैं कि तेल चित्रकला में एक पतली परत में, यहां तक ​​कि अपारदर्शी पेंट से भी, किए गए सुधार अपने लक्ष्य को प्राप्त नहीं करते हैं। यहां, पेंट की पूरी तरह से बार-बार परतों की आवश्यकता होती है, जो अकेले पेंटिंग के उन हिस्सों को हमेशा के लिए अदृश्य कर सकती है जिन्हें वे नष्ट करना चाहते हैं। इस मामले में यह और भी बेहतर है कि पेंटिंग से परिवर्तन के लिए इच्छित स्थानों को पूरी तरह से साफ कर दिया जाए और फिर उन्हें साफ जमीन पर दोबारा लिख ​​दिया जाए। क्लोरोफॉर्म, एसीटोन और बेंजीन का उपयोग करके, आप बहुत पुराने तेल-आधारित पेंट को भी आसानी से और जल्दी से हटा सकते हैं।

महत्वपूर्ण क्षेत्रों (उदाहरण के लिए, सिर, चित्र के हाथ, आदि) पर छोटे सुधार करते समय, आपको संभावित सूजन और सही क्षेत्रों के वार्निश के नीचे सामान्य कालेपन को ध्यान में रखना होगा। और इसलिए, जब सही करना शुरू किया जाता है, तो बदले जाने वाले क्षेत्रों को अच्छी तरह से सुखाया जाता है, तरल वार्निश के साथ कवर किया जाता है और सूखापन की उपस्थिति से बचने के लिए पेंट और पेंटिंग वार्निश के साथ ठीक किया जाता है। उसी स्थिति में, यदि कोई फीकापन बन गया है, तो उसे रीटचिंग वार्निश के साथ कवर नहीं किया जाना चाहिए, बल्कि केवल तेल लगाने से उसकी खोई हुई चमक और रंग वापस आ जाना चाहिए।

यहां हम तेल चित्रकला की तकनीक पर केवल सबसे सामान्य, प्रारंभिक जानकारी प्रस्तुत करते हैं, वह जानकारी जिससे प्रत्येक नौसिखिए कलाकार को परिचित होना चाहिए। बेशक, तेल चित्रकला तकनीक इन संक्षिप्त युक्तियों तक सीमित नहीं है। व्यावहारिक कार्य की प्रक्रिया में कलाकार स्वयं इस क्षेत्र में ज्ञान और कौशल अर्जित करता है।

जैसे-जैसे आप अनुभव प्राप्त करते हैं, ऑयल पेंटिंग के अन्य तरीके सीखें - अंडरपेंटिंग, बॉडी मोल्डिंग, ग्लेज़िंग तकनीक। हमें "सरल से जटिल की ओर" जाना चाहिए।

तेल चित्रकला प्रौद्योगिकी

तैलीय रंग

ऑप्टिकल पक्ष से, पेंट्स को दो समूहों में विभाजित किया गया है:

पहला समूह मुख्य बॉडी पेंट है: सीसा सफेद; सिनेबार पारा; नियपोलिटन पीला; कैडमियम नारंगी; डार्क कैडमियम; कैडमियम औसत; हल्का कैडमियम; कैडमियम लाल; कोबाल्ट हरी बत्ती.

सूचीबद्ध पेंट के विशेष गुण: वे प्रकृति में हल्के, बहुत घने और अपारदर्शी हैं, उनका रंग तेलों के साथ संयोजन पर निर्भर नहीं करता है। तेल उनका रंग बदले बिना उन्हें एक खास चमक देता है, यानी इससे वे गहरे या हल्के नहीं होते। इन पेंटों की सफेदी भी अपना रंग नहीं बदलती।

दूसरा समूह ग्लेज़ पेंट है - पारदर्शी और पारभासी: अल्ट्रामरीन; kraplaki; वोल्कोनस्कोइट; पन्ना हरा; वैन डाइक ब्राउन; गहरे ब्राउन रंग का; प्राकृतिक अम्बर. ये पेंट, जब तेल से धोए जाते हैं, तो गहरे रंग के हो जाते हैं और सूखे रूप में, पाउडर में, अपनी अवस्था से रंग और टोन में बहुत भिन्न होते हैं। तेल उनके रंग और टोन को गाढ़ा करता है, उन्हें पारदर्शिता, गहराई और मधुरता प्रदान करता है। खींचने वाले प्राइमर के साथ लगाए गए ये पेंट हल्के हो जाते हैं, फीके पड़ जाते हैं, मैट बन जाते हैं और पारदर्शिता और ध्वनिहीनता खो देते हैं।

सहायक तरल पदार्थ

कलाकार शायद ही कभी सीधे ट्यूबों से तेल पेंट के साथ पेंटिंग करते हैं। अक्सर, पेंट को अधिक तरल बनाने, उसके सूखने के समय को तेज करने, या उसकी चमक को बनाए रखने के लिए उसे पतला करना पड़ता है जो आमतौर पर सूखने पर खो जाती है। इस प्रयोजन के लिए, विभिन्न सॉल्वैंट्स, वार्निश आदि का उपयोग किया जाता है। कलाकार को इन सभी तरल पदार्थों और यौगिकों से बहुत सावधान रहना चाहिए, क्योंकि इनका अयोग्य उपयोग पेंटिंग पर विनाशकारी प्रभाव डाल सकता है।

पेंट को पतला करने के लिए, इसे अक्सर उसी तेल से पतला किया जाता है जिसका उपयोग पेंट को मिटाने के लिए किया जाता है। लेकिन आपको ऐसा नहीं करना चाहिए. अतिरिक्त तेल पेंटिंग के लिए बहुत हानिकारक है: इससे पेंट की परत पीली पड़ जाती है, और कभी-कभी झुर्रियाँ पड़ जाती हैं और टूट जाती हैं। ऐसे मामलों में जहां पेंट इतना पतला तैयार किया जाता है कि वह बह जाता है, या उसमें से अतिरिक्त तेल निकल जाता है, इस अतिरिक्त को हटा देना बेहतर होता है। ऐसा करने के लिए, पेंट को कागज की एक शीट पर फैलाया जाता है, जो कुछ तेल को अवशोषित करता है, और एक स्पैटुला के साथ फिर से एकत्र किया जाता है। यह जल्दी से किया जाना चाहिए, अन्यथा पेंट एक मोटी पोटीन में बदल सकता है जिस पर लिखा नहीं जा सकता। पाइन और स्प्रूस स्टंप से आसुत साधारण रूसी तारपीन, इस उद्देश्य के लिए उपयुक्त नहीं है। यह पूरी तरह से वाष्पित नहीं होता है, लेकिन पेंट में एक चिपचिपा अवशेष छोड़ देता है, जो पेंटिंग को काफी काला कर देता है। पेंट को पतला करने के लिए मिट्टी का तेल भी उपयुक्त नहीं है। यह बहुत धीरे-धीरे वाष्पित होता है और, गाढ़े पेंट के माध्यम से फ़िल्टर होकर, इसमें सूक्ष्म छेद बनाता है, जिससे पेंट एक मैट रूप देता है, इसके अलावा, यह पेंट के लिए हानिकारक अवशेष छोड़ता है।

चित्रकारी वार्निश

पेंटिंग वार्निश पिनीन में रेजिन के 30% समाधान हैं, कोपल वार्निश के अपवाद के साथ, जहां कोपल राल अलसी के तेल में घुल जाता है।

निम्नलिखित प्रकार के वार्निश का उत्पादन किया जाता है, जिनका उपयोग तेल पेंट में योजक के रूप में किया जाता है: मैस्टिक, डैमर, पिस्ता, पिस्ता ऐक्रेलिक और कोपल।

कोटिंग वार्निश

कोटिंग वार्निश का उपयोग तेल और टेम्पेरा पेंटिंग को कवर करने के लिए किया जाता है।

ऑयल पेंट थिनर:

ऑयल पेंट थिनर कार्बनिक विलायक हैं जो अपेक्षाकृत तेजी से वाष्पीकरण करने में सक्षम हैं।

थिनर नंबर 1 गोंद तारपीन और सफेद स्पिरिट का मिश्रण है, जिसे 1:1 के अनुपात में लिया जाता है। इसका उपयोग केवल स्केच ऑयल पेंट, रिलीफ पेस्ट को पतला करने और विभिन्न सहायक उद्देश्यों के लिए किया जाता है।

थिनर नंबर 2 सफेद स्पिरिट है - एक तेल आसवन, भारी गैसोलीन और मिट्टी के तेल के बीच बनने वाला एक अंश। इसका उपयोग पेंट थिनर के रूप में, ब्रश और पैलेट धोने के लिए किया जाता है। थिनर नंबर 2 का उपयोग वार्निश को पतला करने के लिए नहीं किया जाता है, क्योंकि इसमें घुलने की शक्ति कम होती है और पाइनीन की तुलना में अधिक पारगम्यता होती है।

थिनर नंबर 4 - पिनीन ओलियोरेसिन तारपीन का पिनीन अंश है, जिसमें तारपीन के घुलनशील भाग अलग हो जाते हैं। पिनीन तारपीन की तुलना में बहुत कम ऑक्सीकरण करता है, जिसे पेंटिंग में उपयोग के लिए अनुशंसित नहीं किया जाता है; इसमें पीलापन और तारकोल पड़ने का खतरा होता है। पेंटिंग प्रक्रिया में पेंट और वार्निश के लिए पिनीन का उपयोग थिनर के रूप में किया जाता है। पेंट को पाइनीन से पतला करने पर उनकी चमक कम हो जाती है।

तेल चित्रकारी की मूल बातें

“पेंटिंग का आधार कोई भी भौतिक रूप से विद्यमान सामग्री या सतह है जिस पर पेंट लगाया जाता है: धातु, लकड़ी, कपड़ा, कागज, ईंट, पत्थर, प्लास्टिक, चर्मपत्र कागज (पतला चर्मपत्र, ट्रेसिंग पेपर), चर्मपत्र, प्लास्टर, कांच। हालाँकि, उनमें से केवल कुछ ही पारंपरिक तेल चित्रकला आधारों का प्रतिनिधित्व करते हैं; उन्हें दो समूहों में विभाजित किया गया है: लोचदार (लचीले) आधार, जिसमें कैनवास और कागज शामिल हैं, और कठोर, लकड़ी, शीट फाइबरबोर्ड, फाइबरबोर्ड, कार्डबोर्ड पर कैनवास, बोर्ड और धातु का संयोजन।

सबसे लोकप्रिय और व्यापक रूप से उपयोग किया जाने वाला सब्सट्रेट कैनवास है। हालाँकि, एक मानक सब्सट्रेट के रूप में कैनवास की स्थिति अपेक्षाकृत युवा है। प्राचीन चित्रकार लकड़ी के आधार पर काम करना पसंद करते थे। आजकल, कई कलाकार इलास्टिक सब्सट्रेट पर काम करना पसंद करते हैं। हालाँकि, बोर्डों पर पेंटिंग के अपने अनुयायी हैं, और यह विकल्प अद्वितीय सौंदर्य संभावनाएं प्रदान करता है।

यहां आधुनिक चित्रकारों द्वारा सबसे अधिक उपयोग की जाने वाली बुनियादी बातों का संक्षिप्त विवरण दिया गया है।

लिनन आधार

कैनवास का तेल पेंट के रसायन विज्ञान से गहरा संबंध है। लिनन पौधे लिनम यूसिटाटिसिमम के रेशों से बनाया जाता है - वही जिसके बीज कच्चे अलसी के तेल के उत्पादन में उपयोग किए जाते हैं। लिनेन को क्या आकर्षक बनाता है? यह इसकी ताकत है और मुख्य रूप से इसकी सुंदरता है। अन्य कपड़ों की तुलना में, धागे की बुनाई की ख़ासियत के कारण, लिनन में यांत्रिक रूप से सही और यहां तक ​​कि बुना हुआ पैटर्न नहीं होता है। पेंट की लागू परतों के माध्यम से लिनन हमेशा एक जीवित बनावट के रूप में दिखाई देता है। कलात्मक लिनेन की बनावट की विविधता प्रति इंच धागों की संख्या से निर्धारित होती है। मध्यम बनावट वाले लिनन कैनवास में प्रति इंच लगभग 79 धागे होते हैं; चिकनी बनावट वाले कैनवास - तथाकथित "पोर्ट्रेट गुणवत्ता" - में 90 धागे या अधिक होते हैं। लिनन का कपड़ा सिंगल या डबल बुनाई वाला हो सकता है। डबल बुनाई वाला कपड़ा एकल बुनाई वाले कपड़े की तुलना में अधिक मजबूत, भारी, सघन और निश्चित रूप से अधिक महंगा होता है। यह बड़े चित्रों के लिए अधिक स्वीकार्य है।

आधार के रूप में कपास, सन का एक आधुनिक विकल्प है। इसका प्रयोग पहली बार 30 के दशक में कलात्मक उद्देश्यों के लिए किया जाने लगा और तब से इसकी लोकप्रियता कई गुना बढ़ गई है। लिनन के विपरीत, सूती कैनवास ने इतनी प्रतिष्ठित स्थिति पर कब्जा नहीं किया, इसके अलावा, इसे प्रेस में नकारात्मक समीक्षा मिली। कुछ लोगों ने इसे पेंटिंग के लिए पूरी तरह अनुपयुक्त बताया। इस दृष्टिकोण को पूरी तरह से उचित नहीं कहा जा सकता, क्योंकि कपास के कुछ फायदे हैं। यह एक टिकाऊ और सस्ती सामग्री है। लिनन की तुलना में, सूती धागा कुछ पतला और अधिक चिकना होता है, जो कपड़े के बनावट पैटर्न को प्रभावित करता है। इसलिए, लिनन कैनवास की तुलना में, कपास में उतनी दिलचस्प सतह नहीं होती है। दूसरी ओर, सूती कपड़ा लिनन की तुलना में अधिक प्रतिरोधी होता है, जो नमी के आधार पर फैलता और सिकुड़ता है, जिससे कैनवास के किनारों पर विशिष्ट "तरंगें" दिखाई देती हैं।

जटिल पॉलिएस्टर

20वीं शताब्दी में बनाया गया एक सिंथेटिक कपड़ा, यह कई मायनों में कपास और लिनन दोनों कैनवास से बेहतर है। कॉम्प्लेक्स पॉलिएस्टर एक मजबूत और बहुत प्रतिरोधी सामग्री है। यह लिनन की तुलना में आयामी रूप से अधिक स्थिर है और तेल पेंट के अम्लीय प्रभावों के प्रति कम संवेदनशील है। यह सड़ने के अधीन नहीं है और जिस वातावरण में यह स्थित है, उसकी नमी के आधार पर इसमें विस्तार या संकुचन की कोई प्रवृत्ति नहीं है। एक जटिल पॉलिएस्टर बेस पर, लिनन या कॉटन बेस के साथ उपयोग किए जाने वाले समान प्राइमर और चिपकने वाले समाधान का उपयोग किया जा सकता है। जटिल पॉलिएस्टर की मुख्य विशेषताओं में से एक बनावट की पूर्ण अनुपस्थिति है। यह बिल्कुल चिकना पदार्थ है.

जूट (बर्लेप)

जूट भांग से बनाया जाता है, यह एक ऐसी सामग्री है जिसका उपयोग मजबूत रस्सियाँ और रस्सियाँ बनाने के लिए किया जाता है। इस टिकाऊ प्राकृतिक फाइबर से बने कैनवास में स्पष्ट बनावट के साथ एक समान बुना हुआ पैटर्न होता है। यह चित्रकला के अन्य तत्वों पर स्पष्ट रूप से हावी है। यह जोरदार और इम्पैस्टो पेंट अनुप्रयोगों के लिए एक आदर्श आधार है। जूट कैनवास के धागों के बीच का अंतराल चौड़ा होता है, इसलिए कभी-कभी इसे दो बार प्राइम करना पड़ता है।

पेंटिंग के लिए प्राइमर

प्राइमर, बाने और ताने के धागों के प्रतिच्छेदन से बने कैनवास के छिद्रों को बंद करके इसकी सतह को एक समान बनाता है और इसे आवश्यक रंग देता है। प्राइमर कैनवास को पेंट, बाइंडर और थिनर के प्रवेश से बचाता है। यह कैनवास की सतह को पेंट धारण करने की क्षमता देता है। कैनवास का भंडारण करते समय, मिट्टी का रंग गहरा या पीला नहीं होना चाहिए (मिट्टी का पीलापन अंधेरे में भंडारण के कारण होता है)। प्राइमेड कैनवास के पीछे गोंद या प्राइमर के प्रवेश का कोई निशान नहीं होना चाहिए।

कैनवास का आकार:

स्ट्रेचर पर फैलाए गए कैनवास को प्राइमिंग से पहले तकनीकी जिलेटिन या मछली गोंद के 15 प्रतिशत घोल से चिपका दिया जाता है। कैनवास को दो बार चिपकाया जाता है। कैनवास में छेदों को बंद करने के लिए पहली बार इसे ठंडे जिलेटिनस गोंद से चिपकाया जाता है। जिलेटिनस गोंद को जूता ब्रश के साथ लगाया जाता है, और अतिरिक्त गोंद को धातु शासक के साथ हटा दिया जाता है। इस मामले में, रूलर को एक तीव्र कोण पर पकड़कर कैनवास पर दबाया जाता है। 12-15 घंटों के बाद, जब आकार सूख जाता है, तो सतह को समतल करने के लिए इसे झांवे या सैंडपेपर से उपचारित किया जाता है। दूसरा आकार उसी गोंद के साथ किया जाता है, लेकिन अब इसका उपयोग तरल अवस्था में किया जाता है, जिसके लिए इसे पानी के स्नान में गर्म किया जाता है। आकार को कैनवास के प्रकार के आधार पर दो या तीन परतों में लागू किया जाता है। प्रत्येक अगली परत पिछली परत के सूखने के 12-15 घंटे बाद लगाई जाती है।

सबफ्रेम

कैनवास का आधार एक स्ट्रेचर है जिस पर कैनवास फैला हुआ है; किए गए कार्य की गुणवत्ता स्ट्रेचर की गुणवत्ता पर निर्भर हो सकती है, इसलिए लंबाई और चौड़ाई के बीच अनुपात को ध्यान में रखते हुए स्ट्रेचर को अच्छी तरह से सूखी लकड़ी से बनाया जाना चाहिए बार का, साथ ही स्ट्रेचर के फ्रेम को मजबूत करने के लिए अतिरिक्त साधनों का सहारा लेना।

ऑइल पेंट के साथ काम करने के बुनियादी नियम

आइए हम उन नियमों की सूची बनाएं जिन्हें ऑयल पेंट के साथ काम करने वाले व्यक्ति को याद रखना चाहिए और यदि वह अपने काम को लंबे समय तक संरक्षित रखना चाहता है तो उसे इससे विचलित नहीं होना चाहिए।

* ऐसे ऑयल प्राइमर का उपयोग न करें जो पर्याप्त रूप से सूखा न हो।

* लंबे समय से पड़े पुराने ऑयल कैनवस पर या ऑयल पेंट स्वीकार करने के लिए उनकी सतह तैयार किए बिना पुरानी पेंटिंग्स पर पेंटिंग न करें।

* काली, गहरी लाल, अधिक चमकीली या अधिक अंधेरी जमीन पर न लिखें।

* कई परतों के साथ पेंटिंग करते समय, नीचे की परत पर अधिक पेंट न डालें और ऐसे पेंट न डालें जो बहुत धीरे-धीरे सूखते हों।

* उस परत पर पेंट का दूसरा कोट न लगाएं जो पर्याप्त रूप से सूखा न हो।

* नकल करने या नष्ट करने के लिए स्थानों को सावधानीपूर्वक खुरचें।

* पेंट में अतिरिक्त तेल न मिलाएं.

* थिनर और ड्रायर का दुरुपयोग न करें।

* पेंटिंग में अपरिष्कृत मिट्टी का तेल, स्टंप तारपीन या अज्ञात रचनाओं का उपयोग न करें।

मैं लंबे समय से इस पाठ को प्रकाशित करना चाहता था। मैंने इसे सोवियत पत्रिका "आर्टिस्ट" में पढ़ा। मैंने इसे पढ़ा और आश्चर्यचकित रह गया कि यह एक कला समीक्षक द्वारा लिखा गया था। उन दिनों ज्ञान का कितना सशक्त आधार था। और कला आलोचना कला व्यंजन के कितनी करीब थी। अब हर कलाकार के पास ऐसा ज्ञान नहीं होता. और कला आलोचना ने गैलरी-विशेषज्ञ चरित्र को और अधिक ग्रहण कर लिया है, वहां किस प्रकार के रंग और बनावट हैं...

हां, यह पाठ पाठकों के एक संकीर्ण समूह के लिए है। बल्कि सिर्फ कलाकारों और कलाकार बनने के इच्छुक लोगों के लिए। मुझे लगता है कि इस कला-ऐतिहासिक रचना से परिचित होने से साथी कार्यकर्ताओं को काफी लाभ होगा। (ए. लिसेंको। www.lysseno.ru)

तेल चित्रकला की बनावट के बारे में।

जिस किसी ने भी कम से कम एक बार ऑइल पेंट से पेंटिंग करने की कोशिश की है, वह जानता है कि एक स्ट्रोक में विमान पर केवल रंग और कुछ निश्चित रूपरेखाएँ ही नहीं होती हैं,
लेकिन मोटा भी, थोड़ा उठा हुआ। इसके अलावा, इसकी सतह का एक निश्चित चरित्र होता है, जो पेंट की मोटाई पर निर्भर करता है,
उस उपकरण से जिससे इसे लगाया जाता है, उस आधार के गुणों से जिस पर इसे लगाया जाता है। थोड़े से अनुभव के साथ भी, एक नौसिखिया चित्रकार
ध्यान दें कि स्ट्रोक की प्रकृति और पेंट की स्थिरता "उसके हाथ के नीचे से निकलने वाली छवि" के प्रति उदासीन नहीं है।
इसलिए, कभी-कभी पेंट बहुत अधिक तरल हो सकता है, स्ट्रोक चौड़ा, तरल हो जाता है और लेखक के लिए इसे संभालना मुश्किल हो जाता है।
कभी-कभी, इसके विपरीत, पेंट गाढ़ा लगता है और उसे नियंत्रित करना मुश्किल होता है; पैलेट पर प्रतीत होता है कि अच्छी तरह से चुना गया रंग
कैनवास पर खराब हो जाता है - बाल के बाल के बड़े खांचे रंग स्थान की स्पष्टता और चमक को नष्ट कर देते हैं। कभी-कभी यादृच्छिक स्ट्रोक पूरे काम को उसके लेखक की इच्छाओं के विपरीत, कठिन और अधूरा बना देते हैं। कभी-कभी बहुत हो जाता है
उदाहरण के लिए, ब्रश बदलें, बड़े ब्रिसल वाले ब्रश को छोटे कोलिन्स्की ब्रश से बदलें, एक अलग विलायक का उपयोग करें, पेंट परत की मोटाई बदलें, या स्ट्रोक के कुछ पूर्वकल्पित पैटर्न को छोड़ दें, और लंबे समय से मायावी वांछित प्रभाव अचानक आसानी से प्राप्त हो जाता है .
यहां शुरुआती को पेंटिंग के एक बहुत ही महत्वपूर्ण तत्व - तथाकथित बनावट - का सामना करना पड़ता है। बनावट पेंट परत की दृश्यमान और मूर्त संरचना है। यह पेंट परत की मोटाई, इसकी संरचना, चरित्र, आकार, दिशा, स्ट्रोक का आकार, एक दूसरे के साथ और आधार की सतह के साथ स्ट्रोक के संयोजन की प्रकृति - कैनवास, कार्डबोर्ड, आदि है।
जो कहा गया है, उससे हम पहले ही निष्कर्ष निकाल सकते हैं, सबसे पहले, कि बनावट एक पेंटिंग की एक अनिवार्य संपत्ति है:
सतह के बिना कोई पेंटिंग नहीं हो सकती, बिना अपने चरित्र के कोई सतह नहीं हो सकती। यहां तक ​​कि चिकनी, जानबूझकर पतली,
एक पारदर्शी पेंट परत पहले से ही एक विशेष बनावट का एक उदाहरण है। दूसरे, बनावट छवि के साथ जुड़ी हुई है और इस प्रकार
निर्मित कलात्मक छवि के साथ.
बनावट, चाहे वह सोची-समझी हो या यादृच्छिक, पहले से ही सचित्र कार्य का एक अविभाज्य हिस्सा है, न कि केवल विशुद्ध रूप से भौतिक,
लेकिन आलंकारिक रूप से अभिव्यंजक भी। एक पूरा किया गया कार्य वास्तव में तभी उत्तम होता है जब उसमें गुणवत्ता शामिल हो
पूर्ण "तैयारी", जब आप न तो कुछ जोड़ते हैं और न ही घटाते हैं। कैनवास पर रखा गया कोई भी स्ट्रोक पहले से ही भविष्य के कण हैं
एक तस्वीर जिस पर उसकी एकता, अखंडता और सुंदरता निर्भर करती है। चूँकि कलाकार पहले चरण से ही अपने काम के बारे में सोचता है
सामग्री में, यह महत्वपूर्ण है कि वह चुनी हुई तकनीक की बहुमुखी क्षमताओं को पूरी तरह से समझे।
सभी पेंटिंग तकनीकें एक-दूसरे से भिन्न हैं, प्रत्येक में कठिनाइयाँ, फायदे और अद्वितीय अवसर हैं। बिल्कुल
किसी भी तकनीक, यहां तक ​​कि ग्राफिक, में किए गए किसी भी काम की अपनी बनावट होती है। लेकिन सबसे बड़ा हित
और तेल चित्रकला सबसे बड़े अवसर प्रदान करती है। तेल सबसे लचीला और साथ ही सबसे जटिल पदार्थ है।
शुरुआती लोगों के बीच विपरीत राय आम है - उदाहरण के लिए, पानी के रंग की तुलना में तेल में रंगना आसान है। यह राय है
एकमात्र कारण यह है कि तेल आपको एक ही स्थान को कई बार फिर से लिखने की अनुमति देता है और इसलिए, काम को आसानी से सही कर देता है,
लेकिन जलरंग में यह असंभव है। यह राय गलत है, क्योंकि यह तेल चित्रकला की बनावट की आवश्यकताओं और संभावनाओं की अनदेखी करती है।
तेल चित्रकला के आगमन के बाद से, कलाकारों ने अपने कैनवस की रंगीन सतह का ध्यानपूर्वक ध्यान रखा है
पेंटिंग सामग्री की तकनीक विकसित की। मल्टी-लेयर पेंटिंग में पेंट लगाने की एक जटिल प्रणाली,
विभिन्न तेलों, वार्निश, थिनर के उपयोग को काफी हद तक कलाकारों की सृजन की नेक इच्छा से समझाया गया था
टिकाऊ कार्य जो नष्ट हुए बिना कई वर्षों तक जीवित रह सकते हैं। मास्टर, आदरपूर्वक
अपनी कला से चिंतित होकर, उन्होंने अपने कैनवास को पूर्णता की स्थिति में लाने का प्रयास किया। बेशक, और "उसके कैनवास की सतह
किसी तरह लापरवाही से नहीं संभाला जा सका। पुरानी पेंटिंग की कृतियाँ हर किसी को मोहित कर लेती हैं, यहाँ तक कि सबसे अनुभवहीन दर्शकों को भी,
निपुण तकनीक, उत्तम निष्पादन।
ओह, निःसंदेह, यह केवल ताकत की चिंता नहीं थी जिसने बनावट के प्रति पुराने उस्तादों के रवैये को निर्धारित किया। चित्रकला की बनावट उनके लिए एक कलात्मक साधन थी।
जैसा कि आप जानते हैं, पेंट को कैनवास पर एक मोटी अपारदर्शी परत में लगाया जा सकता है, जैसा कि वे कहते हैं, इम्पैस्टो, या, इसके विपरीत, आप तरल पारदर्शी स्ट्रोक के साथ पेंट कर सकते हैं,
ताकि जमीन या अंतर्निहित पेंट परतों को पेंट परत के माध्यम से देखा जा सके - पंजीकरण की इस विधि को ग्लेज़िंग कहा जाता है।
ऐसे पेंट हैं जो घने, अपारदर्शी और प्रकाश को प्रतिबिंबित करते हैं - तथाकथित बॉडी या कवरिंग पेंट, जिनमें शामिल हैं, उदाहरण के लिए, सफेद और कैडमियम।
पैलेट में बहुत सारे पारदर्शी या पारभासी पेंट भी होते हैं जो प्रकाश संचारित करते हैं - ये ग्लेज़ पेंट हैं (उदाहरण के लिए, धब्बे, मर्स, आदि)।
सफेद रंग का उपयोग करके मिश्रण के साथ पेस्टी पंजीकरण
ऐसे रंग दें जो ग्लेज़ की तुलना में ठंडे, सघन, "सुस्त" हों, "प्रकाश में" पेंटिंग करें, जो गहरे रंग देता है,
समृद्ध, गर्म.
पुराने स्वामी व्यापक रूप से और सचेत रूप से तेल पेंट के ऑप्टिकल गुणों और आवेदन के तरीकों का उपयोग करते थे। इसे सुसंगतता की एक सुविचारित प्रणाली में व्यक्त किया गया था
पेंट की वैकल्पिक परतें। इस प्रणाली को विशुद्ध रूप से योजनाबद्ध रूप से निम्नानुसार दर्शाया जा सकता है। ड्राइंग को जमीन पर स्थानांतरित करने के बाद
कलाकार ने छवि को एक या दो रंगों में चित्रित किया, गर्म या ठंडा, यह उसके सामने आने वाले रंगीन कार्यों पर निर्भर करता है,
ड्राइंग पर प्राथमिक ध्यान देना,
काइरोस्कोरो की मूल बातें रेखांकित करना। यह तथाकथित लेखन तेल या टेम्परा पेंट की तरल परत के साथ किया गया था।
इसके बाद एक इम्पैस्टो परत आई, मुख्य रूप से एक व्हाइटवॉश अंडरपेंटिंग, जिसमें सामग्री मॉडलिंग पर विशेष ध्यान दिया गया था
खंड, चित्रकारी उभार, प्रकाशित स्थान। सूखी इम्पैस्टो परत के ऊपर उन्होंने ग्लेज़ के साथ लिखा, वांछित प्राप्त किया
रंग समाधान.
इस विधि से रंगों की विशेष तीव्रता, गहराई और विविधता प्राप्त की गई, बहुआयामी संभावनाओं का उपयोग किया गया
ग्लेज़ पेंट, जबकि बनावट का वास्तविक मॉडलिंग इम्पैस्टो परत, प्लास्टिक में किया गया था,
मोटे तौर पर लगाए गए बॉडी पेंट के "भौतिक" गुण।
बेशक, हमारे द्वारा उल्लिखित "तीन-परत" विधि की योजना विभिन्न द्वारा उपयोग की जाने वाली अनंत प्रकार की विधियों का एक प्रकार का सामान्यीकरण है
वास्तविक प्रणालियों के स्वामी, जिनमें से प्रत्येक के अपने फायदे और नुकसान थे। अलग-अलग कलाकार अलग-अलग तरीकों से
प्रत्येक परत से संबंधित, कभी-कभी किसी भी परत से इनकार भी करता था; कुछ के लिए, पेस्टी परत प्रमुख महत्व की थी,
दूसरों ने ग्लेज़ पर प्राथमिक ध्यान दिया; प्रत्येक परत में कलाकारों ने अलग-अलग तरीके से काम किया। उदाहरण के लिए,
कभी-कभी इम्पैस्टो परत लगभग शुद्ध सफेद रंग से लिखी जाती थी, कभी-कभी इसे रंगीन किया जाता था, जिसमें मुख्य रंग संबंधी समस्याओं का समाधान किया जाता था;
विभिन्न कलाकारों ने तथाकथित "रगड़" से लेकर आधे-शरीर आदि तक विभिन्न प्रकार के ग्लेज़िंग को प्राथमिकता दी। एक ही समय में, और एक ही कैनवास के भीतर, कलाकारों ने विभिन्न प्रकार के संयोजन किए
विभिन्न टुकड़ों को संसाधित करने के तरीके.
यहां तक ​​कि एक ही स्कूल के कलाकारों के बीच भी, हम अक्सर पाठ्य कार्यों के लिए पूरी तरह से अलग कलात्मक दृष्टिकोण का सामना करते हैं।
यह विशेष रूप से महान रेम्ब्रांट और उनके छात्रों के उदाहरण में स्पष्ट रूप से देखा जाता है। रेम्ब्रांट भी उनके अद्भुत लोगों में से हैं
समकालीन लोग अपने कैनवस की बनावट वाली संरचनाओं की विशेष व्यक्तिगत मौलिकता के लिए खड़े हैं। रेम्ब्रांट का जादू
रंग, उनके कैनवस की विशेष विशिष्टता को भौतिक चित्रात्मक साधनों का अध्ययन किए बिना नहीं समझाया जा सकता है,
जिससे "आध्यात्मिक" सौंदर्य प्राप्त होता है। महान डचमैन के लिए, पेंट का आध्यात्मिक स्वरूप एक विशेष जीवन जीता है।
रेम्ब्रांट के चित्रों की बनावट, इतनी शानदार, सुंदर, उत्तम और साथ ही इतनी असामान्य, हमेशा नहीं होती
समकालीनों द्वारा पसंद किया गया जो अन्य बनावट समाधानों के आदी थे, ढेलेदार, कठिन, भारी, उदाहरण के लिए, तुलना में
17वीं सदी के एक और उल्लेखनीय डचमैन, फ्रैंस हेल्स के ब्रश की सहजता और स्वतंत्रता के साथ, यहां तक ​​​​कि अपने आप में भी बहुत कुछ कह सकते हैं
चौकस दर्शक को बताओ.
तेल चित्रकला का इतिहास विभिन्न प्रकार के बनावट समाधान प्रदान करता है, जिसमें पारंपरिक बहु-परत पेंटिंग का परित्याग भी शामिल है।
सिस्टम और नई संरचना संभावनाओं को खोलना। रेम्ब्रांट बनावट का जादुई वैभव, बनावट का संयम
पुराने डचों के बीच, बाउचर के चित्रों की "चीनी मिट्टी" की सतह, रोमांटिक डेलाक्रोइक्स का चौड़ा ब्रश, फिसलती अस्थिरता,
गतिशीलता, क्लाउड मोनेट द्वारा कांपते ब्रशस्ट्रोक, पेंट के साथ संघर्ष, तनाव, ब्रशस्ट्रोक की ऊर्जा, "कच्चे" का पंथ
वान गाग से ट्यूब पेंट... एक बनावटी समाधान कोई ऐसी चीज़ नहीं है जो एक बार और सभी के लिए मिल जाती है, चाहे वह प्रत्येक व्यक्ति में कितनी ही सफल क्यों न हो
यदि ऐसा कभी नहीं हुआ, तो इसे हर बार नए सिरे से बनाया जाता है, प्रत्येक युग बनावट के निर्माण के अपने स्वयं के पैटर्न ढूंढता है
कलाकार का बनावट समाधान एक विशेष, अद्वितीय चेहरा लेता है; प्रत्येक कैनवास में बनावट व्यक्तिगत रूप से अद्वितीय होती है।

19वीं शताब्दी के बाद से, कलाकारों ने अंडरपेंटिंग के साथ मल्टी-लेयर पेंटिंग की पारंपरिक प्रणाली को तेजी से त्याग दिया है
शीशा लगाना। इससे अत्यधिक स्वतंत्रता, शीघ्रता से लिखने और एक ही समय में सभी औपचारिक समस्याओं को हल करने की क्षमता मिलती है।
तथाकथित ला प्राइमा तकनीक तेजी से लोकप्रिय हो रही है, जिसकी विशिष्टता कलाकार है
एक परत में लिखता है. हालाँकि, यह विधि हमेशा कलात्मक लक्ष्यों को पूरा नहीं करती है। इसलिए, कई चित्रकार पसंद करते हैं
अपने सभी या कुछ कैनवस पर लंबे समय तक काम करते हुए लौटना
पहले से ही. निर्धारित और सूखे टुकड़े, लेकिन वैकल्पिक परतों के पारंपरिक सिद्धांत का पालन किए बिना।
बनावट के मुद्दों को सुलझाने में अधिक स्वतंत्रता और स्वतंत्रता कई चित्रकारों को खोज करने के लिए प्रेरित करती है। 19वीं सदी के अंत से
कलाकार बनावट के क्षेत्र में विशेष रूप से गहन प्रयोग कर रहे हैं, बनावट निर्माण अधिक से अधिक विविध होते जा रहे हैं,
अधिक से अधिक नए समाधान।
यह आज़ादी, परंपरा से मुक्ति, खतरों से भरी है। मुद्दे पर कलाकारों के विशुद्ध रूप से औपचारिक दृष्टिकोण के साथ
बनावट में अक्सर रंग की संभावनाओं के प्रति कलाकार की पूर्ण उदासीनता, रंगीन के प्रति एक निष्प्राण रवैया पाया जा सकता है
सतह, जो पुरानी पेंटिंग में लगभग कभी नहीं पाई जाती है। कुछ कलाकार पेंट में एक छवि के जन्म पर जोर देना चाहते हैं,
रंगीन गड़बड़ी में, वे सामग्री के पंथ के नाम पर छवि को त्यागने की हद तक पेंट का आनंद लेते हैं; अन्य लोग पूरी चीज़ चाहते हैं
इसे प्रतिनिधित्व के कार्य में अधीन करना, जबकि जितना संभव हो सके इसकी स्वतंत्र भौतिकता को मारना - लेकिन यह, निश्चित रूप से, एक चरम है,
जिसके अंदर कई ग्रेडेशन होते हैं. निःसंदेह, कोई कलाकार पर पेंट के प्रति यह या वह रवैया नहीं थोप सकता,
लेकिन फिर भी ऐसा लगता है कि एक सच्चा कलाकार अपनी सामग्री, पेंट से प्यार नहीं कर सकता; साथ ही आपको उसका नहीं बनना चाहिए
गुलाम हालाँकि, प्रत्येक कलाकार को अपनी सामग्री को समझने, उसकी सुंदरता को महसूस करने और पेंट की "आत्मा" को समझने की आवश्यकता है।
केवल तभी एक चित्रकार का अपने काम के प्रति सचेत दृष्टिकोण संभव है, केवल इस मामले में ही सफलता की गारंटी दी जा सकती है।

एक और खतरा है पेंट लगाने के लिए गहराई से सोची-समझी प्रणाली का अभाव, अपर्याप्त रूप से सूखे पेंट का बार-बार लगाना।
पेंटिंग के टुकड़े, विभिन्न सामग्रियों का मनमाना उपयोग, विशेष रूप से थिनर, शिल्प पक्ष की उपेक्षा,
जिसमें फीका पड़ना, रंग बदलना और पेंट की परत का नष्ट होना शामिल है।
रंग की गुणवत्ता और रंग के धब्बे की अखंडता पेंट परत की बनावट और आधार की बनावट के साथ इसके संयोजन पर निर्भर करती है।
रंग और टोन के रंगों की एक अंतहीन विविधता न केवल पैलेट पर विभिन्न पेंटों को यांत्रिक रूप से मिलाकर प्राप्त की जाती है,
बल्कि पेंट की अलग-अलग परतों को बारी-बारी से, पेंट लगाने के विभिन्न तरीकों का उपयोग करके भी। रंग की गहराई, संतृप्ति, चमक निर्धारित की जाती है
न केवल मिश्रण में विभिन्न रंगों के मात्रात्मक अनुपात से, बल्कि इसके घनत्व, स्ट्रोक की मोटाई आदि से भी।
उदाहरण के लिए, पारदर्शी ग्लेज़ पेंट, जो पतली परतों में गहरे, संतृप्त रंग की विशेषता रखते हैं, "प्रकाश में", अंतहीन देते हैं
आधार के रंग के आधार पर विभिन्न प्रकार के शेड्स जिस पर उन्हें रखा जाता है, उदाहरण के लिए, यदि गुच्छों, मिश्रण में उपयोग किया जाता है,
संघनित तेल या वार्निश के साथ, वे अंदर से झिलमिलाती सबसे दिलचस्प अर्ध-पारभासी, रंगीन परतें देते हैं। एक ही समय में
गाढ़ा अपारदर्शी बॉडी पेंट, बहुत लचीला, इम्पैस्टो परतों में आकर्षक, पतला किया जा सकता है और एक तरल पारभासी परत के साथ चित्रित किया जा सकता है।
साथ ही, इस प्रकार के पेंट्स की नई "ग्लेज़" क्षमताएं सामने आती हैं, हालांकि ग्लेज़ पेंट्स जितनी समृद्ध नहीं हैं।
साथ ही, हमें ग्लेज़ और बॉडी पेंट की विशिष्ट क्षमताओं और उनके उपयोग के पारंपरिक तरीकों के बारे में भी नहीं भूलना चाहिए।
अक्सर, कई चित्रात्मक प्रभाव जिन्हें एक बार में प्राप्त करना मुश्किल होता है, यदि आप पेंटिंग प्रक्रिया को तोड़ते हैं तो आसानी से प्राप्त हो जाते हैं,
अर्थात्, पेंट के ऑप्टिकल गुणों को ध्यान में रखते हुए, दो या दो से अधिक परतों की एक प्रणाली लागू करें। उदाहरण के लिए, पारदर्शी या पारभासी का भ्रम प्राप्त करने के लिए,
आप ड्राई ग्लेज़िंग का सहारा ले सकते हैं। इस मामले में, उस मिट्टी या पेंट की परत की प्रकृति के बारे में पहले से सोचना आवश्यक है जिस पर कलाकार ग्लेज़ से पेंटिंग करने जा रहा है।
ग्लेज़िंग चित्रात्मक संभावनाओं में बहुत समृद्ध है, जिसे आधुनिक चित्रकारों द्वारा शायद ही उपेक्षित किया जाना चाहिए, जब तक कि निश्चित रूप से, यह विधि कुछ पाए गए का खंडन नहीं करती है
लेखक की पेंट उपयोग प्रणाली, जो पूरी तरह से उसके कलात्मक लक्ष्यों को पूरा करती है।
तेल पेंट के विशेष प्लास्टिक गुण आपको घने स्ट्रोक के विभिन्न प्रकार के संयोजन बनाने की अनुमति देते हैं, लगभग वस्तुतः पेंट में मूर्तिकला। चित्रकला की एक विशेष भौतिकता प्राप्त करना,
कलाकार पेंट के इन प्लास्टिक गुणों का उपयोग कर सकता है: स्ट्रोक को किसी वस्तु के आकार के अनुसार या उसके विपरीत रखा जा सकता है, उसे गढ़ा जा सकता है या अंतरिक्ष में, हवा में घोला जा सकता है
- यह सब इस बात पर निर्भर करता है कि वह किन कार्यों को सामने लाता है।
विभिन्न बनावटों के साथ खेलकर, कलाकार चित्रित वस्तुओं की स्पर्शशीलता की विभिन्न डिग्री प्राप्त कर सकता है। उच्च बनावट छवि को दर्शक के सामने लाती प्रतीत होती है।
इसलिए, अग्रभूमि के विषय को पृष्ठभूमि में से "फाड़ने" के लिए, कलाकार इसे और अधिक भावपूर्ण तरीके से चित्रित कर सकता है। साथ ही, अंतरिक्ष की सीमा बताना चाहते हैं,
वह दूर की योजनाओं को गहराई तक ले जाने के लिए पेंट के पतले तरल स्ट्रोक का उपयोग कर सकता है।
इसका एपर्चर अनुपात पेंट स्पॉट की बनावट पर भी निर्भर करता है। उदाहरण के लिए, लंबे समय से कलाकारों ने रोशनी वाले या चमकदार स्थानों को छाया की तुलना में कहीं अधिक भावपूर्ण ढंग से चित्रित किया है,
जिन्हें आमतौर पर गहरे रंग के ग्लेज़ पेंट के पारदर्शी स्ट्रोक के साथ चित्रित किया गया था। हालाँकि, इसका मतलब यह नहीं है कि ऐसी तकनीकों को नियम बना दिया जाना चाहिए।
विभिन्न प्रकार के बनावट संयोजनों का उपयोग करके, कलाकार विभिन्न चित्रित वस्तुओं की पेंटिंग को व्यक्तिगत बना सकता है और प्रकृति की बनावट विविधता को व्यक्त कर सकता है।
एक कलाकार अलग-अलग रखे गए स्ट्रोक से पेंटिंग कर सकता है, एक-दूसरे से जुड़े हुए नहीं, और सभी स्ट्रोक की "पूर्ण" एकता प्राप्त कर सकता है; वह एक खुरदरे ब्रिसल वाले ब्रश से पेंटिंग कर सकता है,
और उसके स्ट्रोक की बनावट खुरदरी, खुरदरी होगी, लेकिन वह पैलेट चाकू से पेंट की परत को समतल कर सकता है और एक चिकनी परावर्तक सतह प्राप्त कर सकता है; छोटा ब्रश
वह ऐसे स्ट्रोक लगा सकता है जो आंखों के लिए मुश्किल से ध्यान देने योग्य हों और सबसे जटिल बनावट को तराश सकता है, या वह पेंट की परत में रेखाएं खरोंच सकता है, उदाहरण के लिए, अपने ब्रश के विपरीत छोर से, अंत में वह लेट भी सकता है या समतल कर सकता है अपनी उंगली से पेंट करें - यह सब उसके सामने आने वाले कार्य पर निर्भर करता है।
हालाँकि, किसी को किसी वस्तु की बनावट के प्रत्यक्ष भ्रमपूर्ण हस्तांतरण का प्रयास नहीं करना चाहिए - उदाहरण के लिए, किसी पेड़ की छाल का चित्रण करते समय, रंगीन परतों के साथ उसकी नकल करें,
वस्तुतः छाल की बनावट को दोहराना, या लिखना, उदाहरण के लिए, बालों को अलग-अलग पतले, लंबे स्ट्रोक में लिखना। इस तरह के "ललाट" उपयोग के साथ, बनावट छीन ली जाती है
और किसी वस्तु के कुछ व्यक्तिगत गुणों को दूसरों के नुकसान के लिए बढ़ा-चढ़ाकर पेश किया जाता है (आयतन के नुकसान के लिए बनावट, अंतरिक्ष में रंग, आदि)।
विवरणों की इस नकल में, संपूर्ण की दृष्टि खो जाती है, जिसके परिणामस्वरूप एक अप्रिय प्रकृतिवाद उत्पन्न होता है।
इसलिए, कलाकार को रंग, वॉल्यूमेट्रिक, स्थानिक, बनावट और अंततः रचनात्मक और कलात्मक कार्यों के पूरे सेट से आगे बढ़ना चाहिए जो उसके सामने आते हैं।
उपयोग की जाने वाली सभी प्रकार की तकनीकों के साथ बनावट समाधान को एक निश्चित अखंडता से अलग किया जाना चाहिए, जिसके बिना चित्र की एकता और इसकी पूर्णता असंभव है।
पहले से ही अपने काम के प्रारूप, उसके आयामों का निर्धारण करते हुए, कलाकार को हमेशा अपने द्वारा चुने गए आधार के गुणों को ध्यान में रखना चाहिए - मोटे दाने वाला, बारीक दाने वाला, मध्यम दाने वाला कैनवास,
चिकने गत्ते, बोर्ड आदि, कैनवास धागों की बुनाई की विशेष प्रकृति।
16वीं शताब्दी में टिटियन के युग से, वेनिस चित्रकला के उत्कर्ष के समय से ही मोटे अनाज वाले कैनवास के साथ "खेला" जाता रहा है; वे उस पर चौड़े ब्रश से पेंटिंग करते हैं, जिससे अद्वितीय चित्रात्मक प्रभाव प्राप्त होता है।
यदि कोई कलाकार बहुत बढ़िया आभूषण चित्रण की परवाह करता है, छवि की विशेष सटीकता और चित्रण के लिए प्रयास करता है, तो वह मोटे अनाज वाले आधार को चुनकर अपने निर्णय को जटिल नहीं बनाएगा।
- वह एक छोटे काम के लिए महीन दाने वाले कैनवास और एक बड़ी पेंटिंग के लिए मध्यम दाने वाले कैनवास पर काम करेगा। यह संभावना नहीं है कि वह "व्यापक ब्रश", व्यापक बनावट की संभावनाओं का उपयोग करता है।
हालाँकि, इसका मतलब यह नहीं है कि इसकी बनावट आवश्यक रूप से "चिकनी" होगी, हालाँकि, निश्चित रूप से, ऐसा समाधान मौजूद हो सकता है यदि यह लेखक के उद्देश्यों को पूरा करता हो।
आधार की चिकनी सतह को सावधानी से संरक्षित किया जा सकता है, ब्रश के हल्के स्पर्श कैनवास की विशेष प्राचीनता और ताजगी को परेशान नहीं करते हैं, और साथ ही स्थानिक समाधान के लिए विशेष संभावनाएं हैं
कार्य. कभी-कभी आधार की चिकनी सतह, कलाकार द्वारा स्वयं बनाई गई पेंट परत की बनावट के विपरीत होती है,
इस मामले में, आधार की बनावट निष्प्रभावी हो जाती है। एक तकनीक से दूसरी तकनीक की ओर बढ़ते समय, कलाकार विशेष रूप से प्रत्येक की विशिष्ट विशेषताओं को स्पष्ट रूप से महसूस करता है।
एक नौसिखिया को विभिन्न सामग्रियों के विशिष्ट गुणों, प्रत्येक के अद्वितीय आकर्षण को समझने और सबसे उपयुक्त तकनीक चुनने के लिए विभिन्न तकनीकों को आज़माने की सलाह दी जा सकती है।
उनकी रचनात्मक आकांक्षाओं से मेल खाता है।
अपने विकास के एक निश्चित चरण में, कलाकार सचेत रूप से बनावट के मुद्दों को हल करना शुरू कर देता है। यह क्षण जितनी जल्दी आएगा, कलाकार के लिए उतना ही अच्छा होगा।
यह केवल इतना महत्वपूर्ण है कि, रचनात्मकता के जटिल अभिन्न कार्य के किसी भी अन्य पहलू की तरह, यह अतिरंजित नहीं है, अपने अन्य पहलुओं से स्वतंत्र रूप से अलग-थलग विकसित नहीं होता है,
आत्मनिर्भर औपचारिक प्रयोग में नहीं बदलेगा। निःसंदेह, प्रत्येक कलाकार को प्रयोग करने का अधिकार है, चाहे वह विशुद्ध रूप से औपचारिक प्रकृति का ही क्यों न हो, और एक चित्रकार को बनावट के क्षेत्र में प्रयोग करने का अधिकार है,
विशेष रूप से एक नौसिखिया के लिए, मैं केवल सलाह दे सकता हूँ। हालाँकि, यह महत्वपूर्ण है कि कला का एक पहलू अन्य सभी को ख़त्म न कर दे। इसलिए, कलाकार को इस बात की जानकारी होनी चाहिए कि उसकी खोज क्या है
एक औपचारिक प्रयोग, या यह उसकी कलात्मक भाषा है, वह सब कुछ व्यक्त करने में सक्षम है जो वह कहना चाहता है। यहां यह महत्वपूर्ण है कि नौसिखिया इस या उस तरीके के आकर्षण के आगे न झुकें,
अपनी स्वयं की पहचान को संरक्षित करने या खोजने में कामयाब रहे, जो न केवल इन महत्वपूर्ण से निर्धारित होती है, बल्कि संपूर्ण से बहुत दूर है और कलाकार की अन्य रुचियों, पाठ्य संबंधी खोजों से स्वायत्त नहीं है।

मैं बोलोटिना। पत्रिका "कलाकार"। दिसंबर। 1967

रचना के अपने नियम हैं जो कलात्मक अभ्यास और सिद्धांत के विकास की प्रक्रिया में विकसित होते हैं। यह प्रश्न बहुत जटिल और व्यापक है, इसलिए यहां हम उन नियमों, तकनीकों और साधनों के बारे में बात करेंगे जो एक कथानक रचना बनाने में मदद करते हैं, एक विचार को कला के काम के रूप में अनुवादित करते हैं, यानी रचना निर्माण के नियमों के बारे में।

हम मुख्य रूप से उन पर विचार करेंगे जो यथार्थवादी कार्य बनाने की प्रक्रिया से संबंधित हैं। यथार्थवादी कला केवल वास्तविकता को प्रतिबिंबित नहीं करती है, बल्कि सामान्य चीजों की अद्भुत सुंदरता - दुनिया की सौंदर्य संबंधी खोज - में कलाकार की खुशी का प्रतीक है।

बेशक, कोई भी नियम कलात्मक क्षमताओं और रचनात्मक प्रतिभा की कमी की भरपाई नहीं कर सकता। प्रतिभाशाली कलाकार सहजता से सही रचना समाधान ढूंढ सकते हैं, लेकिन रचना प्रतिभा विकसित करने के लिए सिद्धांत का अध्ययन करना और उसके व्यावहारिक कार्यान्वयन पर कड़ी मेहनत करना आवश्यक है।

रचना कुछ कानूनों के अनुसार बनाई गई है। इसके नियम और तकनीकें आपस में जुड़ी हुई हैं और रचना पर काम के सभी क्षणों में लागू होती हैं। हर चीज़ का उद्देश्य कला के काम की अभिव्यक्ति और अखंडता प्राप्त करना है।

एक मूल रचनात्मक समाधान की खोज, कलात्मक अभिव्यक्ति के साधनों का उपयोग जो कलाकार की योजना को साकार करने के लिए सबसे उपयुक्त हैं, रचना की अभिव्यक्ति का आधार बनते हैं।

तो, आइए किसी कला कृति के निर्माण के मूल सिद्धांतों पर नजर डालें, जिन्हें नियम, तकनीक और रचना के साधन कहा जा सकता है।

रचना का मुख्य विचार अच्छे और बुरे, हर्षित और उदास, नए और पुराने, शांत और गतिशील आदि के विरोधाभासों पर बनाया जा सकता है।

एक सार्वभौमिक उपकरण के रूप में कंट्रास्ट एक उज्ज्वल और अभिव्यंजक कार्य बनाने में मदद करता है। पेंटिंग पर अपने ग्रंथ में लियोनार्डो दा विंची ने आकारों (उच्च के साथ निम्न, बड़े के साथ छोटे, मोटे के साथ पतले), बनावट, सामग्री, मात्रा, विमान, आदि के विरोधाभासों का उपयोग करने की आवश्यकता के बारे में बात की।

टोनल और रंग कंट्रास्ट का उपयोग किसी भी शैली के ग्राफिक्स और पेंटिंग के कार्यों को बनाने की प्रक्रिया में किया जाता है।

35. लियोनार्डो दा विंची। जिनेव्रा डी बेन्सी का पोर्ट्रेट

एक हल्की वस्तु गहरे रंग की पृष्ठभूमि में बेहतर दिखाई देती है और अधिक अभिव्यंजक होती है, और इसके विपरीत, एक प्रकाश वाली पृष्ठभूमि में एक गहरी वस्तु अधिक अभिव्यंजक होती है।

वी. सेरोव की पेंटिंग "गर्ल विद पीचिस" (बीमार 36) में आप स्पष्ट रूप से देख सकते हैं कि लड़की का काला चेहरा रोशनी वाली खिड़की की पृष्ठभूमि के सामने एक काले धब्बे के रूप में खड़ा है। और यद्यपि लड़की की मुद्रा शांत है, उसकी उपस्थिति में सब कुछ असीम रूप से जीवंत है, ऐसा लगता है कि वह मुस्कुराने वाली है, अपनी निगाहें बदलने वाली है और हिलने वाली है। जब किसी व्यक्ति को उसके व्यवहार के एक विशिष्ट क्षण में चित्रित किया जाता है, जो हिलने-डुलने में सक्षम होता है, जमे हुए नहीं, तो हम ऐसे चित्र की प्रशंसा करते हैं।

36. वी. सेरोव। आड़ू वाली लड़की

बहु-आकृति विषयगत रचना में विरोधाभासों के उपयोग का एक उदाहरण के. ब्रायलोव की पेंटिंग "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" (बीमार 37) है। इसमें ज्वालामुखी विस्फोट के दौरान मौत के दुखद क्षण को दर्शाया गया है। इस पेंटिंग की रचना प्रकाश और अंधेरे धब्बों, विभिन्न विरोधाभासों की लय पर बनी है। आकृतियों के मुख्य समूह दूसरी स्थानिक योजना पर स्थित हैं। वे बिजली की चमक से सबसे मजबूत प्रकाश द्वारा उजागर होते हैं और इसलिए उनमें सबसे अधिक विरोधाभास होता है। इस विमान के आंकड़े विशेष रूप से गतिशील और अभिव्यंजक हैं, और सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक विशेषताओं द्वारा प्रतिष्ठित हैं। घबराहट, भय, निराशा और पागलपन - यह सब लोगों के व्यवहार, उनकी मुद्राओं, हावभावों, कार्यों, चेहरों पर परिलक्षित होता था।

37. के. ब्रायलोव। पोम्पेई का आखिरी दिन

रचना की अखंडता को प्राप्त करने के लिए, आपको ध्यान के केंद्र को उजागर करना चाहिए जहां मुख्य चीज़ स्थित होगी, माध्यमिक विवरणों को छोड़ देना चाहिए, और उन विरोधाभासों को म्यूट करना चाहिए जो मुख्य चीज़ से ध्यान भटकाते हैं। कार्य के सभी भागों को प्रकाश, स्वर या रंग के साथ जोड़कर संरचनागत अखंडता प्राप्त की जा सकती है।

रचना में एक महत्वपूर्ण भूमिका उस पृष्ठभूमि या वातावरण को दी जाती है जिसमें कार्रवाई होती है। चित्र की विषयवस्तु को प्रकट करने के लिए पात्रों का वातावरण बहुत महत्वपूर्ण है। यदि आपको सबसे विशिष्ट इंटीरियर या परिदृश्य सहित योजना को लागू करने के लिए आवश्यक साधन मिलते हैं तो प्रभाव की एकता और रचना की अखंडता प्राप्त की जा सकती है।

इसलिए, रचना की अखंडता कलाकार की माध्यमिक को मुख्य चीज़ के अधीन करने की क्षमता, सभी तत्वों के एक दूसरे के साथ संबंध पर निर्भर करती है। अर्थात्, रचना में किसी मामूली चीज़ का तुरंत ध्यान खींचना अस्वीकार्य है, जबकि सबसे महत्वपूर्ण चीज़ पर किसी का ध्यान नहीं जाता। लेखक की योजना के विकास में कुछ नया जोड़ते हुए प्रत्येक विवरण को आवश्यक माना जाना चाहिए।

याद करना:

- संपूर्ण क्षति के बिना रचना के किसी भी भाग को हटाया या प्रतिस्थापित नहीं किया जा सकता है;

- पूरे हिस्से को नुकसान पहुंचाए बिना हिस्सों को आपस में नहीं बदला जा सकता;

- समग्रता को नुकसान पहुंचाए बिना रचना में कोई नया तत्व नहीं जोड़ा जा सकता।

रचना के सिद्धांतों को जानने से आपको अपने चित्रों को अधिक अभिव्यंजक बनाने में मदद मिलेगी, लेकिन यह ज्ञान अपने आप में एक अंत नहीं है, बल्कि सफलता प्राप्त करने में मदद करने का एक साधन मात्र है। कभी-कभी रचनात्मक नियमों का जानबूझकर किया गया उल्लंघन एक रचनात्मक सफलता बन जाता है यदि यह कलाकार को उसकी योजना को अधिक सटीक रूप से साकार करने में मदद करता है, अर्थात, नियमों के अपवाद हैं। उदाहरण के लिए, यह अनिवार्य माना जा सकता है कि किसी चित्र में, यदि सिर या आकृति दाहिनी ओर मुड़ी हुई है, तो उसके सामने खाली स्थान छोड़ना आवश्यक है ताकि जिस व्यक्ति को चित्रित किया जा रहा है, अपेक्षाकृत बोलने के लिए, उसे देखने के लिए कहीं जगह हो। और, इसके विपरीत, यदि सिर को बाईं ओर घुमाया जाता है, तो इसे केंद्र के दाईं ओर स्थानांतरित कर दिया जाता है।

वी. सेरोव ने एर्मोलोवा के अपने चित्र में इस नियम को तोड़ा है, जिससे एक अद्भुत प्रभाव प्राप्त होता है - ऐसा लगता है कि महान अभिनेत्री उन दर्शकों को संबोधित कर रही है जो चित्र के फ्रेम के बाहर हैं। रचना की अखंडता इस तथ्य से प्राप्त होती है कि आकृति का सिल्हूट पोशाक की ट्रेन और दर्पण (बीमार 38) द्वारा संतुलित होता है।

38. वी. सेरोव। एर्मोलोवा का पोर्ट्रेट

निम्नलिखित संरचनागत नियमों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: गति का संचरण (गतिशीलता), आराम (स्थिरता), सुनहरा अनुपात (एक तिहाई)।

रचना तकनीकों में शामिल हैं: लय, समरूपता और विषमता को व्यक्त करना, रचना के हिस्सों को संतुलित करना और कथानक और रचना केंद्र को उजागर करना।

रचना के साधनों में शामिल हैं: प्रारूप, स्थान, रचना केंद्र, संतुलन, लय, कंट्रास्ट, काइरोस्कोरो, रंग, सजावट, गतिशीलता और स्थैतिक, समरूपता और विषमता, खुलापन और बंदपन, अखंडता। इस प्रकार, रचना के साधन वह सब कुछ हैं जो इसे बनाने के लिए आवश्यक हैं, जिसमें इसकी तकनीकें और नियम भी शामिल हैं। वे विविध हैं, अन्यथा उन्हें रचना की कलात्मक अभिव्यक्ति का साधन कहा जा सकता है। यहां सभी के नाम नहीं हैं, केवल मुख्य नाम हैं।

लय, गति और विश्राम का संचरण

लय एक सार्वभौमिक प्राकृतिक संपत्ति है। यह वास्तविकता की कई घटनाओं में मौजूद है। जीवित प्रकृति की दुनिया के उदाहरण याद रखें जो किसी न किसी तरह से लय (ब्रह्मांडीय घटनाएं, ग्रहों का घूमना, दिन और रात का परिवर्तन, चक्रीय मौसम, पौधों और खनिजों की वृद्धि, आदि) से जुड़े हुए हैं। लय का तात्पर्य सदैव गति से है।

जीवन में लय और कला में लय एक ही चीज़ नहीं है। कला में लय, लयबद्ध उच्चारण, उसकी असमानता, प्रौद्योगिकी की तरह गणितीय परिशुद्धता नहीं, बल्कि जीवित विविधता, एक उपयुक्त प्लास्टिक समाधान खोजने में रुकावटें संभव हैं।

ललित कला के कार्यों में, संगीत की तरह, कोई सक्रिय, तीव्र, भिन्नात्मक लय या सहज, शांत, धीमी लय के बीच अंतर कर सकता है।

लय किसी भी तत्व का एक निश्चित क्रम में प्रत्यावर्तन है।

पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला और सजावटी कलाओं में, लय रचना के सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यंजक साधनों में से एक के रूप में मौजूद है, जो न केवल छवि के निर्माण में भाग लेता है, बल्कि अक्सर सामग्री को एक निश्चित भावनात्मकता भी प्रदान करता है।

39. प्राचीन यूनानी चित्रकला. हरक्यूलिस और ट्राइटन नाचते हुए नेरिड्स से घिरे हुए हैं

लय को रेखाओं, प्रकाश और छाया के धब्बों, रंग के धब्बों द्वारा निर्धारित किया जा सकता है। आप रचना के समान तत्वों के विकल्प का उपयोग कर सकते हैं, उदाहरण के लिए, लोगों की आकृतियाँ, उनके हाथ या पैर (चित्र 39)। परिणामस्वरूप, मात्राओं के विरोधाभासों पर लय का निर्माण किया जा सकता है। लोक और सजावटी कला के कार्यों में लय को विशेष भूमिका दी जाती है। विभिन्न आभूषणों की सभी असंख्य रचनाएँ उनके तत्वों के एक निश्चित लयबद्ध विकल्प पर बनी हैं।

रिदम "जादू की छड़ी" में से एक है जिसके साथ आप एक विमान पर गति व्यक्त कर सकते हैं (चित्र 40)।

40. ए. रायलोव। नीले विस्तार में

हम लगातार बदलती दुनिया में रहते हैं। ललित कला के कार्यों में, कलाकार समय बीतने का चित्रण करने का प्रयास करते हैं। किसी पेंटिंग में गति समय की अभिव्यक्ति है। किसी पेंटिंग, फ़्रेस्को, ग्राफ़िक शीट और चित्रों में, हम आम तौर पर कथानक की स्थिति के संबंध में हलचल का अनुभव करते हैं। घटनाओं और मानवीय चरित्रों की गहराई ठोस कार्रवाई, आंदोलन में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होती है। यहां तक ​​कि चित्रांकन, परिदृश्य या स्थिर जीवन जैसी शैलियों में भी, सच्चे कलाकार न केवल कब्जा करने का प्रयास करते हैं, बल्कि छवि को गतिशीलता से भरने, एक निश्चित अवधि में कार्रवाई में इसके सार को व्यक्त करने या यहां तक ​​कि भविष्य की कल्पना करने का भी प्रयास करते हैं। कथानक की गतिशीलता न केवल कुछ वस्तुओं की गति से, बल्कि उनकी आंतरिक स्थिति से भी जुड़ी हो सकती है।

41. लय और गति

कला के जिन कार्यों में गति होती है उन्हें गतिशील माना जाता है।

लय गति को क्यों व्यक्त करती है? यह हमारी दृष्टि की विशिष्टता के कारण है। टकटकी, एक सचित्र तत्व से दूसरे, उसके समान, की ओर बढ़ते हुए, जैसे वह थी, आंदोलन में भाग लेती है। उदाहरण के लिए, जब हम तरंगों को एक तरंग से दूसरी तरंग की ओर ले जाकर देखते हैं, तो उनकी गति का भ्रम पैदा होता है।

संगीत और साहित्य के विपरीत, ललित कला स्थानिक कलाओं के समूह से संबंधित है, जिसमें मुख्य बात समय में कार्रवाई का विकास है। स्वाभाविक रूप से, जब हम किसी समतल पर गति के स्थानांतरण के बारे में बात करते हैं, तो हमारा मतलब इसके भ्रम से होता है।

कथानक की गतिशीलता को व्यक्त करने के लिए अन्य किन साधनों का उपयोग किया जा सकता है? किसी चित्र में वस्तुओं की गति का भ्रम पैदा करने और उसके चरित्र पर जोर देने के लिए कलाकार कई रहस्य जानते हैं। आइए इनमें से कुछ उपकरणों पर नजर डालें।

आइए एक छोटी गेंद और एक किताब के साथ एक सरल प्रयोग करें (चित्र 42)।

42. गेंद और किताब: ए - गेंद किताब पर शांति से पड़ी है,

बी - गेंद की धीमी गति,

सी - गेंद की तीव्र गति,

डी - गेंद लुढ़क गई

यदि आप पुस्तक को थोड़ा सा झुकाते हैं, तो गेंद लुढ़कने लगती है। पुस्तक का झुकाव जितना अधिक होगा, गेंद उतनी ही तेजी से उस पर फिसलेगी; पुस्तक के बिल्कुल किनारे पर इसकी गति विशेष रूप से तेज हो जाती है।

ऐसा क्यों हो रहा है? यह सरल प्रयोग कोई भी कर सकता है और इसके आधार पर आश्वस्त हो सकता है कि गेंद की गति पुस्तक के झुकाव की मात्रा पर निर्भर करती है। यदि आप इसे चित्रित करने का प्रयास करते हैं, तो चित्र में पुस्तक का ढलान इसके किनारों के संबंध में एक विकर्ण है।

मोशन ट्रांसफर नियम:

- यदि चित्र में एक या अधिक विकर्ण रेखाओं का उपयोग किया जाता है, तो छवि अधिक गतिशील दिखाई देगी (चित्र 43);

- यदि आप किसी चलती हुई वस्तु के सामने खाली जगह छोड़ दें तो गति का प्रभाव पैदा हो सकता है (चित्र 44);

- आंदोलन को व्यक्त करने के लिए, आपको इसका एक निश्चित क्षण चुनना चाहिए, जो आंदोलन की प्रकृति को सबसे स्पष्ट रूप से दर्शाता है और इसकी परिणति है।

43. वी. सेरोव। यूरोपा का अपहरण

44. एन. रोएरिच। विदेशी मेहमान

इसके अलावा, छवि चलती हुई दिखाई देगी यदि इसके हिस्से न केवल गति के एक क्षण को, बल्कि इसके क्रमिक चरणों को फिर से बनाते हैं। प्राचीन मिस्र की राहत पर शोक मनाने वालों के हाथों और मुद्राओं पर ध्यान दें। प्रत्येक आकृति एक निश्चित स्थिति में जमी हुई है, लेकिन एक वृत्त में रचना को देखने पर, कोई लगातार गति देख सकता है (चित्र 45)।

आंदोलन तभी समझ में आता है जब हम कार्य को संपूर्ण मानते हैं, न कि आंदोलन के व्यक्तिगत क्षणों पर। किसी गतिशील वस्तु के सामने खाली स्थान मानसिक रूप से गति जारी रखना संभव बनाता है, मानो हमें उसके साथ चलने के लिए आमंत्रित कर रहा हो (बीमार 46ए, 47)।

45. शोक मनाने वाले। मेम्फिस में एक कब्र से राहत

दूसरे मामले में, ऐसा लगता है कि घोड़ा पूरी गति से रुक गया है। शीट का किनारा उसे आगे बढ़ने का मौका नहीं देता (बीमार 466, 48)।

46. ​​​गति संचरण के उदाहरण

47. ए बेनोइस। ए. पुश्किन की कविता "द ब्रॉन्ज़ हॉर्समैन" के लिए चित्रण। स्याही, जल रंग

48. पी. पिकासो. टोरो और बुलफाइटर्स। काजल

आप ड्राइंग रेखाओं की दिशा का उपयोग करके गति पर जोर दे सकते हैं। वी. गोरियाएव के चित्रण में, सभी रेखाएँ सड़क की ओर गहराई तक चली गईं। वे न केवल एक परिप्रेक्ष्य स्थान का निर्माण करते हैं, बल्कि सड़क की गहराई में, तीसरे आयाम में भी गति दिखाते हैं (बीमार 49)।

मूर्तिकला "डिस्कोबोलस" (चित्र 50) में, कलाकार ने नायक को उसकी शक्तियों के उच्चतम तनाव के क्षण में चित्रित किया। हम जानते हैं कि पहले क्या हुआ और आगे क्या होगा.

49. वी. गोरियाएव। एन. गोगोल की कविता "डेड सोल्स" के लिए चित्रण। पेंसिल

50. मिरोन. चक्का फेंक खिलाड़ी

धुंधली पृष्ठभूमि, पृष्ठभूमि में वस्तुओं की अस्पष्ट, अस्पष्ट आकृति का उपयोग करके गति की भावना प्राप्त की जा सकती है (चित्र 51)।

51. ई. मोइसेंको। दूत

बड़ी संख्या में ऊर्ध्वाधर या क्षैतिज पृष्ठभूमि रेखाएं गति को धीमा कर सकती हैं (चित्र 52ए, 526)। गति की दिशा बदलने से इसकी गति तेज या धीमी हो सकती है (बीमार 52सी, 52डी)।

हमारी दृष्टि की ख़ासियत यह है कि हम पाठ को बाएँ से दाएँ पढ़ते हैं, और बाएँ से दाएँ गति को समझना आसान होता है, यह तेज़ लगता है।

विश्राम स्थानांतरण नियम:

- यदि चित्र में कोई विकर्ण दिशाएँ नहीं हैं;

- यदि चलती हुई वस्तु के सामने कोई खाली जगह नहीं है (चित्र 466 देखें);

- यदि वस्तुओं को शांत (स्थिर) मुद्रा में दर्शाया गया है, तो कार्रवाई की कोई परिणति नहीं है (बीमार 53);

- यदि रचना सममित, संतुलित है या सरल ज्यामितीय पैटर्न (त्रिकोण, वृत्त, अंडाकार, वर्ग, आयत) बनाती है, तो इसे स्थिर माना जाता है (चित्र 4-9 देखें)।

52. मोशन ट्रांसमिशन योजनाएं

53. के. मालेविच। घास के मैदान में

54. के. कोरोविन। सर्दियों में

कला के किसी कार्य में कई अन्य परिस्थितियों में शांति की भावना पैदा हो सकती है। उदाहरण के लिए, के. कोरोविन की पेंटिंग "इन विंटर" (बीमार 54) में, इस तथ्य के बावजूद कि विकर्ण दिशाएँ हैं, घोड़े के साथ बेपहियों की गाड़ी शांति से खड़ी है, निम्नलिखित कारणों से आंदोलन की कोई भावना नहीं है: ज्यामितीय और रचनात्मक चित्र के केंद्र मेल खाते हैं, रचना संतुलित है, और घोड़े के सामने का खाली स्थान एक पेड़ द्वारा अवरुद्ध है।

कथानक एवं रचना केन्द्र की पहचान

रचना बनाते समय, आपको इस बात का ध्यान रखना होगा कि चित्र में मुख्य चीज़ क्या होगी और इस मुख्य चीज़ को कैसे उजागर किया जाए, अर्थात कथानक-रचना केंद्र, जिसे अक्सर "सिमेंटिक सेंटर" या "विज़ुअल सेंटर" भी कहा जाता है। चित्र का केंद्र"।

बेशक, किसी कथानक में सब कुछ समान रूप से महत्वपूर्ण नहीं है, और छोटे हिस्से मुख्य चीज़ के अधीन हैं। रचना के केंद्र में कथानक, मुख्य क्रिया और मुख्य पात्र शामिल हैं। रचना केंद्र को सबसे पहले ध्यान आकर्षित करना चाहिए। केंद्र को रोशनी, रंग, छवि विस्तार, विरोधाभास और अन्य माध्यमों से उजागर किया जाता है।

न केवल चित्रकला के कार्यों में, बल्कि ग्राफिक्स, मूर्तिकला, सजावटी कला और वास्तुकला में भी, एक रचना केंद्र प्रतिष्ठित है। उदाहरण के लिए, पुनर्जागरण के उस्तादों ने पसंद किया कि रचना केंद्र कैनवास के केंद्र के साथ मेल खाता हो। मुख्य पात्रों को इस तरह रखकर, कलाकार कथानक के लिए उनकी महत्वपूर्ण भूमिका और महत्व पर जोर देना चाहते थे (बीमार 55)।

55. एस बोटिसेली। वसंत

कलाकार किसी पेंटिंग के रचनात्मक निर्माण के लिए कई विकल्प लेकर आए हैं, जब रचना के केंद्र को कैनवास के ज्यामितीय केंद्र से किसी भी दिशा में स्थानांतरित कर दिया जाता है, अगर काम की साजिश के लिए इसकी आवश्यकता होती है। इस तकनीक का उपयोग गति, घटनाओं की गतिशीलता, कथानक के तेजी से विकास को व्यक्त करने के लिए किया जाता है, जैसा कि वी. सुरिकोव की पेंटिंग "बॉयरीना मोरोज़ोवा" (बीमार 3 देखें) में किया गया है।

रेम्ब्रांट की पेंटिंग "द रिटर्न ऑफ द प्रोडिगल सन" एक रचना का एक उत्कृष्ट उदाहरण है जहां काम के मुख्य विचार को सबसे सटीक रूप से प्रकट करने के लिए मुख्य चीज को केंद्र से दृढ़ता से स्थानांतरित किया जाता है (बीमार 56)। रेम्ब्रांट की पेंटिंग का कथानक एक सुसमाचार दृष्टांत से प्रेरित है। अपने घर की दहलीज पर, एक पिता और पुत्र मिले, जो दुनिया भर में घूमकर लौटे थे।

56. रेम्ब्रांट. उड़ाऊ पुत्र की वापसी

एक पथिक के चिथड़ों को चित्रित करते हुए, रेम्ब्रांट अपने बेटे द्वारा तय किए गए कठिन रास्ते को दिखाते हैं, जैसे कि इसे शब्दों में बता रहे हों। खोए हुए लोगों की पीड़ा के प्रति सहानुभूति रखते हुए आप इसे लंबे समय तक देख सकते हैं। अंतरिक्ष की गहराई अग्रभूमि से शुरू होकर, प्रकाश और छाया और रंग विरोधाभासों के लगातार कमजोर होने से व्यक्त होती है। वास्तव में, यह क्षमा के दृश्य के गवाहों की आकृतियों द्वारा बनाया गया है, जो धीरे-धीरे गोधूलि में विलीन हो रहे हैं।

अंधे पिता ने क्षमा के संकेत के रूप में अपने बेटे के कंधों पर हाथ रखा। इस भाव में जीवन का सारा ज्ञान, पीड़ा और वर्षों तक चिंता और क्षमा की लालसा समाहित है। रेम्ब्रांट चित्र में मुख्य चीज़ को प्रकाश से उजागर करते हुए हमारा ध्यान उस पर केंद्रित करते हैं। रचना केंद्र चित्र के लगभग किनारे पर स्थित है। कलाकार दाहिनी ओर खड़े अपने सबसे बड़े बेटे की आकृति के साथ रचना को संतुलित करता है। ऊंचाई में एक तिहाई दूरी पर मुख्य शब्दार्थ केंद्र का स्थान सुनहरे अनुपात के नियम से मेल खाता है, जिसका उपयोग प्राचीन काल से कलाकारों द्वारा अपनी रचनाओं की सबसे बड़ी अभिव्यक्ति प्राप्त करने के लिए किया जाता रहा है।

सुनहरे अनुपात का नियम (एक तिहाई): छवि का सबसे महत्वपूर्ण तत्व सुनहरे अनुपात के अनुपात के अनुसार स्थित है, यानी पूरे का लगभग 1/3।

57. पेंटिंग की संरचना योजना

कलाकार एक साथ और समान महत्व की कई घटनाओं को दिखाने के लिए दो या दो से अधिक रचना केंद्रों वाले चित्रों का उपयोग करते हैं।

आइए वेलाज़क्वेज़ की पेंटिंग "लास मेनिनास" और उसके आरेख (बीमार 58-59) को देखें। चित्र का एक रचना केंद्र युवा इन्फैंटा है। प्रतीक्षारत महिलाएँ, मेनिनास, दोनों तरफ उसकी ओर झुक गईं। कैनवास के ज्यामितीय केंद्र में एक ही आकार और एक ही आकार के दो धब्बे हैं, लेकिन एक दूसरे के विपरीत हैं। वे दिन और रात की तरह विपरीत हैं। वे दोनों - एक सफ़ेद, दूसरा काला - बाहरी दुनिया के लिए निकास हैं। यह चित्र का एक और रचना केंद्र है।

बाहर निकलने का एक रास्ता बाहरी दुनिया के लिए एक वास्तविक द्वार है, सूर्य द्वारा हमें दी गई रोशनी। दूसरा एक दर्पण है जिसमें शाही जोड़ा प्रतिबिंबित होता है। इस निकास को दूसरी दुनिया - धर्मनिरपेक्ष समाज - में निकास के रूप में माना जा सकता है। चित्र में प्रकाश और अंधेरे सिद्धांतों के बीच विरोधाभास को शासक और कलाकार के बीच विवाद के रूप में माना जा सकता है, या, शायद, कला के विरोध - घमंड, आध्यात्मिक स्वतंत्रता - दासता के रूप में।

बेशक, पेंटिंग में उज्ज्वल शुरुआत को पूर्ण विकास में दर्शाया गया है - कलाकार की आकृति से, वह पूरी तरह से रचनात्मकता में घुल जाता है। यह वेलाज़क्वेज़ का स्व-चित्र है। लेकिन उसके पीछे, राजा की नज़र में, द्वार में मार्शल की काली आकृति में, दमनकारी अंधेरी ताकतों का एहसास होता है।

58. वेलाज़क्वेज़ की पेंटिंग "लास मेनिनास" का आरेख

59. वेलास्केज़। मेनिनास

कलाकार द्वारा चित्रित व्यक्तियों का समूह कल्पनाशील दर्शक के लिए समानता या विरोधाभास से संबंधित किसी भी संख्या में जोड़े पाने के लिए पर्याप्त है: कलाकार और राजा, दरबारी और अभिजात वर्ग, सौंदर्य और कुरूपता, बच्चे और माता-पिता, लोग और जानवर।

एक चित्र में, मुख्य चीज़ को उजागर करने के कई तरीकों का एक साथ उपयोग किया जा सकता है। उदाहरण के लिए, "अलगाव" की तकनीक का उपयोग करके - मुख्य चीज़ को अन्य वस्तुओं से अलग करके चित्रित करना, इसे आकार और रंग में उजागर करना - आप एक मूल रचना का निर्माण प्राप्त कर सकते हैं।

यह महत्वपूर्ण है कि कथानक और रचना केंद्र को उजागर करने की सभी तकनीकों का उपयोग औपचारिक रूप से नहीं किया जाता है, बल्कि कलाकार के इरादों और काम की सामग्री को सर्वोत्तम रूप से प्रकट करने के लिए किया जाता है।

60. डेविड. होराती की शपथ

किसी रचना में समरूपता और विषमता को स्थानांतरित करना

विभिन्न युगों के कलाकारों ने चित्र के सममित निर्माण का उपयोग किया। कई प्राचीन मोज़ाइक सममित थे। पुनर्जागरण चित्रकारों ने अक्सर समरूपता के नियमों के अनुसार अपनी रचनाएँ बनाईं। यह निर्माण हमें शांति, महिमा, विशेष गंभीरता और घटनाओं के महत्व (बीमार 61) की छाप प्राप्त करने की अनुमति देता है।

61. राफेल. सिस्टिन मैडोना

एक सममित संरचना में, लोग या वस्तुएं चित्र के केंद्रीय अक्ष के संबंध में लगभग दर्पण की तरह स्थित होती हैं (चित्र 62)।

62. एफ. होडलर। टैन झील

कला में समरूपता वास्तविकता पर आधारित है, जो सममित रूप से व्यवस्थित रूपों से परिपूर्ण है। उदाहरण के लिए, एक मानव आकृति, एक तितली, एक बर्फ का टुकड़ा और बहुत कुछ सममित रूप से व्यवस्थित किया गया है। सममित रचनाएँ स्थिर (स्थिर) होती हैं, बाएँ और दाएँ भाग संतुलित होते हैं।

63. वी. वासनेत्सोव। नायक

एक असममित रचना में, कार्य के कथानक और डिज़ाइन के आधार पर वस्तुओं की व्यवस्था बहुत विविध हो सकती है; बाएँ और दाएँ आधे भाग असंतुलित होते हैं (चित्र 1 देखें)।

64-65 ए. सममित रचना, बी। असममित रचना

स्थिर जीवन या परिदृश्य की संरचना की कल्पना आरेख के रूप में करना आसान है, जो स्पष्ट रूप से दिखाता है कि रचना सममित है या विषम।

किसी रचना में संतुलन स्थानांतरित करना

एक सममित रचना में, इसके सभी भाग संतुलित होते हैं; एक असममित रचना संतुलित या असंतुलित हो सकती है। एक बड़े प्रकाश स्थान को एक छोटे अंधेरे स्थान से संतुलित किया जा सकता है। कई छोटे धब्बों को एक बड़े धब्बों से संतुलित किया जा सकता है। कई विकल्प हैं: भागों को वजन, टोन और रंग के आधार पर संतुलित किया जाता है। संतुलन स्वयं आकृतियों और उनके बीच के रिक्त स्थान दोनों से संबंधित हो सकता है। विशेष अभ्यासों की सहायता से, किसी रचना में संतुलन की भावना विकसित करना, बड़ी और छोटी मात्रा, प्रकाश और अंधेरे, विभिन्न छाया और रंग के धब्बों को संतुलित करना सीखना संभव है। यहां झूले पर संतुलन खोजने के आपके अनुभव को याद रखना उपयोगी होगा। हर कोई आसानी से यह पता लगा सकता है कि झूले के दूसरे छोर पर दो बच्चों को बैठाकर एक किशोर को संतुलित किया जा सकता है। और बच्चा एक वयस्क के साथ भी सवारी कर सकता है जो झूले के किनारे पर नहीं, बल्कि केंद्र के करीब बैठेगा। यही प्रयोग तराजू के साथ भी किया जा सकता है। इस तरह की तुलनाएँ चित्र के विभिन्न हिस्सों को आकार, स्वर और रंग में संतुलित करने में मदद करती हैं ताकि सामंजस्य स्थापित किया जा सके, यानी रचना में संतुलन पाया जा सके (बीमार 66, 67)।

एक असममित रचना में, यदि अर्थ केंद्र चित्र के किनारे के करीब है, तो कभी-कभी कोई संतुलन नहीं होता है।

देखिए जब हमने चित्र (बीमार 68) की दर्पण छवि देखी तो उसका प्रभाव कैसे बदल गया! रचना में संतुलन खोजने की प्रक्रिया में हमारी दृष्टि की इस संपत्ति को भी ध्यान में रखा जाना चाहिए।

68. फूलदान में ट्यूलिप। ऊपरी कोने में - रचनात्मक आरेख

रचना के नियम, तकनीक और साधन कई पीढ़ियों के कलाकारों के रचनात्मक कौशल के समृद्ध अनुभव पर आधारित हैं, लेकिन रचना की तकनीक स्थिर नहीं है, बल्कि नए कलाकारों के रचनात्मक अभ्यास से समृद्ध होकर लगातार विकसित हो रही है। कुछ रचनात्मक तकनीकें क्लासिक बन जाती हैं, और उनकी जगह नई तकनीकें ले लेती हैं, क्योंकि जीवन कला के लिए नए कार्य सामने रखता है।

69, संतुलित रचना

70. असंतुलित रचना

71. संरचना में संतुलन की योजना

इस पृष्ठ पर चित्रों को देखें और हमें बताएं कि रचना में संतुलन प्राप्त करने के लिए किन साधनों का उपयोग किया जाता है।

72. स्थिर जीवन रचना: ए - रंग में संतुलित, बी - रंग में असंतुलित

देखें कि आप समान वस्तुओं से एक ऐसी रचना कैसे बना सकते हैं जो रंग में संतुलित और असंतुलित हो।

शैक्षिक और पद्धति संबंधी अनुशंसाओं में पुस्तकों के पाठ, विदेशी और रूसी कलाकारों, कला सिद्धांतकारों के लेख शामिल हैं। ये प्रकाशन अलग-अलग समय पर सामने आए और उनमें से कुछ अब ग्रंथ सूची संबंधी दुर्लभ वस्तुएं हैं। ड्राइंग, पेंटिंग और रचना के बारे में सैद्धांतिक कार्यों और बयानों की सामग्री विभिन्न ऐतिहासिक युगों और विभिन्न कला विद्यालयों के लेखकों की है। हालाँकि, स्कूलों और कार्यप्रणाली सेटिंग्स में अंतर के बावजूद, वे सभी वास्तविकता के सच्चे प्रतिबिंब, दृश्य गतिविधि की वैज्ञानिक पुष्टि की इच्छा से एकजुट हैं। शैक्षिक मैनुअल में प्रस्तुत पाठों को कालानुक्रमिक क्रम में व्यवस्थित किया गया है, जो छात्रों को दृश्य साक्षरता सिखाने की वैज्ञानिक और सैद्धांतिक नींव और पद्धतिगत तकनीकों पर बाद के विचारों की सामग्री को पहले के विचारों के साथ सहसंबंधित करने में मदद करेगा।

पद्धति संबंधी सिफारिशें विभिन्न सामग्रियों के साथ पेंटिंग के लिए नियमों और बुनियादी आवश्यकताओं को दर्शाती हैं: जल रंग, गौचे, टेम्परा, तेल। ऐसी सामग्रियों का चयन किया गया है जो न केवल आसपास की वास्तविकता में वस्तुओं के रंग की स्थिति के अवलोकन का वर्णन करती हैं, बल्कि पेंटिंग के साथ काम करने की कुछ निजी तकनीकों का भी वर्णन करती हैं। सामग्री, बल्कि पेंटिंग के संगठन में रंग विज्ञान की वैज्ञानिक और सैद्धांतिक नींव का उपयोग भी। इससे विभिन्न पेंटिंग मास्टर्स की रचनात्मक तकनीकों को वैज्ञानिक रूप से प्रमाणित करना और तदनुसार, इन तकनीकों को सिखाने के तरीके ढूंढना संभव हो जाता है।

एल आई वी ओ पी आई एस

पेंटिंग और परिप्रेक्ष्य पर लियोनार्डो दा विंची। प्रकाश और छाया, रंग और पेंट के बारे में।

जब आप किसी आकृति को चित्रित करते हैं और यह देखना चाहते हैं कि क्या उसकी छाया प्रकाश से मेल खाती है, ताकि वह उस रंग की प्रकृति की विशेषता से अधिक लाल या पीली न हो जिसे आप छाया देना चाहते हैं, तो यह करें: अपनी उंगली से छाया डालें प्रकाशित भाग पर, और यदि आपके द्वारा बनाई गई यह कृत्रिम छाया आपके काम पर आपकी उंगली से पड़ने वाली प्राकृतिक छाया के समान होगी, तो सब कुछ ठीक है। और आप अपनी उंगली को आगे और पास ले जाकर गहरी और हल्की छाया बना सकते हैं, जिसकी तुलना आप लगातार अपनी खुद की छाया से करते हैं।

प्रत्येक पिंड की सतह उसके विपरीत वस्तु के रंग से जुड़ी होती है।

प्रकाशित वस्तुओं के रंग एक-दूसरे की सतहों पर कई अलग-अलग व्यवस्थाओं में अंकित होते हैं क्योंकि इन वस्तुओं की एक-दूसरे के विपरीत स्थिति अलग-अलग होती है।

यदि हम देखते हैं कि रंगों की गुणवत्ता प्रकाश के माध्यम से जानी जाती है, तो हमें यह निष्कर्ष निकालना चाहिए कि जहां अधिक प्रकाश है, वहां प्रकाशित रंग की वास्तविक गुणवत्ता बेहतर दिखाई देती है, और जहां यह सबसे गहरा है, वहां रंग बदल जाएगा। ये अँधेरा. तो, आप, चित्रकार, याद रखें कि आपको प्रकाशित भागों में रंगों की प्रामाणिकता दिखानी होगी।

सरल रंग इस प्रकार हैं: उनमें से पहला सफेद है, हालांकि कुछ दार्शनिक सफेद या काले को रंगों में नहीं गिनते, क्योंकि एक रंगों का कारण है, और दूसरा उनकी कमी का कारण है। लेकिन फिर भी, चूंकि चित्रकार उनके बिना काम नहीं कर सकता, हम उन्हें दूसरों के बीच रखेंगे और कहेंगे कि इस श्रृंखला में सफेद साधारण रंगों में पहला होगा, पीला - दूसरा, हरा - तीसरा, नीला - चौथा, लाल - पाँचवाँ और काला - छठा।

हम प्रकाश के लिए सफेद लेंगे, जिसके बिना कोई रंग नहीं देखा जा सकता, पृथ्वी के लिए पीला, पानी के लिए हरा, हवा के लिए नीला, आग के लिए लाल, अंधेरे के लिए काला, जो अग्नि तत्व से ऊपर है, क्योंकि वहां कोई पदार्थ नहीं है, न ही घनत्व, जहां सूर्य की किरणों को विलंबित किया जा सकता है और तदनुसार प्रकाशित किया जा सकता है।

यदि आप सभी मिश्रित रंगों की किस्मों का संक्षेप में सर्वेक्षण करना चाहते हैं, तो रंगीन चश्मा लें और उनके माध्यम से उनके पीछे दिखाई देने वाले खेतों के सभी रंगों को देखें; फिर आप इस कांच के पीछे दिखाई देने वाली वस्तुओं के सभी रंगों को ऊपर बताए गए कांच के रंग के साथ मिला हुआ देखेंगे, और आप देखेंगे कि मिश्रण से कौन सा रंग सही हुआ है या बिगड़ गया है...

समान सफेदी वाले रंगों में से, जो हल्का दिखाई देता है वह गहरे रंग की पृष्ठभूमि पर दिखाई देगा, और काला अधिक सफेदी की पृष्ठभूमि पर अधिक गहरा दिखाई देगा।

और पीले रंग की पृष्ठभूमि के मुकाबले लाल अधिक उग्र प्रतीत होगा, और इसी तरह सभी रंग अपने प्रत्यक्ष विपरीत से घिरे हुए हैं।

जो रंग एक-दूसरे से मेल खाते हैं वे हैं: हरे के साथ लाल, या बैंगनी के साथ, या बैंगनी के साथ; और पीला और नीला.

समान पूर्णता के फूलों में से, दिखने में सबसे उत्कृष्ट वह होगा जो बिल्कुल विपरीत रंग की संगति में दिखाई देगा।

सीधे विपरीत सफेद और लाल, काले और सफेद हैं, हालांकि कोई भी रंग नहीं हैं, सुनहरे पीले के साथ नीला, लाल के साथ हरा।

एक सफेद वस्तु को आंख से जितना अधिक दूर किया जाता है, उतना ही वह अपनी सफेदी खोती जाती है, और विशेष रूप से जब सूर्य उस पर प्रकाश डालता है, क्योंकि वह आंख और आंख के बीच स्थित हवा के रंग के साथ मिश्रित सूर्य के रंग में भाग लेती है। सफेदी. और यह वायु, यदि सूर्य पूर्व दिशा में हो, तो उसमें उठने वाले वाष्प के कारण फीकी लाल दिखाई देती है; लेकिन यदि आंख पश्चिम की ओर मुड़ेगी तो उसे केवल इतना ही दिखाई देगा कि सफेद पर छाया नीले रंग का हिस्सा है।

दूर की वस्तुओं की परछाइयाँ नीले रंग में अधिक शामिल होंगी, वे स्वयं उतनी ही अधिक गहरी और अधिक दूर होंगी। और यह हवा के मध्यवर्ती हल्केपन के कारण होता है, जो छायादार पिंडों के अंधेरे से पहले फैलता है, जो सूर्य और इस अंधेरे को देखने वाली आंख के बीच स्थित होते हैं; लेकिन अगर आंख सूर्य के विपरीत दिशा में घूम जाए तो उसे इतना नीलापन नजर नहीं आएगा।

डेलाक्रोइक्स यूजीन(1798-1863) - रूमानियत का सबसे प्रमुख और सबसे सुसंगत प्रतिनिधि। उन्होंने अपने सैद्धांतिक बयानों से न केवल फ्रांसीसी कला के आगे के विकास पर, बल्कि अन्य देशों के कलाकारों की आने वाली पीढ़ियों पर भी बहुत प्रभाव डाला। डेलाक्रोइक्स के विचार उनकी डायरी, पत्रों और लेखों में व्यक्त किये गये थे।

पेंटिंग के बारे में

वस्तु के स्थानीय रंग को लेकर परिदृश्य का मुख्य द्रव्यमान देना संभव होगा, और फिर, छवि के गहराई में जाने पर इसके कमजोर होने को ध्यान में रखते हुए, इसे विभिन्न परिस्थितियों के प्रभाव में बदलना संभव होगा। फिर स्केच में एक हवाई परिप्रेक्ष्य होगा, क्योंकि यह पारदर्शी स्वर और प्रतिबिंब हैं, जो कम या ज्यादा स्पष्ट हैं, जो वस्तुओं को आगे बढ़ाते हैं, जिससे छवि को राहत मिलती है।

किसी भी चित्र में, और विशेष रूप से ड्रेपरियों में, यथासंभव अधिक से अधिक पारदर्शी स्वर और प्रतिबिंब अग्रभूमि में रखे जाने चाहिए। मैंने कहीं देखा कि रूबेंस ने इस तकनीक का इस्तेमाल किया था। यह सजावटी पेंटिंग में विशेष रूप से अच्छा है और प्रभाव को बढ़ाने का सबसे सरल साधन है। परिदृश्यों में, आंखों के नजदीक पेड़ों में, अपारदर्शी स्वर अधिक तीखे दिखाई देते हैं; इसके विपरीत, दूर के पेड़ों में पारदर्शी स्वर घुल जाते हैं और गायब हो जाते हैं।

रंग, छाया और सजगता के बारे में। छाया या गिरती छाया के प्रतिबिम्ब और किनारे के लिए हरे रंग का नियम, जिसे मैंने पहले सफेद पर्दे में खोजा था, हर चीज़ पर लागू होता है, क्योंकि हर चीज़ में तीन मिश्रित रंग होते हैं।

समुद्र में यह बिल्कुल स्पष्ट है: गिरती छायाएँ स्पष्ट रूप से बैंगनी हैं, और प्रतिबिंब हरे हैं।

यह नियम प्रकृति में निरंतर क्रियाशील रहता है। जिस प्रकार एक योजना में छोटी-छोटी योजनाएँ होती हैं और एक तरंग में छोटी-छोटी तरंगें होती हैं, उसी प्रकार प्रकाश वस्तुओं पर पड़कर बदलता और विघटित होता है। रंग के अपघटन का सबसे स्पष्ट और सामान्य नियम वह था जिसने सबसे पहले मुझे तब प्रभावित किया जब मैंने चमकदार वस्तुएं देखीं। यह इस प्रकार की वस्तुओं पर था: कवच, हीरे, आदि, मैंने विशेष रूप से एक ही समय में तीन टन की उपस्थिति को स्पष्ट रूप से देखा। यह प्रभाव अन्य वस्तुओं पर बहुत स्पष्ट रूप से व्यक्त होता है: रंगीन और सफेद पर्दे, कुछ परिदृश्य प्रभावों में, और सबसे ऊपर समुद्र पर। यह नियम शरीरों में भी प्रकट होता है, और अंततः, मुझे अंततः विश्वास हो गया कि इन तीन स्वरों के बिना कुछ भी मौजूद नहीं है।

एक छोटी सी सड़क पर मुझे एक चमकदार लाल ईंट की दीवार दिखाई देती है। इसका जो भाग सूर्य से प्रकाशित होता है वह लाल-नारंगी रंग का होता है। छाया में बहुत अधिक बैंगनी, लाल-भूरा, कसेल पृथ्वी, सफेदी है।

जहां तक ​​हल्के रंगों का सवाल है, यहां आपको छाया को रिफ्लेक्सिस से रहित और अपेक्षाकृत बैंगनी बनाने की जरूरत है, और रिफ्लेक्सिस को अपेक्षाकृत हरा-भरा बनाने की जरूरत है। खिड़की के बाहर मुझे एक लाल झंडा दिखाई देता है, छाया बैंगनी और मैट दिखाई देती है; सूर्य के संपर्क में आने वाले स्थान नारंगी दिखाई देते हैं, लेकिन यहाँ हरा कैसे नहीं हो सकता? सबसे पहले, क्योंकि लाल रंग में हरे रंग की छाया होनी चाहिए, और दूसरे, क्योंकि नारंगी और बैंगनी रंग होते हैं - दो स्वर जिनमें हरा बनाने के लिए पीला और नीला शामिल होता है।

शरीर एक अपेक्षाकृत मैट वस्तु है, इसलिए वही प्रभाव यहां दिखाई देता है जो मैंने सूर्य द्वारा प्रकाशित वस्तुओं पर देखा था, जहां विरोधाभास बहुत अधिक स्पष्ट हैं। वे साटन आदि में भी बहुत मजबूत हैं।

एक दिन मुझे पता चला कि सफेद पर्दे पर हमेशा हरे रंग का प्रतिबिंब और बैंगनी रंग की छाया होती है। रिफ्लेक्स बदलने में आकाश बहुत बड़ी भूमिका निभाता है। जहां तक ​​गिरती छाया का सवाल है, यह स्पष्ट रूप से बैंगनी है।

मैं लोगों को घाट की धूप वाली रेत पर चलते हुए देखता हूँ। इस स्थान पर, रेत स्वयं बैंगनी है, लेकिन सूरज की रोशनी से चमकती है। लोगों की छाया का रंग इतना गहरा बैंगनी होता है कि रेत पीली हो जाती है।

चित्रकला के विषय में विभिन्न विचार. पेंटिंग में केवल एक क्षण होता है, लेकिन क्या इसमें विवरण और चरणों की पेंटिंग के समान कई क्षण नहीं होते हैं? प्रत्येक लेखक अंततः किसके लिए प्रयास करता है? वह चाहता है कि उसका काम, पढ़ने के बाद, एकता की वह छाप पैदा करे जो एक पेंटिंग तुरंत पैदा करती है।

एक चित्रकार को कभी-कभी वास्तविकता या अभिव्यक्ति का त्याग करना पड़ता है, जैसे एक कवि को सद्भाव के नाम पर बहुत कुछ त्यागना पड़ता है।

इसलिए, काम में लगना कठिन है और उससे छुटकारा पाना भी लगभग उतना ही कठिन है। राइम उसके कार्यालय की दीवारों के बाहर उसका पीछा करता है, जंगल के एक कोने में इंतजार करता है, और उसका पूर्ण स्वामी बन जाता है। तस्वीर तो अलग बात है. यह कलाकार का एक विश्वसनीय दोस्त है जो समय-समय पर अपने विचारों पर उस पर भरोसा करता है, न कि एक अत्याचारी जो आपको गले से लगाता है और जिससे छुटकारा पाना असंभव है।

कोरोविन कॉन्स्टेंटिन अलेक्सेविच(1861-1939) - कलाकार-शिक्षक अपने काम में, उन्होंने रंग भरने के सचित्र और प्लास्टिक साधनों की प्रणाली, पेंटिंग में रंगों, रंग और स्वर के संबंध को अग्रणी भूमिका सौंपी।

के.ए. से सलाह कोरोविना।

रंग बनाते समय यह देखें कि क्या प्रकाश है और क्या गहरा है। जब कोई रंग समान नहीं होता है और यदि आप उसे समान बनाना चाहते हैं, तो आपको यह देखना होगा कि चित्र में अन्य रंगों की तुलना में वह कितना गहरा या हल्का है।

रंग रूप में - परस्पर देखो, एक को दूसरे से बराबर करना। प्रकाश-अंधेरे को बदलते समय, रंगों के संबंध को खोने की कोई आवश्यकता नहीं है, यानी कि परस्पर रंग क्या है। उज्ज्वल स्थानों से लिखना प्रारंभ करें. हल्के और गहरे रंग एक दूसरे के विपरीत होने चाहिए। रिश्तों की कल्पना - क्या तेज़ है और क्या नरम है, क्या चुप है, क्या चीखती है, रूप में रंग के साथ परस्पर जुड़ी हुई है।

रूप में रंग.

विरोधाभास युग्मित हैं। एक को दूसरे के साथ लिखें.

चरित्र के रूप में रूप.

रूप का विरोधाभास. कैसे एक रूप दूसरे जैसा नहीं है.

एक ओर चित्र बनाते समय दूसरी ओर देखें।

प्रकृति को देखो और अपने आप को कम।

रंग की आंखों और तारों को रूप में अनुवादित करें, प्रकृति से पेंट लें जब तक कि वह एक जैसा न दिखने लगे।

कला पर नोट्स

...बारिश के बाद हवा में रोशनी है। वस्तुओं के किनारे क्रमशः हल्के हो जाते हैं, वस्तुओं के स्वर गहरे होते हैं और टोन और हाफ़टोन में छायांकित होते हैं; दूसरों के साथ आइटम कॉपी करें.

आपको अपने ज्ञान को थोपे बिना काम करने की जरूरत है - अधिक स्वतंत्र, अधिक आनंदमय, अधिक आनंददायक, सुंदरता को महसूस करते हुए... इसमें कोई भी स्वादिष्ट रंग नहीं बिछाना चाहिए। भावना और जुनून से स्वर और काम का सबसे सटीक संयोजन होना चाहिए। छापों और भावनाओं का योग अनैच्छिक रूप से व्यक्त होना चाहिए...

रंग, प्रकाश की सुंदरता को महसूस करना - इस तरह कला व्यक्त की जाती है; थोड़ा, लेकिन सच्चाई से, ईमानदारी से लो, खुलकर आनंद लो; स्वर संबंध. स्वर, स्वर अधिक सच्चे और शांत हैं - वे सामग्री हैं। हमें स्वर के लिए एक कथानक की तलाश करनी होगी। मुझे बुरा लगता है क्योंकि मैं महसूस नहीं करता। खिड़की से फटे बकाइन चमत्कारिक रूप से सुंदर हैं। प्रभाववाद के अर्थ में रचनात्मकता.

आपको वस्तु को इस तरह से लेना है कि आप उसे आराम से देख सकें। न केवल सही टोन बनाना आवश्यक है, बल्कि आपको इसे कैनवास पर कुशलता से चित्रित करने की भी आवश्यकता है ताकि यह स्केच में अपने उद्देश्य को सही ढंग से व्यक्त कर सके...

क्रिमोव निकोले पेट्रोविच(1884-1958) - प्रसिद्ध रूसी परिदृश्य कलाकार, शिक्षक। 1920 के दशक में चित्रकला में प्रकृति की स्थितियों को व्यक्त करने के लिए स्वर परिवर्तन का एक सिद्धांत विकसित किया, जिसने यथार्थवादी परिदृश्य चित्रकला के विकास में सकारात्मक भूमिका निभाई।

पेंटिंग के बारे में.

एक दिन धूप वाले दिन मैंने एक विषय लिखना शुरू किया जिसमें मेरी रुचि थी। सड़क के पास एक मैदान में एक सफ़ेद घर था जिसके पास पेड़ों का एक समूह था। इसे रंगने के लिए, मैंने लगभग शुद्ध सफेद रंग का उपयोग किया, जिसमें मैंने घर का रंग दूषित होने के डर से बहुत कम पीला रंग मिलाया, जो सूरज की किरणों से पीला हो गया था। फिर, तदनुसार, मैंने बाकी परिदृश्य को चित्रित किया - सड़क, पेड़, हल्का हरा मैदान और नीला आकाश। अगले दिन बादल छाए रहे. मैंने उसी रूपांकन का एक नया रेखाचित्र बनाने का निर्णय लिया। जब मैं उस स्थान पर पहुंचा, तो मैंने देखा कि मेरा घर पूरे परिदृश्य की पृष्ठभूमि में एक चमकता हुआ सफेद धब्बा था। इसे व्यक्त करने के लिए, मैंने अधिक काला होने के डर से, सावधानी से, फिर से लगभग शुद्ध सफेद रंग लिया, इसमें बहुत कम नारंगी रंग मिलाया। लेकिन जब मैंने तीनों रेखाचित्रों को एक साथ रखा, तो मैंने देखा कि भूरे दिन में घर धूप वाले दिन की तुलना में हल्का दिखता था, और शाम के परिदृश्य में घर को दिन के रंग के बराबर रंग में चित्रित किया गया था। ऐसे चित्रण का झूठ मेरे सामने स्पष्ट हो गया।

रेपिन और विशेष रूप से सुरिकोव अक्सर अपने चित्रों में जलती हुई मोमबत्तियाँ चित्रित करते हैं, क्योंकि वे उन्हें वस्तुओं के स्वरों को सबसे सटीक रूप से व्यक्त करने और एक सामान्य स्वर खोजने में मदद करते हैं। यह सुनिश्चित करने के लिए कि रूसी चित्रकारों ने सामान्य स्वर को कितना बेहतर महसूस किया, आपको ट्रेटीकोव गैलरी के हॉल में घूमना चाहिए, उनके काम के चमकीले हिस्सों पर सफेद कागज का एक टुकड़ा लगाना चाहिए। यह सब बताता है कि चित्रों की कलात्मक गुणवत्ता का निर्धारण करते समय, सबसे पहले, सामान्य स्वर की निष्ठा, प्रकृति के प्रतिपादन की सामान्य सत्यता और सटीकता पर ध्यान देना बहुत आवश्यक है...

वोल्कोव निकोले निकोलेविच(1897-1974) - कलाकार, मनोवैज्ञानिक, कला सिद्धांतकार। ललित कला के सिद्धांत में, उन्हें उनके मौलिक कार्यों के लिए जाना जाता है: "एक वस्तु और एक चित्रण की धारणा", "पेंटिंग में रचना" और "पेंटिंग में रंग"।

पेंटिंग में रंग. कलाकार का पैलेट

एक कलाकार द्वारा उपयोग किए जाने वाले पेंट का सेट, उसके पसंदीदा मिश्रण के साथ मिलकर, उसका पैलेट बनाता है। एक रंगकर्मी को अपने पैलेट को अच्छी तरह से जानना चाहिए। यह रचनात्मक प्रक्रिया के पहलुओं में से एक को समझने के लिए रंग चक्र का उपयोग करने के प्रयासों की व्याख्या करता है। कलाकार रंग चक्र में अपने सहज रूप से समझे गए पैलेट की एक सादृश्यता देखता है। लेकिन रंग चक्र और कलाकार का पैलेट दो अलग चीजें हैं। पैलेट में सामान्य वर्णक्रमीय रंग नहीं हैं।

वर्णक्रमीय के करीब के रंग बड़े अंतराल के साथ "पूर्ण" पैलेट पर भी स्थित होते हैं। कम-संतृप्त रंग केवल वृत्त के पीले-लाल आधे भाग पर अधिक पूर्ण रूप से दर्शाए जाते हैं। अंत में, पैलेट पर सामग्री मिश्रण ऑप्टिकल मिश्रण की तुलना में विभिन्न कानूनों के अधीन होते हैं। कागज या कैनवास पर पेंट का उपयोग करके एक रंगीन पहिया बनाकर यह सब सत्यापित करना आसान है...

जलरंगों का एक विस्तृत पैलेट रंग चक्र का केवल एक हिस्सा भर सकता है, और रंग चक्र प्रकृति में रंगों की पूरी विविधता का केवल एक छोटा सा हिस्सा बनाता है। लेकिन यह ज्ञात है कि एक कलाकार कभी भी पेंट्स की विस्तृत श्रृंखला का उपयोग नहीं करता है। उसके अपने पसंदीदा रंग और पसंदीदा मिश्रण हैं। कलाकार का पैलेट जितना सीमित होगा, उसका मुख्य रंग कार्य उतना ही अधिक स्पष्ट रूप से दिखाई देगा। रंगकर्मी प्रकृति के रंगों की अनंत विविधता को अपने पैलेट की सीमित शब्दावली में अनुवाद करने का प्रयास करता है। ऐसे अनुवाद की समस्या, संक्षेप में, रंग के सिद्धांत की पहली समस्या है...

पेंट की प्रत्येक पसंद का अपना व्यावहारिक रंग पहिया होता है - कलाकार का पैलेट। आपके द्वारा उपयोग किए जाने वाले रंगों के मिश्रण के प्रभावों को जानने का अर्थ है आपके पैलेट को जानना। अल्ट्रामरीन के मिश्रण की नकल प्रशिया नीले रंग के मिश्रण से नहीं की जा सकती। जली हुई हड्डी के उपयोग की तुलना में लैंप की कालिख का उपयोग करने से भिन्न प्रभाव उत्पन्न होता है। कलाकार का पैलेट, यदि वह सीमित है, तो हमेशा कुछ अनोखा होता है और साथ ही सभी मिश्रणों में कुछ सामान्य होता है - एक रंग गुणवत्ता जिसका नाम ढूंढना मुश्किल है, लेकिन जो एक ही समय में सभी या लगभग सभी की अत्यधिक विशेषता है किसी दिए गए लेखक की पेंटिंग्स...

पैलेट की रंग क्षमताओं को समृद्ध करने का एक गंभीर स्रोत, विशेष रूप से, पेंट लगाने की विधि है। रंग को पुनर्जीवित करने के तरीकों में से एक अपूर्ण स्थानिक रंग मिश्रण का उपयोग और कलाकार द्वारा अपूर्ण पेंट मिश्रण का उपयोग है। आप जिस तरह से पेंट लगाते हैं उसका उस पर पड़ने वाले प्रभाव से गहरा संबंध है। पेंट का ढीला, घना या पारदर्शी अनुप्रयोग उन मामलों में भी रंग बदलता है जहां पेंट स्वयं नहीं बदलता है। फर्नांड लेगर ने कभी-कभी विमान के विभिन्न स्थानों पर रंग के विभिन्न शेड बनाने के लिए केवल अलग-अलग स्ट्रोक दिशाओं का उपयोग किया। प्रकाश स्रोत के सापेक्ष स्ट्रोक की दिशा के आधार पर ब्रश खांचे को अलग-अलग तरह से छायांकित किया जाता है, तेल पेंटिंग स्ट्रोक की सतह स्ट्रोक की दिशा और उत्तलता के आधार पर अलग-अलग चमकती है। और रंग संवर्धन में पेंट परत की राहत एक आवश्यक कारक है। रेम्ब्रांट के बाद के कई कार्यों में पेंट की परत की राहत, साथ में ग्लेज़ जो गड्ढों को गाढ़े रंग से भर देती है, एक अद्वितीय रंग की चमक को जन्म देती है...

एक पेंट को दूसरे पर लगाने से होने वाले रंग प्रभाव, बदले में, रंग की संभावनाओं का विस्तार करते हैं। इसके अलावा, हमें यह याद रखना चाहिए कि पेंट की परतें जोड़ते समय रंग मिश्रण के नियम ऑप्टिकल मिश्रण के नियमों या घटाव मिश्रण के नियमों से मेल नहीं खाते हैं। दुर्भाग्य से, तेल और इमल्शन फिल्मों में प्रकाश किरण के व्यवहार का अभी तक अध्ययन नहीं किया गया है। यह केवल ज्ञात है कि तेल चित्रकला की परत कई मामलों में एक तथाकथित "अशांत माध्यम" है, जिसमें प्रकाश के अपवर्तन और प्रकीर्णन के नियमों का प्रकाशिकी में अध्ययन किया जाता है। यदि, इसके अलावा, ग्लेज़ की पतली तेल फिल्में प्रकाश की तरंग दैर्ध्य के अनुरूप निकलीं, तो मल्टी-लेयर पेंटिंग में प्रकाश किरणों के हस्तक्षेप के प्रभाव, कुछ रंगों को रोशन करना और दूसरों को काला करना, समान रंगों का खेल बनाना पाया जा सकता है। कीमती पत्थरों के पहलुओं पर रंगों के खेल के लिए। फिर दृष्टिकोण बदलने पर चित्र के रंग बदल जाते थे, अलग-अलग कोणों से देखने पर वे बजने लगते थे। और चित्र के रंग की पूर्ण धारणा के लिए दृष्टिकोण में बदलाव एक शर्त होगी।

प्रकृति से काम करते समय, आपको निम्नलिखित नियमों का पालन करना चाहिए:

• कागज की शीट को दृष्टि की रेखा के लंबवत स्थित किया जाना चाहिए (आप काम करते समय कागज को घुमा नहीं सकते!);
• आपको हल्की, बमुश्किल ध्यान देने योग्य रेखाओं से चित्र बनाना शुरू करना चाहिए;
• कार्य की प्रक्रिया में, व्यक्ति को सामान्य से विशेष की ओर, बड़े रूप से विवरण की ओर जाना होगा, और कार्य के अंत में, विशेष को संपूर्ण के अधीन करते हुए, फिर से सामान्य की ओर लौटना होगा;
• वस्तुओं के सभी हिस्सों में और काम के सभी चरणों में उनके अनुपात की जांच करना और स्पष्ट करना और छवि प्रक्रिया के दौरान देखी गई त्रुटियों को ठीक करना हमेशा आवश्यक होता है;
• संपूर्ण ड्राइंग को एक ही समय में देखा जाना चाहिए (आप इसे भागों में समाप्त नहीं कर सकते);
• काम करते समय, आपको लगातार प्रकाश और रंग की तीव्रता के संदर्भ में वस्तुओं की एक-दूसरे से तुलना करनी चाहिए, ड्राइंग में आनुपातिक संबंध ढूंढना और बनाना चाहिए (आप प्रकृति में समान विवरण के साथ ड्राइंग के किसी भी विवरण की अलग से तुलना नहीं कर सकते, आपको तुलना करने की आवश्यकता है) चित्र में आनुपातिक संबंधों के साथ प्रकृति में कई रिश्ते);
• व्यवहार कुशलता, काल्पनिक चौड़ाई की सतहीपन से बचें, दक्षता का चित्रण करने के लिए, प्रकृति का चित्रण करते समय, किसी को बाहरी सजावट से कम से कम निपटना चाहिए, और ड्राइंग के सार, संरचना के अनुपात की सटीकता, परिप्रेक्ष्य के बारे में अधिक सोचना चाहिए निर्माण, मुख्य और विशेषता की पहचान करना;
• कार्य में तानवाला संबंधों की अखंडता चित्रण, सामान्यीकरण के अंतिम चरण में पूरी होती है।

पेंटिंग, ड्राइंग की तरह, यथार्थवादी रूप के निर्माण के कड़ाई से परिभाषित कानूनों पर आधारित है। कार्य शुरू करने से पहले, एक प्रकार का प्रारंभिक कार्य किया जाता है: एक प्रारूप (ऊर्ध्वाधर या क्षैतिज) चुनना, पेंसिल स्केच (रेखाचित्र) खोजना, जहां मैं प्रारूप के साथ छवियों का सामान्य संबंध निर्धारित करता हूं।

हमें याद रखना चाहिए कि जो छवि बहुत बड़ी है वह चित्र तल पर अधिभार डाल देगी, और जो छवि बहुत छोटी है वह शीट पर "खो" जाएगी। ड्राइंग के समग्र आकार और विमान पर उसके स्थान दोनों में एक माप अवश्य पाया जाना चाहिए। एक अच्छी तरह से पाई गई रचना छवि को समझना आसान बनाती है।

विवरण के विस्तृत विवरण के बिना, रेखाचित्र सामान्यीकृत रूप में बनाए जाते हैं। प्रारंभिक चित्र सचित्र छवि का आधार बनता है। कागज की सतह पर प्रकाश के साथ, बिना दबाव, रेखाओं के लागू करने पर, यह स्थिर जीवन के आयाम, व्यक्तिगत वस्तुओं की प्रकृति और आकार और उनकी स्थानिक व्यवस्था स्थापित करता है। काइरोस्कोरो की सीमाएं, गिरती परछाइयों का पैटर्न और हाइलाइट्स निर्धारित किए जाते हैं। टोनल विस्तार की अनुमति नहीं है, क्योंकि कागज की सतह को साफ रखना आवश्यक है।

कागज पर अधिक दबाव डाले बिना मध्यम मुलायम पेंसिलों से चित्रांकन किया जाता है। आपको कोशिश करनी चाहिए कि इलास्टिक बैंड का सहारा न लें। पंक्तियाँ यथासंभव सटीक होनी चाहिए। प्रारंभिक ड्राइंग जितनी अधिक सटीक और विस्तृत होगी, रंग संबंधी कार्य उतने ही अधिक आत्मविश्वास से आगे बढ़ेगा।

पेंट के साथ काम करने से पहले, कागज के सामने वाले हिस्से को पानी से सिक्त किया जाता है, क्योंकि हाथों या इरेज़र के स्पर्श से बचे हुए चिकने निशान पेंट के साथ शीट की समान कोटिंग में बाधा डालते हैं। यदि उन्हें हटाया नहीं जाता है, तो पेंट फिसल जाएगा। पहले से ही पेंट के प्रारंभिक बिछाने में, टोन के आनुपातिक संबंधों का पालन करना आवश्यक है।

पानी के रंग के पेंट सूखने पर हल्के हो जाते हैं, और इसलिए उन्हें तुरंत अधिक तीव्रता से और गहरे रंग में इस्तेमाल किया जा सकता है। सबसे पहले, वस्तुओं की छाया और घने रंग की सतहों को निर्धारित किया जाता है। जिन वस्तुओं का रंग सबसे गहरा हो, उन्हें पहले कोट करना बेहतर होता है।

यदि आप कम संतृप्त वस्तुओं के साथ काम करना शुरू करते हैं, तो बाद में अन्य वस्तुओं के संतृप्त रंगों का चयन करना और सही संबंध बताना असंभव हो सकता है। रूप का विकास प्रकाशित और छाया भागों के बीच रंग संबंधों को निर्धारित करने की दिशा में किया जाता है। वस्तुओं के आकार को पंजीकृत करते समय, किसी को मूल नियम को नहीं भूलना चाहिए: प्रत्येक हाफ़टोन, प्रकाश या छाया अपने आप में महत्वपूर्ण नहीं है, बल्कि केवल दूसरों के संबंध में महत्वपूर्ण है। प्रत्येक स्ट्रोक कार्य के प्रति सार्थक दृष्टिकोण का परिणाम होना चाहिए। इसलिए, प्रकृति का लगातार तुलनात्मक विश्लेषण करना यानी रिश्तों में काम करना जरूरी है।

स्थिर जीवन के किसी भी हिस्से पर काम करते समय, आपको न केवल इस हिस्से को, बल्कि संपूर्ण उत्पादन को भी देखना होगा और समग्र रंग योजना में इस हिस्से की भागीदारी का हिस्सा निर्धारित करना होगा। रिफ्लेक्स पर काम करते समय इसे याद रखना विशेष रूप से महत्वपूर्ण है। प्रायः प्रतिबिम्ब किसी पड़ोसी वस्तु के प्रतिबिम्ब के रूप में प्रकट होता है। इस मामले में, आपको छाया के समग्र स्वर को परेशान किए बिना, इस प्रतिबिंब को छाया वाले हिस्से में सावधानीपूर्वक सम्मिलित करना चाहिए।

आसपास की वस्तुओं के रंग को ध्यान में रखते हुए छाया वाले हिस्से को पारदर्शी पेंट से रंगना चाहिए। छाया का रंग उस सतह के रंग पर ध्यान देने योग्य प्रभाव डालता है जिस पर वस्तुएँ खड़ी हैं। वस्तुओं के सभी निचले हिस्से इस परावर्तित रंग से रंगे जाते हैं। हमें गिरती हुई छायाओं को भी ध्यान में रखना होगा, जो छाया भागों के प्रतिवर्ती भाग में अपना सुधार करती हैं। उनके रंग टोन काफी करीब हैं, जिसके कारण वस्तुओं के आधारों की आकृति धीरे-धीरे क्षैतिज तल से मेल खाती है। इसके अलावा, गिरती हुई छाया रंग और तनाव में विषम होती है - यह वस्तु के जितनी करीब होती है, उतनी ही तेज होती है; अग्रभूमि में तीक्ष्णता बनी रहती है, लेकिन अंदर यह पारदर्शी होता है, यानी पर्यावरण के रंगों की प्रतिबिंबित छटाओं से भरा होता है।

पृष्ठभूमि-पर्यावरण का पंजीकरण स्थिर जीवन के भाग के विकास के संबंध में एक साथ और समान रूप से किया जाना चाहिए। वस्तुओं पर चकाचौंध का चित्रण करते समय, आप अपने आप को केवल उनके हल्केपन को व्यक्त करने तक सीमित नहीं कर सकते, उनके रंग के रंगों के बारे में भूल सकते हैं।

हाइलाइट का रंग वस्तु पर पड़ने वाले प्रकाश के रंग और स्वयं वस्तु के रंग पर निर्भर करता है; इसकी छाया उस सतह के रंग के विपरीत होगी जिस पर हाइलाइट निहित है।

हवाई परिप्रेक्ष्य की घटना पर भी ध्यान दिया जाना चाहिए; स्थिर जीवन में, वस्तुएं एक दूसरे से अलग-अलग दूरी पर स्थित होती हैं। अग्रभूमि और पृष्ठभूमि की वस्तुओं के बीच हवा की एक परत होती है, जो दूर की वस्तुओं के रंगों की चमक को नरम कर देती है। इसलिए पास की वस्तुएं दूर की वस्तुओं की तुलना में अधिक चमकीली दिखाई देती हैं। दूर की वस्तुओं की आकृतियाँ पृष्ठभूमि के साथ विलीन होती प्रतीत होती हैं, जिसके कारण अंतरिक्ष का आभास होता है: कुछ वस्तुएँ हमारे करीब होती हैं, अन्य दूर। यदि आप पृष्ठभूमि वस्तुओं के रंगों को नरम नहीं करते हैं, तो बाद वाली वस्तुएं अग्रभूमि में "उभर" जाएंगी। वस्तुओं के रंग को कमजोर करना और बढ़ाना इस प्रकार किया जाता है; पानी से पूरी तरह से साफ किया गया ब्रश रंग और वस्तु की रूपरेखा को नरम कर देता है जिसे गहराई तक जाना चाहिए। यदि पृष्ठभूमि वस्तुओं को कमजोर रंगों में चित्रित किया गया है और उनके रंगों को और कमजोर करना अवांछनीय है, तो आप अग्रभूमि वस्तुओं को "करीब ला सकते हैं", उनकी चमक बढ़ा सकते हैं और उनकी आकृति पर जोर दे सकते हैं।

पेंट के प्रत्येक स्थान, प्रत्येक स्ट्रोक को ड्राइंग के अनुसार, वस्तु को सीमित करने वाली सतहों के अनुसार रखा जाना चाहिए। किसी छवि में रंग केवल तभी समझ में आ सकता है जब इसे पेंट के रूप में नहीं देखा जाता है, बल्कि एक ऐसी सामग्री में बदल दिया जाता है जो मात्रा को आकार देता है और अंतरिक्ष का भ्रम पैदा करता है।

छात्रों को तेल पेंट के साथ स्थिर जीवन पर काम करना सिखाना सचित्र साक्षरता सिखाने में एक निश्चित चरण है, जो छात्रों द्वारा पहले से अर्जित ड्राइंग और पेंटिंग में ज्ञान के आवश्यक स्तर को मानता है।

कलात्मक और शैक्षणिक अभ्यास में, सिद्धांत के आधार पर प्रस्तुतियों पर अनुक्रमिक कार्य की एक विधि होती है: सामान्य से विशिष्ट तक और विशिष्ट से फिर सामान्य तक विवरण से समृद्ध।

तेल पेंट के साथ स्थिर जीवन पर काम करने के लिए सख्त पद्धतिगत स्थिरता की आवश्यकता होती है। संचालन का सिद्धांत सभी स्थिर जीवन प्रस्तुतियों के लिए समान है।

• जिस दूरी पर प्रकृति स्थित होनी चाहिए वह 1.5 मीटर तक है। अधिकतम दूरी: 2 मीटर. एक सामान्य नियम के रूप में, विषय को 45 डिग्री के कोण पर देखने की अनुशंसा की जाती है।
• चित्रात्मक धरातल पर प्रकृति और उसकी संरचना पर दृष्टिकोण का चुनाव। सबसे पहले, आपको पूर्ण पैमाने पर उत्पादन का ध्यानपूर्वक निरीक्षण करना चाहिए, इसे कलाकार की "सशस्त्र" नज़र से देखना चाहिए। जैसा कि ई. डेलाक्रोइक्स ने कहा: "पेंटिंग "चीज़ों से उतना ही लेने की क्षमता है जितना आपको दर्शकों को दिखाने की ज़रूरत है।"
• आवश्यक वस्तुओं को व्यवस्थित करें, पैलेट पर पेंट निचोड़ें, स्केच के लिए कार्डबोर्ड, एक खाली कैनवास तैयार करें।
• सवाल उठता है कि क्या पेंसिल से चित्र की रूपरेखा तैयार की जाए या तुरंत लिखना शुरू कर दिया जाए। टोनल और रंग संबंधों का एक स्केच तुरंत ब्रश से चित्रित किया जाना चाहिए, लेकिन दीर्घकालिक उत्पादन में, संरचनात्मक आधार ड्राइंग है। लेकिन, आपको पेंट लेने में जल्दबाजी नहीं करनी चाहिए।
• स्टेज I इसमें प्रारूप में छवि का रचनात्मक स्थान शामिल है। रेखाचित्र बनाने की प्रक्रिया में रचना के मुद्दों का समाधान किया जाता है। पेंसिल में संरचनागत खोज और अग्र रेखाचित्र पर कार्य। पाई गई रचना को सहेजा जाना चाहिए और कैनवास प्रारूप में स्थानांतरित किया जाना चाहिए।
• प्रारंभिक रेखाचित्रों में वस्तुओं के एक समूह के लिए एक रचनात्मक समाधान खोजने और जीवन से एक रेखाचित्र बनाने के बाद, बुनियादी प्रकाश और छाया संबंधों और स्थिर जीवन की सामान्य रंग संरचना को खोजने के लिए, आपको कैनवास पर एक सक्षम चित्र बनाना चाहिए , या कागज की एक अलग शीट पर एक चित्र बनाएं, और फिर उसे कैनवास पर स्थानांतरित करें।
• तेल चित्रकला के लिए चित्र विभिन्न सामग्रियों का उपयोग करके बनाए जा सकते हैं: लकड़ी का कोयला, नरम ग्रेफाइट, ब्रश और पतला तेल पेंट। अंतिम ड्राइंग को स्याही में रेखांकित किया जा सकता है। यदि आपको डिज़ाइन पर पर्याप्त भरोसा है, तो आप इसके लिए पारदर्शी पेंट (उदाहरण के लिए, प्राकृतिक अम्बर) चुनकर इसे ब्रश से करने की सलाह दे सकते हैं। वह स्थिर जीवन के छाया भागों, गिरती परछाइयों का वर्णन कर सकती है, साथ ही वस्तुओं के बीच मुख्य संबंधों को भी रेखांकित कर सकती है।
• चरण II. अंडरपेंटिंग को सफेद रंग के उपयोग के बिना पेंट की पारदर्शी परत के साथ स्थिर जीवन की छाया और अंधेरे स्थानों से शुरू करना चाहिए। यदि स्थिर जीवन में कोई काली वस्तु है जो ट्यूनिंग कांटा के रूप में कार्य करती है (उदाहरण के लिए, एक गहरे रंग की मिट्टी का जग), तो उससे शुरुआत करना बेहतर है। फिर आपको इस वस्तु का पड़ोसी, हल्की वस्तुओं और पृष्ठभूमि के साथ संबंध निर्धारित करने की आवश्यकता है।
• अंडरपेंटिंग चरण में, मूल रंग संबंधों को प्रकट किया जाना चाहिए। पत्र स्वतंत्र, ऊर्जावान, चौड़े ब्रशों का प्रयोग करते हुए होना चाहिए। अंडरपेंटिंग चरण में, किसी को प्रकाश बिछाने की सटीकता के लिए प्रयास करना चाहिए, विस्तार में जाने के बिना, बड़े रंग संबंधों की तलाश करना चाहिए, वस्तुओं के बड़े आकार के चित्रण का अवलोकन करना चाहिए।
• काम करते समय आपको हर वक्त रिश्तों के बारे में सोचने की जरूरत है। तुलना विधि रंग संबंधों की खोज का आधार है।
• अगले चरण में, पारदर्शी अंडरपेंटिंग का उपयोग करके प्रबुद्ध और अर्ध-छायांकित क्षेत्र निर्धारित किए जाते हैं।
• प्रकाशित सतहों को सफेद रंग का उपयोग करके ठोस, घने इम्पैस्टो स्ट्रोक में चित्रित किया जाता है; छाया को सफेद के बिना, अधिक पारदर्शी रूप से चित्रित किया जाता है।
• जहां तक ​​स्ट्रोक की दिशा का सवाल है, आपको दो नियम याद रखने होंगे:

2. अस्पष्ट मामलों में, विकर्ण स्ट्रोक के साथ लिखना बेहतर है।

• यदि कार्य मल्टी-लेयर पेंटिंग विधि का उपयोग करके किया जाता है, तो सूखे पेंट पर पंजीकरण ग्लेज़ विधि का उपयोग करके किया जाता है। यह विधि सूक्ष्म रंग की बारीकियों की अनुमति देती है।

कार्य के सभी भागों में समान रूप से कार्य करना चाहिए, एक स्थान पर प्रकाश डालते हुए तुरंत दूसरे क्षेत्र में प्रकाश लगाना चाहिए, उनकी एक दूसरे से तुलना करनी चाहिए। जैसा कि पी.पी. चिस्त्यकोव ने उल्लेख किया है, आपको एक स्ट्रोक जग पर लगाने की जरूरत है, और दूसरा रिश्ते में पृष्ठभूमि, मेज के तल आदि पर तुरंत उसके बगल में होना चाहिए। चित्रफलक से अधिक बार दूर जाने की अनुशंसा की जाती है: इससे आपको काम को अधिक सामान्य रूप से देखने और संभावित गलतियों को रोकने का अवसर मिलेगा।

• क्लोज़-अप के कट-ऑफ और रंग संबंधों को खोजने के बाद, हम प्रत्येक वस्तु के वॉल्यूमेट्रिक आकार को काइरोस्कोरो (रंग में व्यक्त) के साथ मॉडलिंग करने के लिए आगे बढ़ते हैं। पाए गए रिश्तों को स्पष्ट किया जाता है, और वस्तुओं का आकार सक्रिय रूप से मॉडलिंग किया जाता है।
• आप एक ही तकनीक का उपयोग करके जग और कपड़े की सतह को चित्रित नहीं कर सकते। पहले मामले में, स्ट्रोक अधिक बनावट वाला, स्पष्ट और जुड़ा हुआ होना चाहिए, दूसरे में - नरम, मुक्त। चित्रित वस्तुओं की भौतिकता को व्यक्त करने की सटीकता तकनीकी तकनीकों के सही उपयोग पर निर्भर करती है।
• यह सलाह दी जाती है कि दूसरे और तीसरे की तुलना में अग्रभूमि का अधिक विस्तार से वर्णन करें, विशिष्ट सिलवटों की रूपरेखा तैयार करें और आकृति को बहुत सावधानी से और विस्तार से तराशें। लंबा शॉट नरम है, अधिक सामान्यीकृत है, कोई विशिष्ट स्पष्ट बदलाव नहीं हैं।
• वस्तुओं के प्रकाशित क्षेत्रों को कॉर्पस लेखन का उपयोग करके व्यक्त करना और अंधेरे क्षेत्रों को पतली परतों में लिखना बेहतर है, यदि संभव हो तो सफेद रंग के उपयोग से बचें।
• रूप और विवरण पर काम करते समय, आपको प्रकृति के समग्र स्वर को नज़रअंदाज़ नहीं करना चाहिए। हमें हमेशा उसके साथ व्यक्तिगत वस्तुओं और विवरणों की पेंटिंग का समन्वय करना चाहिए। अन्यथा, रंग निर्णयों में त्रुटियां संभव हैं, जिससे छवि अखंडता का नुकसान हो सकता है।
• स्थिर जीवन पर काम करते समय, यह ध्यान देना भी आवश्यक है कि समोच्च के साथ वस्तुएं कहां विपरीत दिखती हैं, कहां वे पृष्ठभूमि के साथ विलीन हो जाती हैं, जहां वे धीरे से छाया में बदल जाती हैं।
• हमें हवाई परिप्रेक्ष्य की घटना के बारे में भी याद रखना चाहिए। चित्रात्मक छवि का मूल सिद्धांत किसी माध्यम में किसी वस्तु को संप्रेषित करने की क्षमता है।
• वे सिलवटों की आकृतियों को रंग से उसी तरह तराशते हैं जैसे वे अन्य वस्तुओं के आकार को संप्रेषित करते समय करते हैं, सिलवटों की राहत के साथ प्रकाश और रंग की गति का पता लगाते हैं, उनकी रोशनी और छाया का क्रम: प्रकाश, हाइलाइट, पेनम्ब्रा, छाया, प्रतिबिम्ब, गिरती हुई छाया।
• काम के अंतिम चरण में, स्थिर जीवन के सामान्य टोनल-रंग और प्लास्टिक समाधान को स्पष्ट करने और विवरणों को इसके अधीन करने के लिए फिर से लौटना आवश्यक है।
• यह सुनिश्चित करना आवश्यक है कि कार्य निर्बाध दिखे। ग्लेज़िंग और इम्पैस्टो स्ट्रोक दोनों यहां उपयुक्त हैं।

प्रशिक्षण की शुरुआत में, आपको ब्रश की कुशलता, स्ट्रोक की महारत से दूर नहीं जाना चाहिए। काम की शुरुआत में, स्वाभाविक रूप से स्ट्रोक गलत और डरपोक होंगे, लेकिन मुख्य बात यह सुनिश्चित करना है कि वे आकार में फिट हों। अभ्यास के परिणामस्वरूप, आप आत्मविश्वास हासिल करेंगे और अपनी खुद की "हस्तलेख" विकसित करेंगे।

"कॉन्स्टेंटिन कोरोविन," एन.पी. क्रिमोव याद करते हैं, "सभी महान कलाकारों की तरह, जिन्होंने रचनात्मकता में निपुणता और स्वतंत्रता हासिल की, उन्होंने प्रकृति के बहुत सावधानीपूर्वक अध्ययन के साथ अपनी यात्रा शुरू की और शुरुआत में विस्तार से और विनम्रता से चित्रित किया।"

स्थिर जीवन पर काम करते समय तेल चित्रकला सीखने की प्रारंभिक अवधि में मुख्य शैक्षिक उद्देश्य एक निश्चित सामग्री को ध्यान में रखते हुए, इसके आलंकारिक सचित्र समाधान को देखने की क्षमता का विकास करना है।

कार्य मूल्यांकन के आत्म-विश्लेषण के लिए मानदंड:

• स्थिर जीवन (चित्र, आकृति) को सही ढंग से बनाने में सक्षम हो, अंतरिक्ष में उसका स्थान निर्धारित करें (चित्रात्मक तल पर मंचित वस्तुओं का सही संरचनागत स्थान)।
• थ्रू-ड्राइंग विधि का उपयोग करके वस्तुओं का निर्माण करने में सक्षम हो (प्रारंभिक रैखिक ड्राइंग स्पष्ट रूप से दिखाई देती है)।
• वस्तुओं के अनुपात और चरित्र को व्यक्त करने में सक्षम हो, मुख्य और माध्यमिक को अधीन करने के लिए (आनुपातिक संबंधों को सही ढंग से व्यक्त किया जाता है और परिप्रेक्ष्य को सही ढंग से हल किया जाता है)।
• रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य का उपयोग करने में सक्षम हो;
• पर्यावरण की स्थिति और प्रकाश की स्थिति को ध्यान में रखते हुए, रंग के साथ एक रूप को "मूर्तिकला" करने में सक्षम होना, वस्तुओं की भौतिकता को व्यक्त करना;

• रंग संबंध निर्धारित करना, कार्य को रंगीन एकता, रंग सामंजस्य और अभिव्यंजक रंग योजना की ओर ले जाना।

अनुशासन में महारत हासिल करने की गुणवत्ता के आत्म-मूल्यांकन के लिए परीक्षण प्रश्न।

1. किसी पेंटिंग के निर्माण में ड्राइंग की भूमिका।
2. प्रकृति में रंग और चित्रकला में. रंग के मूल गुण.
3. विषय रंग. वायुजनित रंग.
4. रंग के साथ त्रि-आयामी रूप के निर्माण की नियमितताएँ।
5. रंग की प्रकृति. श्रेणी।
6. रंग की बुनियादी विशेषताएं.
7. रंग टोन।
8. रंग का हल्कापन. "रंग की हल्कापन" की अवधारणा का विस्तार करें।
9. रंग संतृप्ति। यह किस पर निर्भर करता है?
10. रंग धारणा पर प्रकाश का प्रभाव। जीवन से लेकर चित्रकला तक के कामकाज में प्रकाश की भूमिका।
11. विरोधाभास की घटना. रंग और टोन में विरोधाभास. प्रकृति और चित्रकला में विरोधाभास.
12. कलाकार का पैलेट और उसकी दृश्य संभावनाएं।
13. रंग मिलाना. प्राथमिक और व्युत्पन्न रंग. एक टेबल बनाओ.
14. जल रंग पेंट के साथ काम करने की तकनीक (सूखे आधार पर, गीले कागज पर)।
15. एक लंबे कार्य को पूरा करने का क्रम और जल रंग में एक अल्पकालिक रेखाचित्र।
16. अक्रोमैटिक और रंगीन रंग।
17. प्राथमिक और द्वितीयक रंग.
18. गर्म और ठंडे रंग, उनकी परस्पर क्रिया और चित्रकला में अनुप्रयोग।
19. गौचे। गौचे पेंट के साथ काम करने की विशेषताएं।
20. रंग स्पेक्ट्रम. रंग सामंजस्य.
21. रंग चित्रकला का सबसे महत्वपूर्ण गुण है और किसी विचार की आलंकारिक अभिव्यक्ति का साधन है।
22. चित्रात्मक छवि की अखंडता.
23. एक सचित्र छवि के संगठन में रंग प्रतिबिंबों की भूमिका।
24. पेंटिंग में स्थान का स्थानांतरण. रंग-वायु परिप्रेक्ष्य की नियमितताएँ।
25. टेम्पेरा पेंटिंग की तकनीक में काम करने की विशेषताएं। ग्लेज़िंग, कॉर्पस लेखन।
26. तेल चित्रकला तकनीक. सामग्री: आधार, प्राइमर और उनका अनुप्रयोग।
27. तेल पेंट, सॉल्वैंट्स, ब्रश, उनका उपयोग और देखभाल।
28. हमें कार्डबोर्ड, स्ट्रेचिंग और प्राइमिंग कैनवास के विकल्पों के बारे में बताएं।
29. तेल चित्रकला की संभावनाएँ. ग्लेज़िंग। कॉर्पस पत्र.
30. पेंटिंग में त्रि-आयामी सिर के आकार के निर्माण की विशेषताएं।
31. एक जीवित सिर को चित्रित करने पर काम का क्रम।
32. पोर्ट्रेट पेंटिंग में रचना के प्रश्न।
33. घर के अंदर और खुली हवा में पोर्ट्रेट पेंटिंग पर काम करने की विशेषताएं।
34. मानव आकृति को चित्रित करने पर काम की विशेषताएं। चेहरे, हाथ और पोशाक के विकास के लिए विभिन्न दृष्टिकोण।
35. पेंटिंग में ट्यूनिंग फ़ोर्क की अवधारणा और चित्रात्मक छवि के समग्र समाधान के लिए इसका महत्व।
36. "ग्रिसैल पेंटिंग" क्या है?
37. प्रकृति और चित्रकला में रंग परिप्रेक्ष्य के पैटर्न को प्रकट करें।
38. वी.आई. की पेंटिंग के चरित्र को प्रकट करें। सुरिकोव।
39. ए.आई. की पेंटिंग प्रणाली की विशेषताओं के बारे में बताएं? कुइंदझी.
40. चित्रात्मक छवि की अखंडता कैसे प्राप्त की जाती है?
41. एन.पी. द्वारा चित्रकला के सिद्धांत के बारे में बताएं? क्रिमोवा।
42. रेम्ब्रांट की पेंटिंग की विशेषताओं को प्रकट करें।
43. "प्रकृति में रंग" और "पेंटिंग में रंग" की अवधारणाएँ कैसे संबंधित हैं?
44. प्रभाववादी कलाकारों की पेंटिंग की विशेषताओं के बारे में बताएं।
45. एन.एन. द्वारा वक्तव्य पेंटिंग के बारे में वोल्कोवा।
46. हमें रंग के साथ त्रि-आयामी रूप के निर्माण के सिद्धांतों के बारे में बताएं।