Diagnóstico terapéutico artístico. Diagnóstico en arteterapia.

Interpretar un dibujo es a la vez un juego misterioso y un trabajo científico.

P. Brutsche

La actividad creativa fina se considera inicialmente en AT como un proceso terapéutico destinado, en sentido figurado, a “curar el alma”. En otras palabras, dibujo terapéutico en el sentido generalmente aceptado. Esta es una oportunidad delicada y humana para observar a una persona en el proceso de creatividad espontánea, acercarse a comprender sus intereses, valores, ver su mundo interior, su singularidad y su identidad personal.

A veces, señala el arteterapeuta K. Welsby, puede resultar muy difícil comprender la naturaleza de ciertos problemas de los estudiantes: si están relacionados con factores físicos, sensoriales, cognitivos, emocionales o de comportamiento, y qué tan graves son estos problemas. Así, una chica retraída y tranquila puede tener problemas más graves que una chica desobediente y desequilibrada emocionalmente, aunque la primera pueda permanecer desatendida por un especialista.

En 1924, el talentoso maestro V.N. Soroka-Rossinsky convenció a sus colegas de que tal o cual niño puede resultar difícil no por ningún defecto... sino, por el contrario, por la complejidad y riqueza de su naturaleza.. Por otra parte, la moderación y la exactitud... no siempre hablan de algo espiritualmente valioso [Ped. op. - M., 1991. - pág. 140].

La personalidad como formación plástica, dinámica y compleja se caracteriza por una tendencia a cambios continuos en sus componentes. El estudio de estos procesos no siempre es susceptible de formalización, ya que afecta a diversas características de la actividad mental, incluidas las esferas del consciente y del inconsciente. Por tanto, el diagnóstico requiere el uso de procedimientos sistémicos y no lineales adecuados.

En la TA, los propios procesos diagnóstico y terapéutico ocurren simultáneamente a través de una excitante creatividad espontánea. Como resultado, es más fácil establecer contactos de comunicación emocionales y de confianza entre las partes involucradas en el proceso de diagnóstico.

Esto es especialmente significativo si el sujeto experimenta ansiedad y estrés severos, que surgen en situaciones de examen tradicional, así como al trabajar con niños. La psique del niño es extremadamente inestable, la esfera emocional es extremadamente lábil. Los escolares más pequeños a menudo ven un componente de juego en el examen o intentan intuitivamente encontrar la respuesta correcta. Sus reacciones pueden ser imitativas. En lugar de tomar una decisión que venga “del corazón”, los niños pueden idear un juego con sus propias reglas (L. N. Sobchik).

En el dibujo terapéutico, la situación diagnóstica es menos notoria, por regla general, no la realizan participantes de ninguna edad y no provoca reacciones de carácter defensivo.

La base del material de diagnóstico es la producción visual. Esto, hasta cierto punto, acerca la AT a las pruebas de dibujo proyectivo. Algunos autores incluso distinguen la AT proyectiva como una variedad independiente (E. M. Burno, S. Kratokhvil, A. A. Osipova, etc.). Otras publicaciones señalan que AT pertenece al grupo de métodos proyectivos expresivos, lo que está bastante justificado en cuanto a las capacidades de diagnóstico del dibujo. Al mismo tiempo, la TA es ciertamente un fenómeno más profundo.

EN interpretación de dibujos no es un fin en sí mismo y no puede reducirse a un análisis cuantitativo y cualitativo de elementos formales, aunque, sin duda, los fundamentos de dicho trabajo están presentes. Los componentes formales prioritarios son la línea, la forma, el color en su dinámica interconectada, así como otros aspectos y métodos de expresión simbólica a través de los medios de la creatividad visual.

Entonces, en los enfoques de diagnóstico anteriores, es fácil notar diferencias significativas, que se presentan en forma de tabla para mayor claridad.

No. y/y	Características comparables	dibujo proyectivo	Arteterapia (dibujo terapéutico)
	Objetivos	Diagnóstico	Psicoterapéutico

		Diagnóstico	Desarrollo comunicativo
	Material de diagnóstico,	Dibujo post-dibujo	Figura Producto
	instalaciones	encuesta	artístico
			creatividad verbal
			comunicación no verbal
			comunicación
3.	Tema de la tarea	Tema limitado, contenido	Determinado por la lógica
		Tareas, instrucciones cumplen estrictamente con la verificación.	arteterapia, puede ser gratis
		citado
		prueba
4.	Mecanismos psicológicos	Proyección	Proyección Transferencia Contratransferencia
5.	Interpretación	Alta calidad y	Medición en
	resultados	procesamiento cuantitativo de acuerdo con las normas	no se aplica estrictamente. hermenéutica
		dotado-	acercarse a
		nuestros criterios. Tecnológico	Interpretación del habla
		nivel de interpretación	comunicación, retroalimentación,
			comprensión en
			combinado con
			interpretación
6.	Participación	Permitido	Obligatorio
	especialista	ausencia de	presencia
		pruebas	terapeuta de arte

En los métodos gráficos proyectivos, una imagen pictórica para un especialista es sólo material de diagnóstico. En este caso se utilizan escalas estándar de elementos formales.

Se lleva a cabo una división estructural (o formal-estructural) del dibujo, un análisis cualitativo y cuantitativo de los detalles característicos y una interpretación para aclarar las características personales individuales del autor del producto gráfico.

Por ejemplo, se monitorean las características de diseño, composición, perspectiva, proporciones, líneas, trazos, iluminación (R. B. Khaikin); rasgos estilísticos formales de la imagen (M. E. Burno), se tiene en cuenta la frecuencia de aparición de ciertos parámetros, etc.

En definitiva, es lógico definir este nivel de interpretación de los dibujos como tecnológico.

La realización del dibujo proyectivo permite la ausencia tanto del investigador (psicólogo) como del procedimiento de encuesta post-dibujo, por ejemplo, si el trabajo se realiza en casa. Sin embargo, cabe señalar que en este caso el valor diagnóstico de la técnica se reduce significativamente.

En AT, en lugar de una interpretación independiente de las características formales de un dibujo, el psicólogo se basa en el propio sistema de significados y asociaciones del autor, utiliza una variedad de estrategias de habla y rastrea las características de sus expresiones faciales, movimientos y no verbales. expresión sonora y otras reacciones.

También cabe destacar que el número de tareas temáticas para las pruebas proyectivas gráficas es limitado. En particular, los clásicos incluyen el dibujo de una persona (pruebas F. Goodenough, D. Harris), "Árbol" (K. Koch), "Casa - árbol - hombre" (D. Book); dibujo de una familia (V. Wulf; V. Hules; R. K. Berne, S. K. Kaufman) y algunos otros.

AT, por otro lado, ofrece una amplia variedad de temas para actividad creativa. Sin embargo, su valor diagnóstico no es absoluto. Los dibujos no se analizan analíticamente únicamente con el fin de identificar el significado. La percepción introspectiva se considera más informativa que los signos externos de una obra terminada (R. Goodman, K. Rudestam, G. Fers, etc.).

Además, existe un gran peligro de subjetividad, proyección de expectativas diagnósticas y vivencias del propio especialista en el proceso de interpretación del material recibido. "Propio vida interior interfiere con mi percepción del mundo exterior y, quizás, con interpretaciones involuntarias desvío al niño de su camino”, reflexiona G. Schottenloher.

En cada imagen gráfica, que puede considerarse como un mensaje no verbal para otra persona, queda algo específicamente individual. Y la dificultad de la tarea metodológica, según E. S. Romanova, O. F. Potemkina, es resaltar con el máximo contraste lo que pertenece al autor, separándolo de lo que constituye el lado normativo, "no autor" de la imagen: el contorno del situación objetiva, la influencia de las tareas estándar, el contenido del significado general del mensaje.

El problema de la búsqueda de la objetividad está hasta cierto punto relacionado con el principio de proyección psicológica como base del dibujo proyectivo. La proyección subyace a todo tipo de creatividad artística y científica, y "el sujeto proyecta (refleja, expresa) sus necesidades, complejos, represiones, experiencias, motivos inconscientes u ocultos. Además, las personas con "niveles más bajos de confianza básica" son propensas a la proyección sobre productos la creatividad espontánea prevalece sobre las experiencias depresivas. En general, cualquier persona, tanto preparada como no preparada, tiene la capacidad de proyectar sus estados internos en forma visual,

A medida que los participantes traducen su experiencia emocional en creatividad visual, muy a menudo llegan a ser capaces de describirla con palabras (M. Naumburg). En otras palabras, las desfiguraciones pictóricas son un reflejo de la individualidad de las propiedades psicológicas^s1gholT5gical del autor, su cosmovisión, x

La imagen del dibujo de un niño es proyectiva en relación con el estado mental interno del individuo (K. Machover). Las características de las circunstancias sociales de desarrollo, la situación familiar, el bienestar emocional y físico, así como otros factores similares, influyen en la construcción de una imagen artística, la composición, el uso del espacio de color, el simbolismo y la naturaleza de los movimientos.

Incluso los garabatos tienen un alto potencial de diagnóstico y se consideran un indicador del autoconocimiento y la madurez social del individuo, que se transmite a través de la estructura de los garabatos (E. Ullman, F. Kane). Se puede concluir, subraya M. Betensky, que los garabatos representan nueva información para el diagnóstico y nuevos recursos para la arteterapia.

Los métodos gráficos le dan a la persona la oportunidad no solo de proyectar la realidad, sino también de interpretarla a su manera. Naturalmente, el resultado obtenido lleva en gran medida la huella de la personalidad, su estado de ánimo, estado, sentimientos y características del mundo interior. Por eso el especialista

Aquellos que quieran comprender el arte del programa visual __ "TGUTSHYYTdeben centrarse no en lo especulativo__ presentado y sus propias proyecciones, sino en las asociaciones del propio autor y el “lenguaje” de su cuerpo (R Goodman)^

En otras palabras, una interpretación obstinadamente lineal no debería

Quiero tener un lugar en la arteterapia. R. Goodman advierte

"1) T uso de la "tecnología de libro de cocina"_en di-

agiásticos de los dibujos, insiste en la necesidad de observar

__^g'verbals:?oh expresión de una persona, ser capaz de construir-

desarrollar una estrategia de habla, elegir las palabras correctamente y no

tratarlos como algo secundario.

Lo dicho está en consonancia con las creencias de M. M. Bakhtin, según las cuales es imposible dominar al hombre interior, verlo y comprenderlo, lo que lo convierte en objeto de un análisis neutral e indiferente. Puedes acercarte y abrirlo.

más precisamente, obligarlo a abrirse, sólo a través de la comunicación, dialógicamente

“Ansiedad, problemas personales, miedos”, o cualquier otra cosa, que el autor del dibujo creció en una zona montañosa.

Otro ejemplo es la interpretación del sol como símbolo de la figura paterna. ¿Es realmente, piensa R. Goodman, que el sol debe asociarse con la autoridad porque “reina” en el cielo, da luz y calor a todos y está asociado con la idea de Dios? No es

significa que tales interpretaciones de las imágenes son incorrectas. Simplemente no siempre son ciertas. E incluso si fuera cierto, ¿es posible verificarlo de alguna manera? “Al sacar conclusiones generales, buscamos la objetividad, quizás ignorando el contenido puesto en la imagen por su creador. Así, se pierde la conexión entre el símbolo y lo que simboliza. Desafortunadamente, al utilizar imprudentemente diccionarios de símbolos, traicionamos los fundamentos de nuestras actividades. Siempre debemos mirar hacia atrás y, al intentar formular juicios de valor, intentar ver el significado más profundo de la imagen. Sólo teniendo en cuenta la variedad de asociaciones que evoca esta imagen podremos hacer una interpretación más precisa”.

Según G. Fers, es muy difícil disponer los elementos de soporte en orden secuencial. No existen recetas ni métodos preparados para ello.

Además, el sujeto puede proyectar imágenes cognitivas como resultado de los conocimientos, patrones visuales y habilidades de dibujo adquiridos durante el proceso de aprendizaje. Por ejemplo, los niños saben que el tronco de un árbol suele ser marrón, el follaje verde, el cielo azul y el sol amarillo, y los representan en consecuencia. Sucede que cuando se les ocurre una historia basada en su dibujo, dicen: "Este árbol soy yo", y luego fácilmente cambian a un recuento de un libro de texto de historia natural.

Uno de los más errores típicos Al considerar el trabajo de los niños es aplicar aquellos enfoques de interpretación que generalmente se utilizan cuando se trabaja con adultos. Como subraya M. Hagood, nuestras propias proyecciones y explicaciones psicoanalíticas, basadas en principios teóricos, se relacionan con la psique de los adultos y difícilmente son apropiadas cuando se trabaja con niños.

Limitación 3. Así, la especificidad de las artes visuales en la infancia es una frontera pseudoformal del método de diagnóstico terapéutico del arte.

En el contexto de lo anterior, destacaremos al menos dos aspectos: patrones objetivos y etapas de desarrollo de la creatividad infantil, que se reflejan en el dibujo, así como procesos subjetivos de crecimiento y desarrollo del niño. En otras palabras, el psicólogo interactúa con una estructura aún no formada y mal integrada, una personalidad inmadura.

Sin embargo, se conocen pautas generales en las que basar el estudio de las principales tendencias tipológicas individuales e identificar el grado de adaptación (o mala adaptación) del niño examinado (L.N. Sobchik).

(Para obtener más detalles, consulte "La creatividad fina de los niños: características del diagnóstico terapéutico artístico").

Limitación 4. General para todos los grupos de edad. Se debe a la falta de una estandarización estricta, el predominio del enfoque empírico en el diagnóstico terapéutico del arte y, en consecuencia, su carácter subjetivo, dependencia del nivel de preparación, intuición y experiencia personal del psicólogo (terapeuta del arte). Los datos obtenidos de esta manera son de naturaleza descriptiva, son difíciles de medir y se presentan en forma de un sistema coherente de resultados estadísticamente objetivos, confiables y confiables.

La investigación cuantitativa total, según muchos expertos, tampoco es universal, ya que distorsiona la visión de un objeto, resaltando solo la parte que se puede medir. Una interpretación de alta calidad de los productos visuales ayuda a ver los fundamentos profundos de un patrón individual-personal, reduciendo el riesgo de "generalizar e individualizar".

Según S. McNpff, los especialistas han centrado durante demasiado tiempo su atención en los productos de la actividad creativa de sus clientes. Y la clave para comprender el potencial curativo del arte reside en la realización del potencial creativo humano.

El objetivo de la arteterapia no es eliminar deficiencias o trastornos, subraya V. Becker-Glosch. Por el contrario, se dirige a las fortalezas del individuo y además tiene la sorprendente propiedad de apoyar internamente y restaurar la integridad de la persona. En este contexto, es interesante la posición de F. Nietzsche: para él, salud no significaba la libertad de la enfermedad, sino la capacidad de una persona para afrontarla, y es esta capacidad la que se actualiza en el proceso de creatividad visual.

Por tanto, el diagnóstico terapéutico difícilmente puede considerarse un método autosuficiente y, por tanto, desempeña un papel de apoyo en la investigación científica. Sin embargo, en combinación con otros métodos cualitativos, es la interacción arte-terapéutica la que permite presentar de la forma más completa y cuidadosa posible la imagen fenomenológica de los fenómenos estudiados y proporcionar una comprensión profunda e individualizada de los mismos.

Desde el punto de vista de la fenomenología, el producto creativo del cliente es considerado como una expresión de la experiencia interna, parte de su personalidad. Según la observación de M. Betenski, este método inspira confianza en una persona que primero desempeña el papel de artista, luego se convierte en observador y, con el tiempo, inicia un sentimiento de sí mismo como individuo en el proceso de terapia. Este sentimiento crece con la autoexpresión sistemática y la apertura a las experiencias internas.

El diagnóstico terapéutico del arte también puede considerarse legítimamente en el contexto de métodos hermenéuticos que se basan en los sentimientos y la intuición. Tienen como objetivo reconstruir la lógica interna y el significado de determinadas acciones del sujeto, que tienen una expresión signo-simbólica. Es con la ayuda de la comprensión que es posible ver significados subjetivos, valores, relaciones, experiencias y otras entidades humanitarias detrás de las manifestaciones externas de una persona. Estos oportunidades unicas arte proporcionado

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el terapeuta en el proceso de comunicación verbal y no verbal con el cliente a través de su producción visual.

Los trabajos del psicoterapeuta V. Oaklander contienen instrucciones simples que reflejan la esencia misma de la discusión arte-terapéutica del material visual, en la evaluación de R. Goodman, "reglas de oro".

"*~""Deja que el cliente hable de su trabajo como quiera.

Pida comentar ciertas partes de la imagen, aclarar su significado, describir la definición.

~ formas, objetos o personajes divididos. Esto ayudará a evitar hacer suposiciones prematuras sobre el contenido del trabajo.

Pide al cliente que describa el trabajo en primera persona, preferiblemente para cada uno de los elementos de la imagen. El cliente puede construir diálogos entre partes individuales de la obra, independientemente de si esas partes son personajes, formas geométricas u objetos. Es necesario distinguir entre preguntas “orientadas al ego” y “orientadas al objeto”. Los comentarios del cliente pueden estar relacionados con las propiedades externas o internas del artículo. Si, digamos, un cliente esculpiera algún tipo de arcilla producto alimenticio, puedes preguntar qué^ comió en el desayuno

"¿Qué es lo que más le gusta de los platos que le gustan a su madre? La primera pregunta está más "orientada a objetos", la segunda, más

""orientado al ego*, el arteterapeuta, al elegir un tema en particular, debe decidir en qué nivel se debe llevar a cabo primero la discusión. Si el cliente no sabe lo que significa tal o cual parte de la imagen, el arteterapeuta puede dé su explicación, sin embargo es necesario preguntarle al cliente qué tan cierta le parece esta explicación. La actitud hacia lo dicho se verifica mediante reacciones tanto verbales como no verbales._

batata. Cuando una explicación no provoca ninguna respuesta, vale la pena considerar si esto se debe a un error.

"Esta interpretación se debe a la falta de preparación del cliente.

Anime al cliente a centrarse en los colores. ¿Qué le están diciendo? Al centrarse en el color, puede tomar conciencia de algo. Tenga en cuenta que se pueden utilizar colores en diferente tiempo de diferentes maneras: en algunos casos reflejan las propiedades de los objetos, en otros, la actitud del autor hacia estos objetos.

Intente registrar las características de entonación, posición del cuerpo, expresión facial, ritmo respiratorio del cliente. Utilice estas observaciones para realizar más preguntas o, en caso de tensión severa del cliente, para cambiar a otro tema. El proceso artístico está asociado con reacciones físicas y emocionales pronunciadas, todas las cuales deben estar sujetas a la observación del arteterapeuta. Ayude al cliente a comprender la conexión entre sus propias declaraciones sobre el trabajo creativo y su situación de vida, haciendo preguntas cuidadosamente sobre qué y cómo de la vida real puede reflejar el arte visual que ha creado. Es necesario comprender hasta qué punto el cliente es capaz de integrar interpretaciones. Incluso si sus explicaciones son válidas, pueden causar resistencia. Pero si tiene razón y el cliente aún no está dispuesto a aceptarlas, recuerde que habrá una oportunidad de volver a estas explicaciones.

Preste especial atención a las partes faltantes de la imagen y a los espacios vacíos en el dibujo. No es en absoluto necesario que la ausencia de la parte superior y otras partes lleve un símbolo_nag12uz; ku. La imagen puede tener una "taquigrafía"

"personaje". Por ejemplo, J. Bovers señala que cuando

Representación de la figura humana por parte de personas que han sufrido violencia, ausencia de la parte inferior del cuerpo.

1, yo yo* yo-y. con y

[a-n-pi ga: y y ri

en algunos casos puede hablar de sexualidad reprimida, y en otros, de una imagen T^yg.kyazhennoy~“yo”.

Recuerde que a veces debe tomar la imagen literalmente, a veces debe buscar algo opuesto a lo que se muestra, especialmente si hay motivos para tal suposición. Las obras de Edith Kramer, en particular, están repletas de ejemplos de niños que representan héroes fantásticos con un ego fuerte y confianza. Al mismo tiempo, señala que estas imágenes suelen ser creadas por niños que buscan formarse una imagen ideal y poco realista.

“una vez “yo”, como resultado de lo cual experimentan dolorosamente el colapso de este ideal cada vez.

Pídale al cliente que hable sobre cómo se sintió mientras creaba el trabajo, antes de que comenzara y también después de completarlo. __

Darle al cliente la oportunidad de trabajar a su propio ritmo y con el conocimiento de que

"Representará algo que él pueda representar y reflejará aquellos estados que está listo para explorar. Independientemente del grado de directiva del enfoque, debemos darle al cliente la oportunidad de sentir el autocontrol del proceso pictórico y sus resultados. .

Intente resaltar los temas e imágenes más consistentes en las obras del cliente. Con el tiempo,

"A medida que se determinan las conexiones semánticas, muchas cosas pueden volverse más claras y "hablar" en ellas". Con el tiempo, el cliente estará listo para ver líneas unificadas de significado en sus imágenes en el contexto de todo el trabajo realizado [citado de 15] .

Así, en el mundo científico moderno, las ideas opuestas sobre la posibilidad de

Interpretación racional del producto visual. Según algunas posturas, debido al carácter irracional de la inspiración creativa, es imposible comprender y “leer” lógicamente un dibujo. Según otro punto de vista, los “significados personales” y las experiencias contenidas en la imagen pueden ser decodificados y realizados tanto por el propio “artista” como por un especialista (arteterapeuta, psicólogo) que debe ayudar al autor a comprender la imagen. Contenido y simbolismo de su propia creatividad.

Estas ideas reflejan generalmente las principales tendencias en el desarrollo de la investigación tanto en términos de las capacidades potenciales del diagnóstico terapéutico artístico como en términos de los límites de su efectividad.

Al mismo tiempo, los expertos coinciden en el recurso positivo de la arteterapia en sí y la ausencia de contraindicaciones. Cualquier persona de entre cinco y seis años de edad, independientemente de su experiencia cultural y habilidades artísticas, puede participar en el proceso arte terapéutico. Se cree que antes de este período la actividad simbólica todavía se está formando y los niños apenas dominan el material y los métodos de representación. La actividad visual de los niños en edad preescolar se mantiene en el marco de la experimentación lúdica, por lo que las actividades arteterapéuticas no son del todo efectivas.

La adolescencia y la adolescencia, por el contrario, son favorables para el uso de la arteterapia. La comunicación a través de productos expresivos suele ser preferible a la comunicación verbal, ya que ayuda a los jóvenes a "ocultar" sus experiencias en imágenes visuales y evitar el contacto directo con un adulto (psicólogo, profesor). A medida que adultos y niños toman conciencia de sus problemas y conflictos intrapsíquicos, pueden avanzar gradualmente hacia su verbalización, superación y resolución.

Creatividad visual de los niños (características de la arteterapia y el diagnóstico).

Con qué alegría los niños dibujan milagros confiados: no la Verdad y la Virtud, sino un hombrecito o un perro.

Y el perro está furioso y anaranjado, con verde en los dientes: “¡Guau-guau”! Y, habiendo despertado el arco iris, el Caballo galopa con seis patas.

¡Niño! De pensamientos

Apartame de los necios. Déjame ir, déjame ir

en el dibujo ¡Y instalado en un buen mundo!

David Samoilov

La actividad visual de los niños como posible método para estudiar las características psicológicas individuales de una persona ha atraído durante mucho tiempo la atención de los especialistas. Entre los fundadores del estudio de este problema en el extranjero se suelen mencionar nombres como F. Goodenough, G. Kershensteiner, A. Clark, E. H. Knudsen, S. Levinstein, M. Lindström, G. Lücke, K. Machover, J. en el extranjero Piaget, K. Stern, X. Eng et al.

Los científicos nacionales han estudiado varios aspectos del problema de la creatividad visual de los niños. Entre ellos: V. M. Bekhterev, Yu. N. Boldyreva, L. N. Bo-chernikova, L. A. Wenger, L. S. Vygotsky, O. I. Galkina, Z. V. Denisova, E. I Ignatiev, T. V. Labunskaya, V. S. Mukhina, E. S. Romanova, Yu. A. Poluyanov, N. P. Sakulina, S. S. Stepanov, D. N. Uznadze y otros.

Las características y patrones identificados nos permiten construir de manera razonable y efectiva una interacción arteterapéutica con los niños.

La infancia es un período de desarrollo intensivo de funciones fisiológicas y mentales. "El niño piensa en formas, colores, sonidos y sensaciones en general", escribió K. D. Ushinsky, instando a los maestros a confiar en estas características del pensamiento de los niños.

El trabajo de la fantasía se manifiesta en imágenes visuales y luego en palabras. El trabajo visual es una actividad segura y natural para un niño, que le sirve como “espacio de tránsito” (R. Goodman, D. Johnson).

Las principales nuevas formaciones entre las edades de 6 y 10 años son procesos mentales voluntarios, un plan de acción interno, reflejo del comportamiento. En este caso, el dibujo desempeña el papel de uno de los mecanismos para implementar un programa para mejorar el cuerpo y la psique, y también contribuye a la coherencia de la interacción interhemisférica. En el proceso de dibujo se coordina el pensamiento figurativo concreto, que se asocia principalmente con el trabajo del hemisferio derecho del cerebro, así como el pensamiento lógico abstracto, del que es responsable el hemisferio izquierdo (V.S. Mukhina, D.N. Uznadze) . Por ello, muchos expertos consideran el dibujo infantil como uno de los tipos de pensamiento analítico-sintético. Al dibujar, el niño, por así decirlo, forma de nuevo un objeto o pensamiento, formaliza gráficamente su conocimiento, estudia patrones relacionados con el mundo objetivo y social (A. A. Smirnov, S. S. Stepanov).

La conciencia de un niño de su entorno ocurre más rápido que la acumulación de palabras y asociaciones. El dibujo le brinda la oportunidad de expresar más fácilmente en forma figurativa lo que sabe y experimenta, a pesar de la falta de palabras. La actividad visual es una especie de análogo del habla gráfica (L. S. Vygotsky).

El habla surge sobre el “fundamento” de las imágenes. Al describirlos verbalmente, a veces, especialmente en el caso de los niños, surgen dificultades. Por lo tanto, los medios no verbales suelen ser la única oportunidad para expresar y aclarar sentimientos y creencias fuertes. “Podría dibujar, pero no sé expresarlo con palabras” (K. Rudestam).

S. Levinshtein, V. S. Mukhina y otros investigadores también enfatizan que dibujar para niños no es un arte, sino un habla. Suelen querer dibujar. Se trata de una especie de experimentación con símbolos artísticos como sustitutos de objetos reales. A través del dibujo, se realiza la necesidad de autoexpresión del individuo. Es la actividad visual espontánea más natural, interesante y agradable para un niño. No requiere esfuerzos volitivos e intelectuales excepcionales, se acerca a un juego y, por tanto, no provoca ansiedad.

Los niños son capaces de utilizar materiales artísticos para la comunicación, el juego con imágenes, la improvisación y la teatralización. Parecen sentir las limitaciones de las capacidades expresivas de la palabra, y esto probablemente los convierte en criaturas más “perfectas” que los adultos (E. Bülow).

La edad comprendida entre cinco y diez años se considera incluso la edad de oro del dibujo infantil.

Los primeros años de educación son uno de los períodos más significativos en el desarrollo de la personalidad de un niño. Está surgiendo la función más joven de la psique: el habla. Se está formando un discurso situacional contextual y dialógico, la comunicación mejora. Por tanto, es precisamente en los escolares más pequeños donde, por diversos motivos, pueden surgir dificultades en las actividades comunicativas, verbalización de sentimientos y pensamientos. Sin embargo, están felices de “hablar” de forma no verbal, a través de la expresión visual y plástica, el dibujo. Incluso K. Jung consideraba que el lenguaje simbólico de las bellas artes era el más adecuado, preciso y espacioso que las palabras.

Los trabajos de uno de los fundadores de la arteterapia, M. Naumburg, también enfatizan que los pensamientos y experiencias más importantes como producto del inconsciente aparecen, ante todo, en forma de imágenes. Captados en productos visuales, se vuelven accesibles a la percepción, la comprensión y el análisis.

Al mismo tiempo, el diagnóstico y el contenido psicológico de cada uno de los elementos de la producción visual difícilmente pueden trasladarse mecánicamente a la práctica del trabajo con niños. En particular, según un estudio de E. S. Romanova, se estableció un valor predictivo y diagnóstico extremadamente bajo de las pruebas de dibujo proyectivo estandarizadas para niños mayores en edad preescolar y estudiantes de primaria.

Los dibujos de los niños, al igual que los conceptos de los niños, son inicialmente pobres y se caracterizan por una falta de coherencia y la capacidad de distraerse (L. Švantsara, I. Švantsara). Los dibujos y el habla siguen siendo de naturaleza esquemática hasta la edad escolar.

El dibujo infantil en su desarrollo pasa por varias etapas generales específicas. En los orígenes de las primeras imágenes infantiles se encuentra el secreto del origen y desarrollo de las habilidades humanas más valiosas: la visión artística, las formas superiores de fantasía, la intuición, la imaginación creativa (E. V. Ilyenkov).

Es característico que en su actividad visual los niños criados en diferentes culturas pasen necesariamente por las etapas de “coloración”, “cefalópodos”, “imágenes informes”, “imágenes esquemáticas”, etc.. Los expertos señalan que los dibujos infantiles diferentes naciones, pero de la misma edad llaman la atención por su asombrosa similitud. Las características típicas de un producto visual reflejan claramente las etapas de desarrollo de la experiencia viso-espacial-motora del niño, en la que se basa en el proceso de dibujo. En particular, los “artistas” no reconocen la pro-

imagen errante, dibujan sólo la vista frontal o superior.

A la edad de 6 a 7 años, los niños desarrollan un nuevo tipo de disposición de patrones. Su característica principal es la simetría en la ubicación de las imágenes. Los niños comienzan a comprender y tener en cuenta las limitaciones de la sábana, sus partes interconectadas (superior, inferior, laterales, centro). Sin embargo, el niño los usa por separado, cambiando secuencialmente la atención, como si obedeciera a la división estructural. El trabajo comienza en el medio de la hoja con el evento más importante, generalmente un objeto grande, y luego se mueve hacia la derecha o hacia la izquierda (Yu.-A. Poluyanov, L. Shvantsara, I. Shvantsara).

El pequeño dibujante representa, como ya se mencionó, no un objeto, sino un conocimiento generalizado sobre él, denotando características individuales solo con signos simbólicos.

La siguiente etapa, la de las imágenes plausibles, se caracteriza por un abandono gradual del esquema y un intento de reproducir la apariencia real de los objetos.

Sin embargo, a pesar de la complicación, tres características principales permanecen sin cambios en los dibujos infantiles (3. V. Denisova, V. S. Mukhina, E. S. Romanova, O. F. Potemkina, S. S. Stepanov, etc.).

En primer lugar, la imagen, como antes, representa sólo los contornos de los objetos, no hay sombras ni claroscuros.

En segundo lugar, todavía no se respeta la proporcionalidad de la imagen: la altura de una persona puede exceder el tamaño de una casa cercana.

En tercer lugar, se conserva un boceto de aquellas partes del objeto que en realidad no se pueden ver en la posición dada. A esto se debe el rasgo más característico de los dibujos infantiles: su transparencia. Por ejemplo, en el bolsillo de una persona dibujada puede haber una billetera y en ella monedas (S.S. Stepanov).

A menudo, las imágenes de coches, barcos y satélites espaciales contienen mecanismos, motores, depósitos de gasolina, combustible, cableado eléctrico, etc., que son invisibles en la realidad.

Un indicador de diagnóstico tan importante de los métodos gráficos proyectivos como borrar y corregir una imagen tampoco es aplicable a los dibujos de niños menores de 7 a 8 años. Los niños en edad preescolar casi nunca corrigen los errores. La forma más común es detener el dibujo inicial y pasar a una nueva imagen en otra hoja de papel.

Según las observaciones de E. I. Ignatiev, al querer mejorar el dibujo, el niño no corrige la línea de contorno, sino que agrega cada vez más detalles a lo ya hecho. Los dibujos fluidos facilitan el uso de asociaciones que surgen rápidamente. Al niño le fascina más el proceso de dibujar que la realización de una tarea concreta.

La interpretación de las obras puede resultar especialmente difícil debido a las diferencias significativas en las capacidades individuales y los niveles de desarrollo mental de los niños. Es necesario tener en cuenta la capacidad limitada del niño para expresar verbalmente sus experiencias en el contexto de la inherente edad más joven considerable arte (R. Goodman, V. Oaklandr).

Así, los patrones psicológicos generales del desarrollo de la creatividad visual de los niños aclaran de manera convincente las razones de la ineficacia de la interpretación según los criterios generalmente aceptados en los métodos proyectivos.

Según V. S. Mukhina y otros científicos, el dibujo proyectivo diagnostica no tanto el nivel de las capacidades mentales del niño como el grado de formación de la actividad que subyace a la prueba. En otras palabras, las puntuaciones altas obtenidas por un sujeto en particular no pueden considerarse inequívocamente como indicadores de alta inteligencia.

intelecto. Pueden ser una manifestación de patrones visuales o habilidades de dibujo aprendidas durante el proceso de aprendizaje (V. S. Mukhina, Yu. A. Poluyanov, G. M. Fers, G. Schottenloer).

En consecuencia, los resultados del procesamiento cuantitativo de las características gráficas deben considerarse indicativos, preliminares y requieren una verificación adicional en comparación con los datos de la investigación de la personalidad mediante otros métodos. Esto confirma la opinión generalizada sobre la falta de validez y fiabilidad de las pruebas de dibujo proyectivo en relación con la edad de la escuela primaria.

Entonces, a pesar de los patrones generales en el desarrollo de la creatividad visual, el dibujo de cada niño se distingue por características específicas, puramente individuales, que permiten obtener ideas sobre las propiedades psicológicas individuales del niño.

I. Sibgatullina y sus colegas, resumiendo su propia experiencia en el uso de dibujos para diagnosticar y evaluar la salud de los niños, señalan dos aspectos:

El dibujo infantil tiene capacidades diagnósticas y terapéuticas, y el dibujo en sí puede considerarse como una técnica especial para equilibrar el estado interno de las cualidades físicas, mentales y emocionales en el desarrollo de un niño, y en este proceso el “líder” es el propio niño;

El dibujo infantil lleva. informacion especial sobre el estado de salud del niño. Un análisis integral del aspecto del dibujo... es útil para evaluar el estado de salud, así como para elegir un método adecuado de curación, procedimientos psicoterapéuticos, corrección psicológica y terapia social.

Estas disposiciones son consistentes con las conclusiones de L. S. Vygotsky de que el dibujo es un cierto tipo de

historia sobre tu desarrollo individual y la formación de sistemas corporales individuales.

Dibujar, dibujar, modelar, como acciones relacionadas con la escritura, hacen de la mano un nuevo órgano del cerebro, un instrumento de lenguaje y habla particularmente preciso y figurativo (V.V. Klimenko). Además, el dibujo no solo promueve el desarrollo, sino que también conecta las funciones más importantes: visión, coordinación motora, habla, pensamiento (L. S. Vygotsky).

Según el concepto de D. N. Uznadze, el niño no mira de cerca el original y dibuja sin naturaleza. Esto significa que no dibuja lo que percibe directamente, sino lo que tiene en mente. Y aunque la percepción y la representación tienen la misma naturaleza: una imagen visual de un objeto, en realidad el niño dibuja algo más. Y esto no es lo que dibuja un adulto. La forma pictórica se desarrolla orgánicamente desde un modelo simple a uno más complejo, y no en la creciente "corrección" de la imagen.

Un dibujo es una especie de historia sobre lo que se representa en él y, en esencia, no se diferencia de una historia verbal. En realidad, esta es una historia, escrita en forma figurada, que debes poder leer.

Además, como escribió A. N. Leontyev, la diferencia entre el "mundo de las imágenes", las impresiones sensoriales individuales y la "imagen del mundo" holística en la que una persona vive y actúa se ha vuelto fundamental.

Por un lado, el sentimiento está incluido en las imágenes correspondientes; por otro, la imaginación misma influye en el sentimiento (L. S. Vygotsky).

Por lo tanto, el psicólogo puede promover la actitud positiva del niño a través de la creatividad artística, mientras utiliza el dibujo terapéutico para modelar diversas emociones.

Comprender las características, patrones y mecanismos psicológicos de la actividad del dibujo en combinación con técnicas, métodos y técnicas de trabajo adecuados es uno de los más efectivos y correctos.

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formas de avanzar hacia la comunicación no verbal accesible a todas las personas.

Acércate a significado secreto dibujar significa acercarse a comprender el mundo interior de una persona, sus verdaderos sentimientos, vivencias y problemas.

Sin embargo, el resultado de la interpretación, según el Dr. Paul Brutsche, no es en modo alguno un resumen esquemático del análisis. Más bien, es un shock por la sabiduría del potencial creativo del dibujo.

Potencial diagnóstico de las técnicas arteterapéuticas Técnica arteterapéutica “¿Quién soy yo?” en el contexto del diagnóstico

A medida que los procesos de autoexploración se vuelven significativos para una persona, aumenta el interés por las formas individuales de creatividad. La imagen te obliga a concentrarte y darte cuenta de los "secretos" del mundo interior ocultos por la conciencia.

Los participantes no perciben el diagnóstico terapéutico como un procedimiento de evaluación y, por lo tanto, a menudo revelan rasgos de personalidad que se ocultan deliberadamente en situaciones de comunicación formal.

Entre los métodos estandarizados destinados a estudiar la identidad personal, los más populares son la prueba de M. Kuhn, así como la prueba de T. McPartland, que permiten identificar autoidentificaciones actualizadas y su inclusión en la formación holística de la autoidentidad psicosocial. Se pide a los sujetos que den al menos 10 respuestas a la pregunta "¿Quién soy yo?" Las categorías de estatus prioritario que caracterizan la identidad madura incluyen las siguientes: “planetaria”, “universal”, “civil”, “étnica”, “grupal”, etc.

En el contexto del trabajo arteterapéutico, es lógico utilizar esta prueba en combinación con un dibujo espontáneo sobre el tema "¿Quién soy yo?" Este investigador-

Esta técnica no requiere mucho tiempo y proporciona material extenso para una interpretación de alta calidad. Además, el dibujo lo inicia y controla la propia persona, contribuyendo así a fortalecer la integridad de su personalidad. En el dibujo creativo espontáneo, junto a la reflexión, también hay un modelado de la realidad social. Al ser un componente orgánico de la arteterapia, la actividad artística enriquece la comunicación y el repertorio social, ayuda a realizar el potencial interno de una persona, lo que forma la base para cambios positivos de personalidad en el futuro.

Entonces, a cada participante en el estudio se le pide que dibuje una imagen de sí mismo y le dé un nombre al retrato. Hay que recalcar que apariencia El dibujo y la calidad de la ejecución son mucho menos importantes que el significado simbólico que ayudará a decir algo importante sobre uno mismo. Como resultado, hay dos formas de completar la tarea "¿Quién soy yo?" nos permiten comparar características verbales y no verbales que reflejan la interacción de aspectos conscientes e inconscientes de la vida mental de una persona.

En particular, según las observaciones del autor, las características más comunes del yo social (hasta un 39%) entre los estudiantes de primer año son: estudiante, excelente estudiante, medallista, buen amigo, hija, futura maestra, prometida, esposa, deportista, etc.

Entre los estudiantes de segundo año, estas características son menos comunes (hasta el 21%). Probablemente esto se explique por el debilitamiento de la importancia de la motivación externa y un cambio en las ideas valorativas sobre el estado de la propia personalidad.

Las siguientes características más comunes (hasta un 28%) son las características del yo reflexivo: una persona interesante, una personalidad, una chica inteligente, un ser querido, un amigo, “la bondad misma”, Cenicienta, “pobre Lisa”, “ la última letra del alfabeto”, un engañador, un enemigo, etc.

El porcentaje de características del yo físico es elevado entre los estudiantes de primer año (hasta un 21%); modelo, bella, gorda, fea, “gallina ciega”, “patas arqueadas”, “nariz”, dormilón, etc.

Predominan principalmente características negativas, lo que confirma el hecho bien conocido de que los jóvenes están "atascados" en datos externos.

Los estudiantes de primer año rara vez utilizan las características del yo espiritual en relación con ellos mismos (hasta un 12%): alegría, corriente, pedazo del universo, mañana de vida, misterio, alma gentil, nube, etc.

Además de las imágenes anteriores, también hay:

Características estereotipadas: Tauro, Virgo, Capricornio;

A nivel de presentaciones individuales, características que indican nacionalidad, religión;

Identificación con objetos, animales o utilizándolos como sustantivos comunes: trapo, roble, árbol, perro, elefante, oso, mosca molesta, mono, bicho raro, flor, rosa.

Además, según los resultados del análisis de las autopresentaciones verbales en ambos métodos, no se encontraron diferencias estadísticamente significativas entre los indicadores.

Al mismo tiempo, las imágenes gráficas se acercan más a la realidad que las palabras. El dibujo parece eliminar las defensas psicológicas del autor, aclara muchos significados ocultos, reproduce la actitud hacia uno mismo, incluido el inconsciente, muestra baja autoestima, autoironía, narcisismo, etc.

Por ejemplo, puede consultar los trabajos de Masha, estudiantes de quinto grado (Fig. 3, p. 56) y Ksenia (Fig. 4, p. 56).*

Artículo de L. Lebedeva, O. Lebedeva “El mundo perdido”. - Psicólogo de la escuela. N° 10, 2002.

Masha empezó a dibujar sin pensar. No hacía preguntas como la mayoría de sus compañeros: “¿Qué debo dibujar?”, “¿Puedo dibujar esto?” Trabajó con calma, incluso de alguna manera retraída, distante, sin prestar atención a los demás (lo cual no es típico de una situación en el aula).

Masha tiene 10 años. Ella es como una peonza. Inquieto, a menudo "refunfuña", insatisfecho con algo. Al mismo tiempo, hace muecas y hace pucheros, aunque en general la chica es muy amable y comprensiva. Es activa en clase: se esfuerza por responder, le encanta ir a la pizarra. Estudia de manera desigual (a los 5, 4, a veces obtiene C), asiste a una escuela de música.

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Su dibujo “¿Quién soy yo?” es igualmente variado. La niña se dibujó como un ángel con un vestido elegante, pero con cabeza de gato. El sol irrumpe tímidamente y apenas perceptiblemente por encima de este personaje.

En el reverso de la hoja, Masha escribió:

1) Soy pasto que crece en un prado.

2) Soy un cubo de Rubik, que es muy difícil de resolver.

3) Soy tul transparente.

4) Soy una cita.

5) Soy dulce, pero pequeña.

6) Soy una rosa con espinas.

7) Soy una begonia.

8) Soy un cabello que se rompe fácilmente.

9) Soy un acantilado.

10) Soy aire.

Ksenia tiene 11 años. ella esta tranquila buen chico(dicen de esos niños - "correcto"), ordenados, consistentemente exitosos en sus estudios, en su mayoría con calificaciones de 5. A pesar de que exteriormente es una niña bastante alegre, en sus ojos hay algo de tristeza.

Ksyusha dibujó a una niña adivinando la suerte con cartas. A pesar de que la propia dibujante es una niña en miniatura, incluso demasiado pequeña, en mi imagen resultó ser una adulta regordeta. El dibujo se encuentra en la mitad izquierda de la hoja, el lado derecho en blanco está separado por una línea. Ksenia se negó a colorear el dibujo, aunque le ofrecieron marcadores y lápices. Al entregarle la obra, dudó: "Probablemente debería haber dibujado un gato, parezco un gato", y cuando vio el dibujo de Masha, dijo: "Sí, debería haber representado mejor un ángel". En el reverso del dibujo estaba escrito:

1) Soy una niña.

2) Soy estudiante.

3) Soy pequeño.

4) Soy inteligente.

5) Soy increíble.

6) Soy gentil.

7) Soy alegre.

8) Soy travieso.

9) Soy un jugador.

10) Soy mi amado.

Comparando las autopresentaciones verbales y no verbales, no es difícil notar las aspiraciones ocultas y las necesidades insatisfechas de los pequeños artistas, su mundo interior, perdido en el marco escolar, tan sorprendente y multifacético.

Me gustaría señalar que la técnica presentada no sólo aumenta el interés en la autoexploración, sino que también es profundamente terapéutica en esencia. Después de todo, comprender los propios procesos internos, tanto destructivos como creativos, y ser consciente de las fuentes y características de las experiencias crea en última instancia un sentimiento de confianza y una perspectiva de vida positiva.

Técnica de arteterapia

"El hombre que recoge una manzana de un árbol"

en el contexto del diagnóstico

Se puede suponer con un alto grado de probabilidad que la mayoría de las personas tienen experiencia práctica en recoger una manzana de un árbol, o al menos imágenes visuales de este proceso en su mente. Este hecho forma la base de la técnica proyectiva gráfica desarrollada por los arteterapeutas Linda Gantt y Carmel-lo Tabon.*

La modificación rusa se presenta en los estudios de A. I. Kopytin, E. Svistovskaya.**

* Gantt L. & Tabone S. Escala de Arteterapia de Elementos Formales.

El manual de calificación. Prensa de gárgolas Morgantown, WV. 1998. ** Svistovskaya E. Escalas terapéuticas artísticas de formalidad.

Elementos: un estudio piloto intercultural.

// Arte curativo. Revista Art-Terraction, N° 2, 2000.

Instrucciones:

Dibuja una persona recogiendo una manzana de un árbol. Materiales:

Papel A4, un juego de rotuladores o lápices de 12 colores, incluidos gris y negro.

Por lo general, esta técnica proyectiva se considera desde el punto de vista del análisis de las características gráficas de una imagen en el contexto de escalas artísticas terapéuticas seleccionadas de elementos formales.

Intentemos trasladar el énfasis al plano de la interpretación cualitativa. Después de todo, como saben, “...la generalización y la formalización desdibujan la línea entre el genio y la mediocridad” (M. M. Bakhtin).

Las instrucciones para la tarea dejan un alto grado de libertad al sujeto y le permiten simular la situación propuesta a su propia petición. Esto significa que el problema y el nivel de dificultad para resolverlo los establece esencialmente el propio artista. Por ejemplo, puede imaginar y dibujar cualquier árbol de altura adecuada, con una cantidad suficiente de manzanas que crezcan tan bajo como sea necesario para una solución elemental del problema, así como una persona de la altura adecuada.

Sin embargo, la mayoría de los personajes (tanto niños como adultos) representan no sólo a una persona que recoge una manzana de un árbol, sino a una persona que se encuentra en una situación extremadamente difícil y que necesita superar dificultades considerables para completar la tarea. Así, a menudo se encuentran dibujos en los que el sujeto representado, de pie “de puntillas” con todas sus fuerzas, alcanza una manzana o sacude un árbol; derriba frutas con un palo; sube las escaleras; sube al maletero; Incluso conquista la cima de una montaña, y con un resultado desconocido para el espectador.

¿Qué lleva a los sujetos a modelar la situación como problemática, difícil de resolver o completamente irresoluble? ¿Qué determina la cantidad de esfuerzo imaginario invertido para lograr una meta?

Se cree que el dibujo sobre papel representa un trabajo en la frontera del contacto entre el mundo interior y exterior (G. Schottenloher). Al mismo tiempo, los “artistas” proyectan espontáneamente sobre el papel imágenes visuales ricas en simbolismo.

Los símbolos suelen verse como signos o imágenes de diversas realidades psicológicas.

Es bien conocido el simbolismo mitológico de la manzana.

En el mito bíblico, la serpiente tentadora sedujo a Eva para que comiera una manzana, el fruto prohibido del árbol del conocimiento del bien y del mal.

La diosa de la discordia, Eris, arrojó a los invitados una manzana dorada con la inscripción "A la más bella", por cuya posesión discutían Afrodita, Atenea y Hera. Como resultado, la causa u objeto de la disputa se llama alegóricamente hueso de la discordia.

No menos figurativa es la expresión “una manzana en bandeja de plata...”.

Coger una manzana en el contexto de símbolos dinámicos representa una acción durante la cual una persona manifiesta la capacidad de avanzar hacia la meta de su “liberación” psíquica.

Sin duda, cada imagen de un “hombre recogiendo una manzana” es profundamente individual. Al mismo tiempo, se pueden sistematizar formalmente varios dibujos por los siguientes motivos:

“la integridad o fragmentación de la imagen de estos objetos;

2) por el método de acción (lo que se representa: ¿preparación para la acción, la acción en sí o el resultado final?);

3) por resultado (qué esfuerzos hizo la persona para lograr la meta, qué tan exitoso fue el resultado: ¿se recogió la manzana?).

Ilustraciones

La autora del dibujo, una niña de diez años, representaba una enorme manzana rosa y una rama fragmentada con una hoja verde. Los dedos de una persona invisible de edad y sexo desconocidos apenas tocan esta manzana (Fig. 5).

Historias similares ocurren en los adultos.

El segundo tipo de imágenes incluye las siguientes ilustraciones. En la Fig. 6 es fácil ver los increíbles esfuerzos que tiene que realizar un escalador para conseguir el codiciado fruto. (El autor es un estudiante de 20 años). Además, al igual que en el trabajo de un niño de diez años, solo se indica la acción (una persona toma una manzana), se desconoce el resultado final ( Figura 7).

El tercer tipo de dibujos, por el contrario, no contiene información sobre cómo se logró el objetivo. El espectador sólo ve el resultado: manzanas en las manos, una cesta, etc. (Fig. 8,9).

Prestemos atención a los rasgos característicos y al simbolismo de los dibujos presentados. Imagen de rama

en lugar de un árbol, según algunos investigadores, supuestamente indica infantilidad, y un tamaño demasiado grande del objeto, sobre holgura interior y libertad.

B. E. Egorov y E. S. Romanova interpretan estos signos de manera diferente. Según ellos, los frutos que maduran son los problemas de maduración de la personalidad del “artista”. La cantidad de frutas representadas es igual a la cantidad de problemas que se están resolviendo y en los que se está trabajando activamente, y las manzanas caídas indican problemas que ya se han resuelto.

Según Koch, la presencia de manzanas en un árbol significa un sentimiento de culpa.

Es importante prestar atención al aspecto de la manzana visualizada: madura, jugosa o verde, arrugada; agrio o dulce; ¿sabroso o salvaje?

Hay dibujos en los que una persona recoge una manzana del suelo, a menudo con gusanos o podrida, e incluso se la come (ver Fig. 9). Un caso especial es el de una persona imaginaria que recoge manzanas que se han caído o que alguien ha recogido. Estos “signos” dejan en el dibujante la impresión de angustia psicológica.

La imagen dinámica de una persona cogiendo una manzana se puede atribuir a los llamados "símbolos infantiles". Son impresiones de la primera infancia que pueden despertar sentimientos y emociones positivas. Entre ellos: una fiesta, globos, un desfile, fuegos artificiales, un río al atardecer, una canción infantil o un libro...(Mauz). Estos símbolos y escenas simbólicas están dirigidos al estado prepsicótico de una persona. Ayudan a establecer una conexión con la parte normal de su personalidad, que en este momento puede estar oculta o reprimida.

En la práctica artística terapéutica, recurrir a los "símbolos infantiles" permitirá al psicólogo establecer contacto con mayor éxito con el sujeto, el grupo y brindar el apoyo emocional necesario.

La técnica de utilizar símbolos a través de su visualización contribuye, según R. Assagioli, a lograr la integración de elementos conscientes de la personalidad con el inconsciente y, en cierta medida, - pensamiento lógico con manifestaciones personales ilógicas inconscientes. Sin embargo este método difícil de aplicar a sujetos demasiado extrovertidos, rígidos o intelectuales que tienen ideas objetivas muy claras a nivel de su “yo” consciente y una conexión débil con el inconsciente. A estas personas no les gustan los símbolos o, en cualquier caso, los símbolos no les dicen nada.

En general, un análisis cualitativo del dibujo utilizando el método "El hombre escogiendo una manzana de un árbol" da ideas sobre las formas dominantes de lograr los objetivos del sujeto o combinaciones especiales de estrategias que forman un cierto tipo estilístico de toma de decisiones. Y esto, a su vez, determina los logros individuales, así como los resultados de las actividades conjuntas de las personas y los efectos de su interacción.

Espacio del proceso terapéutico del arte

El concepto de espacio como uno de los básicos en arteterapia suele considerarse en dos vertientes.

En primer lugar, esta es la atmósfera que se desarrolla en el proceso de interacción entre un psicólogo (arteterapeuta, docente) y los participantes en la arteterapia basada en la comunicación verbal y no verbal. El trasfondo emocional general está determinado en gran medida por las características de la relación arteterapéutica.

En segundo lugar, este es el lugar en el que tiene lugar el proceso de arteterapia, donde se almacenan los medios visuales, materiales y productos de la actividad creativa de los participantes de la arteterapia.

Esto se refiere al espacio físico simbólico de la sala de arteterapia, que forma un entorno de interacción especial y "curativo", un "entorno facilitador", en la terminología de D. Winnicott, K. Rogers.

Cada persona que acude a una sala de arteterapia la utiliza a su manera, al tiempo que establece una relación única con el arteterapeuta (K. Case, T. Dulley). Al mismo tiempo, la presencia ciertos límites brinda la oportunidad de mantener la distancia necesaria entre él y otros participantes.

Es obvio que el espacio debe proporcionar un alto grado de seguridad interna para todos los que inician una relación psicoterapéutica. Al fin y al cabo, esto es lo que determina el nivel de confianza y apertura necesarios para el desarrollo del proceso arteterapéutico. La pérdida o amenaza del espacio personal provoca, por decir lo menos, experiencias emocionales desagradables.

El aula escolar, en la que el alumno ocupa constantemente su lugar, forma un componente de su espacio personal. K. Blaga y M. Shebek, por ejemplo, señalan que los profesores a menudo no tienen en cuenta este hecho y transfieren a los estudiantes de acuerdo con sus objetivos. Los adultos se comportan como si el espacio del aula les perteneciera. Sin embargo, el niño percibe el lugar en el escritorio como personalmente significativo y significativo. Y si es subjetivamente malo (el escritorio de otra persona), entonces la concentración del estudiante a menudo se ve afectada, se desarrolla pasividad y falta de iniciativa. En un lugar nuevo, según los autores, automáticamente tiene una reacción indicativa, como “aceptar” o “sentir” el nuevo espacio. En consecuencia, el maestro, al mover a los estudiantes, debe anticipar que los niños comenzarán a preocuparse, charlar entre ellos o violar la disciplina de alguna otra manera.

Así, tanto el alumno como el profesor necesitan una cierta labilidad del mundo circundante para poder desarrollar sus habilidades y conexiones.

Lo dicho es igualmente cierto

Secciones: Trabajar con niños en edad preescolar

Interpretar un dibujo es a la vez un juego misterioso y un trabajo científico.

P. Brutsche

Para comprender los elementos de las técnicas arteterapéuticas en el contexto del diagnóstico de niños en edad preescolar, es necesario analizar varias cuestiones específicas:
- en primer lugar, qué es la arteterapia como método de trabajo;
- en segundo lugar, describir la isoterapia como uno de los tipos de arteterapia;
- en tercer lugar, identificar las capacidades diagnósticas de la arteterapia y, en particular, de la isoterapia.
Pasemos a considerar las cuestiones.

Terapia artística arte. En otras palabras, la arteterapia es un campo de trabajo que se basa en el arte y la creatividad. En el sentido estricto de la palabra, arteterapia suele significar una terapia de artes visuales cuyo objetivo es influir en el estado psicoemocional del cliente.
La actividad creativa fina se considera inicialmente en AT como un proceso terapéutico destinado, en sentido figurado, a “curar el alma”.

Al mismo tiempo, los expertos nacionales y extranjeros destacan el importante potencial diagnóstico de los productos creativos de los participantes en el trabajo de AT, que les permite expresar experiencias internas y profundas y ver la brillante individualidad del individuo.
La personalidad como formación plástica, dinámica y compleja se caracteriza por una tendencia a cambios continuos en sus componentes. El estudio de estos procesos no siempre es susceptible de formalización, ya que afecta a diversas características de la actividad mental, incluidas las esferas del consciente y del inconsciente. Por tanto, el diagnóstico requiere el uso de procedimientos sistémicos y no lineales adecuados.

En la TA, los propios procesos diagnóstico y terapéutico ocurren simultáneamente a través de una excitante creatividad espontánea. Como resultado, se establecen más fácilmente contactos de comunicación emocionales y de confianza entre las partes involucradas en el proceso de diagnóstico.

La base del material de diagnóstico es la producción visual. Esto, hasta cierto punto, acerca la AT a las pruebas de dibujo proyectivo. Algunos autores, E. M. Burno, S. Kratochvil, A. A. Osipova y otros, incluso distinguen la AT proyectiva como una variedad independiente. Otras publicaciones señalan que AT pertenece al grupo de métodos proyectivos expresivos, lo que está bastante justificado en cuanto a las capacidades de diagnóstico del dibujo. Al mismo tiempo, la TA es ciertamente un fenómeno más profundo.

La interpretación arteterapéutica de los dibujos no es un fin en sí misma y no puede reducirse a un análisis cuantitativo y cualitativo de elementos formales, aunque, sin duda, los fundamentos de dicho trabajo están presentes. Los componentes formales prioritarios son la línea, la forma, el color en su dinámica interconectada, así como otros aspectos y métodos de expresión simbólica a través de los medios de la creatividad visual.

La arteterapia le permite construir eficazmente una interacción arteterapéutica con clientes de todas las edades: adultos y niños.
En el informe nos centraremos en las posibilidades de la arteterapia en relación con los niños.

Consideremos las opiniones de mentes famosas sobre la importancia de las tecnologías artísticas terapéuticas.

En un momento, K. D. Ushinsky, instando a los maestros a confiar en las características del pensamiento de los niños, escribió que la infancia es un período de desarrollo intensivo de funciones fisiológicas y mentales. “Un niño piensa en formas, colores, sonidos, sensaciones en general”. En otras palabras, el trabajo de la fantasía se manifiesta en imágenes visuales y luego en palabras. El trabajo visual es una actividad segura y natural para un niño, que le sirve como “espacio de tránsito”.

En este caso, el dibujo desempeña el papel de uno de los mecanismos para implementar un programa para mejorar el cuerpo y la psique, y también contribuye a la coherencia de la interacción interhemisférica. V. S. Mukhina y D. N. Uznadze, en sus trabajos, señalaron que en el proceso de dibujo se coordina el pensamiento figurativo concreto, asociado principalmente al trabajo del hemisferio derecho del cerebro, así como al lógico abstracto. El hemisferio izquierdo es el responsable. Por ello, muchos expertos consideran el dibujo infantil como uno de los tipos de pensamiento analítico-sintético. A. A. Smirnov, S. S. Stepanov también señalaron que al dibujar, un niño, por así decirlo, forma un objeto o pensamiento de nuevo, formaliza gráficamente su conocimiento y estudia patrones relacionados con el mundo objetivo y social.

L. S. Vygotsky vio en la actividad visual una especie de analogía del habla gráfica, porque la conciencia del niño sobre el entorno se produce más rápidamente que la acumulación de palabras y asociaciones. El dibujo le brinda la oportunidad de expresar más fácilmente en forma figurativa lo que sabe y experimenta, a pesar de la falta de palabras.

K. Rudestam señaló en sus obras que el habla surge sobre la “base” de las imágenes. Al describirlos verbalmente, a veces, especialmente en el caso de los niños, surgen dificultades. Por lo tanto, los medios no verbales suelen ser la única oportunidad para expresar y aclarar sentimientos y creencias fuertes. “Podría dibujar, pero no sé cómo expresarlo con palabras”.

La edad comprendida entre los 4 y 5 años y hasta aproximadamente los diez años se denomina incluso la edad de oro del dibujo infantil, por lo que la arteterapia es un tipo integral de trabajo con un niño.

Terapia de arte contemporáneoincluye las siguientes áreas:

La isoterapia es un efecto terapéutico que utiliza medios de bellas artes: dibujo, modelado, artes y manualidades, etc.;
- imagoterapia - influencia a través de la imagen, teatralización, dramatización;
- musicoterapia - exposición a través de la percepción de la música;
- terapia de cuento de hadas - influencia a través de un cuento de hadas, una parábola, una leyenda;
- kinesiterapia - influencia a través de la danza y el movimiento;
- ritmo correctivo (impacto por movimientos), coreoterapia;
- terapia de juego, etc.

Pasamos sin problemas a analizar el tema de la isoterapia como uno de los tipos de arteterapia. Veamos qué es la isoterapia.
La isoterapia es una terapia con creatividad visual, principalmente dibujo, que actualmente se utiliza para la corrección, el diagnóstico y el desarrollo psicológico.

La creatividad visual permite al niño sentirse y comprenderse a sí mismo, expresar libremente sus pensamientos y sentimientos, ser él mismo, expresar libremente sueños y esperanzas y también liberarse de las experiencias negativas del pasado. Esto no es solo un reflejo de la realidad social y circundante en la mente de los niños, sino también su modelado, una expresión de actitud hacia ella.
El dibujo desarrolla la coordinación sensomotora, ya que requiere la participación coordinada de muchas funciones mentales. Como señalamos anteriormente, según los expertos, el dibujo participa en la coordinación de las relaciones interhemisféricas, ya que en el proceso de dibujo el pensamiento figurativo concreto, asociado principalmente al trabajo del hemisferio derecho, y el pensamiento abstracto, del que es responsable el hemisferio izquierdo, están activados.

En otras palabras, vemos que la arteterapia en el sentido amplio de la palabra, y la isoterapia en particular, tienen un enorme potencial de diagnóstico y algunas ventajas sobre otras formas de trabajo de diagnóstico. Enumerémoslos.
En primer lugar, casi todos los niños pueden participar en el trabajo isoterapéutico, que no requiere ninguna habilidad visual ni artística por su parte.
En segundo lugar, la isoterapia es un medio de comunicación predominantemente no verbal. Esto lo hace especialmente valioso para aquellos que no hablan lo suficientemente bien y les resulta difícil describir verbalmente sus experiencias, es decir, niños.
En tercer lugar, la actividad visual es un medio poderoso para unir a las personas. Esto es especialmente valioso en situaciones de alienación mutua. Si es difícil establecer contactos.
En cuarto lugar, los productos de la creatividad visual son evidencia objetiva de los estados de ánimo y pensamientos de una persona, lo que permite utilizarlos para evaluar el estado y realizar investigaciones relevantes.
En quinto lugar, la isoterapia es un medio de autoexpresión y presupone una atmósfera de confianza, tolerancia y atención al mundo interior del niño.
En sexto lugar, el trabajo isoterapéutico evoca emociones positivas en los niños, les ayuda a abrirse y superar la apatía y la falta de iniciativa y a formar una posición de vida más activa.

Al poseer capacidades de diagnóstico multifacéticas, puede clasificarse como una prueba proyectiva.

Echemos un vistazo a un par de técnicas simples de isoterapia de diagnóstico como ejemplo:

Emociones y colores. Esta técnica es útil para analizar los dibujos de un niño. Haga una lista de las emociones que una persona experimenta con más frecuencia. Normalmente la lista incluye 6 emociones positivas y 6 negativas (amor, alegría, calma, miedo, dolor, excitación, etc.). Invite a su hijo a dibujar un círculo de un color determinado para cada emoción. No olvide asegurarse de antemano de que su hijo comprenda correctamente el significado de las palabras. Posteriormente, podrás utilizar la combinación de colores resultante para reconocer sentimientos y emociones en los dibujos del niño.

Dibujos caóticos. Deje que el niño dibuje libremente “garabatos” en el papel. Este método ayuda a aliviar la tensión, la ansiedad y otras emociones superficiales. Y con la ayuda de los colores comprenderá en qué estado de ánimo se encuentra su hijo, si siente emoción o miedo.

Dibujemos el cuerpo. Esta técnica ayudará al niño a darse cuenta propio cuerpo y padres - para identificar problemas en su bienestar. Además, esta técnica ayuda a influir en la salud a través del subconsciente. Invite a su hijo a dibujarse a sí mismo y su cuerpo en diferentes colores. Luego, utilizando una variedad de sentimientos, analicen conjuntamente qué partes destacó y qué le molesta. Debes finalizar el ejercicio con un dibujo positivo “Lo que quiero ser”.
En conclusión, observamos una vez más que para revelar más plenamente la cuestión de los elementos de las técnicas arteterapéuticas en el contexto del diagnóstico de niños en edad preescolar, analizamos varias cuestiones específicas:
- en primer lugar, analizamos qué es la arteterapia como método de trabajo;
- en segundo lugar, describieron la isoterapia como uno de los tipos de arteterapia;
- en tercer lugar, describieron las capacidades diagnósticas de la arteterapia y, en particular, de la isoterapia.

Resumiendo el trabajo realizado, llegamos a algunas conclusiones:
En primer lugar, la arteterapia proviene de palabra inglesa"arte" que significa arte.
En segundo lugar, la actividad creativa visual se considera inicialmente en AT como un proceso terapéutico destinado, en sentido figurado, a "curar el alma". Al mismo tiempo, los expertos nacionales y extranjeros destacan el importante potencial diagnóstico de los productos creativos de los participantes en el trabajo de AT, que les permite expresar experiencias internas y profundas y ver la brillante individualidad del individuo.

En tercer lugar, la arteterapia moderna incluye las siguientes áreas: isoterapia, imagoterapia, terapia de cuentos de hadas, kinesiterapia, coreoterapia; terapia de juego, etc.
En cuarto lugar, la isoterapia es una terapia con creatividad visual, principalmente dibujo, que actualmente se utiliza para la corrección, el diagnóstico y el desarrollo psicológico.
En quinto lugar, con sus capacidades diagnósticas multifacéticas, la isoterapia puede clasificarse como una prueba proyectiva.
Durante el análisis de trabajos teóricos sobre arteterapia, llegamos a la principal conclusión de que en el contexto del diagnóstico de niños, las técnicas arteterapéuticas en el sentido amplio de la palabra, y las técnicas isoterapéuticas en particular, son efectivas e informativas porque:
- permitirle establecer una relación emocional y de confianza con el niño;
- permitirle obtener información sobre el desarrollo y las características individuales del niño, identificar sus necesidades, oportunidades, miedos y preocupaciones ocultos;
- permitirle observar al niño en actividad independiente, conozca mejor sus intereses, valores, vea su mundo interior y también identifique problemas que están sujetos a una corrección especial.
- te permite rastrear tu personaje durante las clases Relaciones interpersonales Y situación real todos los integrantes del equipo, así como las características de la situación familiar y mucho más.
Es por eso que la isoterapia es popular y tiene demanda en la actualidad.

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Bibliografía:

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Williams H. Dibujo "parlante", o cómo conocer tu "yo" más profundo. AST, 2007.

2. Métodos proyectivos de diagnóstico y terapia.

Métodos de diagnóstico proyectivo.

Escalas semánticas no verbales

Todo arte tiene una función simbólica. El arte es una proyección del ser interior de una persona hacia el exterior, la satisfacción de su "necesidad interior". La imagen del mundo que existe en la mente de una persona es reproducida por ella en la creatividad artística. Las formas de su encarnación tienen un significado simbólico, comprensible sólo para el propio creador. El análisis de una obra de arte nos permite adentrarnos en las profundidades de este mundo individual oculto. En consecuencia, la interpretación de la actividad creativa es un método universal que ayuda a traer a la conciencia de una persona información sobre la esencia de su verdadero "yo".

Como se muestra arriba, problemas psicológicos como un fenómeno que refleja las contradicciones internas de una persona, manifestadas en los actos de su creatividad. El análisis del proceso de desarrollo de la acción creativa nos permite revelar la naturaleza del pensamiento y el sentimiento. La elección del tema de la obra, las formas de su estilización dependen de las características del carácter del sujeto creativo, el contenido de sus problemas personales.

De las técnicas de diagnóstico existentes en la práctica artística terapéutica, los métodos de interpretación del material de dibujo son especialmente populares. Se han dedicado varios estudios analíticos a este tema, sin embargo, la credibilidad de los criterios propuestos para interpretar el contenido del material artístico aún suscita dudas. El análisis presentado anteriormente de los enfoques existentes en arteterapia muestra la inconsistencia de utilizar criterios conocidos para evaluar una imagen artística, que permitirían emitir un juicio objetivo sobre la personalidad del sujeto que dibuja.

Muchos años de experiencia trabajando junto con artistas nos permitieron reconsiderar los principios del diagnóstico y crear una serie de técnicas basadas en el estudio de las leyes de percepción de una imagen artística. Como indicadores fiables para evaluar la naturaleza de la imagen, podemos considerar “ signos formales”, ya que es en ellos donde se manifiestan las características individuales del creador. Es obvio que la forma creada refleja el deseo del artista de capturar su expresión interior en la obra. La naturaleza de las líneas y las sombras, los colores y las luces y sombras, los elementos de una solución compositiva, el tipo de perspectiva y los indicadores espaciales de una imagen artística son la encarnación material de las aspiraciones personales y los problemas psicológicos del individuo creativo.

Desde el punto de vista del enfoque ontosinérgico, en el proceso de creatividad la atención del sujeto se dirige a la conciencia de su yo integral. La naturaleza no verbal de una imagen artística hace posible que el sujeto se "sumerja" profundamente en el objeto de la creatividad. La formación de una imagen holística no puede tener lugar sin actualizar la capacidad de acción cognitiva, el pensamiento lógico y abstracto y la actitud emocional y sensorial hacia el objeto de percepción. La acción no verbal actualiza recuerdos y fantasías asociadas tanto con experiencias inconscientes como con ideas conscientes. El referente emite sus juicios externamente, sin recurrir a una forma de comunicación verbal, protegiéndose así de las valoraciones directas de los demás.

Los métodos de diagnóstico proyectivo nos permiten acercarnos a la comprensión de los problemas personales del referente, sin abordarlo directamente. Tanto el dibujo como la acción plástica reflejan las características esenciales de la individualidad. La observación y la intuición permiten decodificar información no verbal sobre el tema de la acción creativa.

Así, los estudios de J. Oster y P. Gould mostraron la relación entre la naturaleza de la imagen de una persona y el estado mental de los sujetos (Osgood, Suci, Tannenbaum, 1968). La falta de espontaneidad, la monotonía de estilo y la copia de estereotipos en la imagen indican una forma defensiva pronunciada de comportamiento de la personalidad. El estado de depresión se indica por la ausencia de color en el dibujo, una gran área de espacio sin llenar, la presencia de contornos claramente dibujados, incongruencia de elementos de la imagen, composición incompleta, etc. Con base en lo anterior, podemos concluir que la interpretación del material de dibujo nos permite revelar el contenido del estado actual de la psique del referente, hablar sobre el grado de su madurez personal, sus características individuales y personales.

En las técnicas proyectivas, un individuo, al ofrecer soluciones creativas, no sólo demuestra sus habilidades, sino que también desarrolla su creatividad en el propio proceso de diagnóstico. El análisis del material de diagnóstico se realiza sobre la base de un principio metodológico según el cual: “La forma en que un individuo percibe e interpreta el material de prueba o las “estructuras” de una situación debe reflejar aspectos fundamentales del funcionamiento de su psique” ( Anastasi, 1982, pág.182).

Rasgos tipológicos de una imagen artística.

Se debe prestar atención al hecho de que “la forma en que un individuo percibe e interpreta el material de prueba o las “estructuras” de una situación refleja aspectos fundamentales del funcionamiento de su psique” (Anastasi, 1982, p. 183). Un análisis de la efectividad del uso de técnicas proyectivas en diversas áreas de la psicoterapia sugiere que el estudio de las formas y el contenido del material de la prueba debe correlacionarse con la interpretación no de aspectos individuales del mundo mental del encuestado, sino con la comprensión de su capacidad para representar y ver de manera integral el tema representado.

El estudio de la naturaleza de la percepción de la imagen del "yo" como una de las subestructuras principales de la autoconciencia se puede llevar a cabo utilizando tecnología de pruebas proyectivas, basada en los principios básicos de la arteterapia. Utilizadas en el diagnóstico psicológico, pruebas proyectivas como "Dibuja una persona" de Goodenow-Harris, "Dibuja una persona" en la interpretación de Karen Machover, "Autorretrato" de Robert Burns permiten en cierta medida revelar el contenido. de los componentes principales en la estructura de la autoconciencia de una persona: madurez cognitiva y carácter estado emocional demandado. Sin embargo, la cuestión de la conexión entre el contenido de la conciencia del referente y la naturaleza de la elaboración de la composición de la imagen queda fuera del análisis. En este caso, la elaboración de la autoimagen se considera como una proyección inconsciente de cómo una persona se percibe a sí misma.

Sin embargo, como señalan algunos investigadores, por ejemplo E. Hammer y K. Machover, no existe una relación directa entre un signo específico o un signo emocional en la imagen y un determinado rasgo de personalidad: las formas de expresar la ansiedad y los conflictos no son universales para todos, dependen de las características personales del referente y de la situación-estado en la que reside. La interpretación del dibujo puede ser confiable si enfoque holístico– consideración de la esencia de la relación entre todos los componentes de una composición artística. Al analizar, es necesario prestar atención a indicadores tales como la edad y el sexo del sujeto, el nivel de madurez personal, la naturaleza de su estado emocional al momento de completar la tarea, el nivel de motivación para completar la tarea. .

Un análisis preliminar de los criterios para estudiar la imagen de una persona nos permitió determinar un conjunto de los signos más válidos con cuya ayuda se puede describir con un alto grado de fiabilidad el estado y las características de la autoimagen de una persona. A partir de un análisis de fuentes literarias, hemos identificado cinco rasgos caracterológicos en la creación de una autoimagen:

1. Congruencia (estructuralidad) – la correlación de partes y elementos del cuerpo en un dibujo de una persona; el deseo de transmitir la estructura del conjunto en una imagen.

2. expresividad (enfático) – representación de la imagen del “yo” bajo una luz emocional y sensual; el deseo de transmitir la atmósfera o estado de expresión directa de sensaciones e impresiones.

3. Originalidad – el deseo de retratarse evitando soluciones estereotipadas para una cultura determinada.

4. Acentuación – representación de la autoimagen en el contexto de dominantes subculturales.

5. Metafórico (imaginación): una imagen de uno mismo en forma de un personaje artístico o una imagen creada en la imaginación.

Sin embargo, sin un análisis sistemático del material de prueba de dibujo, es imposible diagnosticar la personalidad del dibujante. Un análisis preliminar de los criterios tipológicos para el estudio de la imagen del “yo” permitió determinar el patrón de los indicadores artísticos más válidos, que permiten describir con un alto grado de confiabilidad el estado y las características de las ideas de una persona. Sobre él mismo. Todos los rasgos artísticos se pueden clasificar en un espectro formal o sustantivo.

A factor formal incluir componentes como:

Disposición de elementos de imagen en la hoja;

Usar el espectro de colores para colorear fragmentos de la imagen "I" y caracteres adicionales en la imagen.

La naturaleza del dibujo de puntuaciones y líneas (presión: fuerte - débil; delgada - línea gruesa, discontinua - continua, recta - desigual; contorno continuo - discontinuo);

La naturaleza y el grado de oscurecimiento de los lugares en la imagen de los fragmentos de la imagen (grado de dibujo, longitud, forma, ritmo, dirección del trazo);

Dimensiones de los elementos de la composición entre sí;

El grado de congruencia de la imagen (proporcionalidad y comparabilidad de sus partes);

Disposición de elementos de imagen en una hoja, imagen en perspectiva.

Elegir un tema de trabajo;

Expresividad (acentuación) de la naturaleza de la imagen (la naturaleza de la mirada, la forma y tamaño de la boca, la posición de brazos y piernas, etc.);

Imagen de fondo de la imagen “I” (caracteres adicionales en la imagen);

Originalidad en la presentación de la imagen del “yo” (imagen realista - metafórica);

Estética en la representación de una composición artística;

El grado y minuciosidad de la elaboración de fragmentos de imágenes;

Apertura o cierre de la imagen;

El grado de expresión de las características dinámicas del patrón;

La orientación de la imagen central en relación con el observador.

Para describir las características tipológicas individuales de una personalidad, se pueden utilizar cinco características de imagen:

1. Grado de dinamismo indica la excentricidad del individuo, caracteriza las características del comportamiento del sujeto en el entorno social.

2. La naturaleza de la transmisión del estado emocional y sensorial. refleja el grado de satisfacción del referente consigo mismo y su actitud hacia el mundo que lo rodea.

3. Grado de desarrollo La imagen habla del nivel de motivación, interés por la creatividad y satisfacción con el proceso de autoexpresión.

4. Originalidad de la imagen. Indica el grado de libertad interna, el nivel de desarrollo de la inteligencia y la creatividad.

5. Estética de la imagen. refleja la naturaleza del desarrollo del gusto estético, el grado de conciencia de la imagen holística del "yo".

Por ejemplo, el estudio de las características tipológicas de la imagen del “yo” al interpretar estados afectivos permite determinar la gama de criterios artísticos que indican un nivel particular de ansiedad del sujeto que dibuja.

Bajo nivel de ansiedad

el dibujo está dominado por temas mitológicos de cuentos de hadas, situaciones de juego, se representa a una persona en un estado de actitud positiva hacia el mundo: en una posición abierta y libre, en movimiento, se nota la minuciosidad de la composición;

al crear una imagen artística, se utiliza todo el espectro de colores primarios con predominio de los colores "cálidos"; la composición está equilibrada manteniendo un área bastante grande de espacio sin pintar (20-40%); el sombreado es limpio, ocasionalmente denso; la naturaleza del trazado de la línea es precisa, sin una fuerte presión, tal vez amplia; La obra desprende una sensación de incompletitud, de superficialidad en la creación de la imagen.

Arroz. 15-16.

Arroz. 17–18. Obras de estudiantes de arte.

Nivel medio de ansiedad

Puntuación para el componente de contenido - Todos los días se prefieren los temas de imágenes sociales; la imagen de una persona transmite un sentimiento de moderación o mayor actividad, compostura o expresividad; la composición está dibujada en detalle; hay un intento de expresar un cierto carácter, no siempre reconocible, de la experiencia;

Puntuación del componente formal - el uso del espectro de colores es limitado; a menudo se logra una solución de color utilizando dos o tres colores; la composición suele estar equilibrada, el espacio libre ocupa un área pequeña o está ausente; el sombreado es denso; la línea es expresiva; el dibujo desprende una sensación de plenitud.

Alto nivel de ansiedad

Puntuación para el componente de contenido - la atención del dibujante se centra en dibujar su relación con el mundo y el mundo consigo mismo; la imagen de una persona expresa un estado de abierta agresión o privación, depresión; el personaje puede ser representado de espaldas al espectador, sin rostro, sin ojos; es posible dibujar sonrisas, puños, símbolos de violencia, imágenes destructivas que complementan el cuadro;

Puntuación del componente formal - en la combinación de colores predominan los colores oscuros, "fríos" o los colores brillantes "ardientes"; la composición está desequilibrada o destruida; el sombreado es denso, excesivo; la línea es pronunciada, muy dibujada o irrazonablemente deformada; la figura humana es pequeña, incongruente o rígidamente dibujada (la impresión de una “concha”); sentimiento general de la imagen: tensión, agresión, destructividad.

Arroz. 19–20. Obras de estudiantes de arte.

Con base en los datos obtenidos, podemos decir que indicadores como “dinamismo”, “originalidad” y “estética” pueden clasificarse como rasgos caracterológicos confiables al evaluar la naturaleza de la percepción del referente de la imagen de su “yo”, mientras que el Los indicadores “el plan emocional-sensorial" y la "elaboración" de la imagen, más bien, indican la afiliación subcultural del sujeto y el nivel de su motivación para completar la tarea.

Prueba diferencial semántica no verbal

Para psicología practica el producto de la creatividad aparece como objeto de investigación, revelando el estado de las esferas consciente e inconsciente de la psique del sujeto. El objeto de nuestra consideración es el espacio semántico no verbal de una persona que percibe una obra de arte. La obra en sí es una formación estructural que tiene la cualidad de integridad. El análisis de la estructura del espacio artístico, sus características compositivas y resolución de color nos permite explorar las peculiaridades de la percepción del sujeto, el espacio semántico de sus preferencias culturales.

El insuficiente desarrollo de la metodología para el estudio de la percepción de imágenes artísticas determinó la necesidad de desarrollar una nueva prueba en la que se pudieran eliminar las contradicciones presentadas. Sin embargo, antes de comenzar a crear una prueba proyectiva, examinamos los estilos de autoimagen de los referentes, en los que su elección de los medios preferidos adquirió un significado especial. creatividad artística.

Como resultado del análisis de más de 3.000 dibujos de representantes de diversas nacionalidades (rusos, ucranianos, alemanes, letones), culturas, diferentes edades y géneros, se identificaron patrones en la naturaleza de la representación de sí mismos. Resultó que existe una conexión directa entre estado actual, la naturaleza de las ideas del referente sobre sí mismo y su uso de ciertos medios y técnicas artísticas. A pesar de los diferentes niveles de habilidad para el dibujo, la mayoría de los referentes lograron transmitir los rasgos de su personaje en el dibujo a través de la estilización de la imagen. Cualidades personales como apertura y cierre, emocionalidad y racionalidad, liberalismo y conservadurismo, originalidad e inercia, y una serie de otras características se reflejan en las formas e imágenes de las composiciones artísticas.

A partir de los resultados obtenidos, junto con el artista A. I. Lobanov, desarrollamos una prueba proyectiva llamada "Diferencial Semántico No Verbal". Al crear la prueba, nos basamos en la posición de A. Anastasi de que en los dibujos proyectivos las valoraciones subjetivas generales son más fiables y válidas que las valoraciones basadas en detalles específicos de la imagen (Anastasi, 1982). Las cualidades pictóricas generales de un dibujo son características estables que cambian poco con el tiempo, reflejando las características de la constitución mental del dibujante. El dibujo crea imágenes que le resultan cercanas y comprensibles. La naturaleza del dibujo refleja la naturaleza de los sentimientos del sujeto, lo que determina su estilo artístico.

La imagen nacida en la hoja es una proyección de la “imagen interna”, que expresa el estado del ser interior del creador. Una descripción completa de las formas y contenido de la imagen es imposible debido a la imposibilidad de dividirla en elementos independientes. La calidad de imagen de una imagen completa no se puede determinar analizando las cualidades de sus elementos individuales. En otras palabras, la idea holística de una imagen no es la suma de ideas sobre sus partes individuales.

La imagen de uno mismo se crea en el proceso de dibujo. Cómo aparece la forma en el plano sigue siendo un misterio para el propio sujeto del dibujo. El pensamiento del artista más bien sigue el movimiento de la mano que lo dirige. Pero el movimiento de la mano también está coordinado por un esfuerzo de voluntad: el artista dibuja conscientemente los detalles de la imagen, elige tal o cual color, ciertos elementos de la composición. Sin embargo, no siempre es posible registrar el momento de transición de un método de creatividad a otro.

El sujeto crea una imagen de sí mismo, apoyándose en sus sensaciones, que le permiten correlacionar lo que dibuja con lo que intuitivamente imagina y siente. Si la impresión del boceto creado satisface al artista, acepta la imagen y comienza a trabajar más para ampliarla. Si no, se selecciona intuitivamente otra forma de encarnación de la idea: el artista dibuja líneas y colores en una hoja de papel, intentando adivinar los contornos de otra imagen en su configuración. Aparentemente, el proceso de creación artística combina un número infinito de actos de correlación de algunos conocimientos sobre el material y el tema de la imagen con conocimientos sobre las capacidades del propio cuerpo y las propias habilidades creativas.

Los movimientos de las manos son un acto de finalización de un determinado proceso que ocurre en la esfera de la psique del artista. La conciencia de la naturaleza del curso de la acción creativa escapa al sujeto y no se presta a una explicación racional. Así, el acto creativo refleja los aspectos esenciales del sujeto de la creatividad, su conocimiento de sí mismo y su actitud hacia el sujeto de la creatividad.

El dibujo es el proceso de correlacionar permanentemente la imagen de un objeto percibido con la naturaleza y forma de la acción del sujeto en relación con él. Pero la percepción en sí misma es creativa. El sujeto ve un objeto en función de su idea del mismo. Su atención se siente atraída por aquellas cualidades y rasgos de la imagen artística que resuenan en su alma. En otras palabras, en una imagen artística el sujeto ve su propio reflejo, se reconoce en el proceso de recreación en el plano de su espejo doble. El dibujo identifica aquellas características de la imagen que le resultan reconocibles y significativas. En consecuencia, por la naturaleza del dibujo y la percepción de una imagen artística, podemos hablar del contenido del principio mental de la personalidad.

El objetivo de nuestro trabajo fue desarrollar una serie de dibujos de prueba destinados a la investigación de personajes. percepción holística sujeto de la imagen artística. Cada imagen proyectiva estaba dotada de cualidades que permitían atribuirla a una u otra escala dicotómica del espacio semántico verbal. Una serie de características artísticas (forma, tamaño, carácter del sombreado, imagen en perspectiva) fueron deliberadamente puestas en primer plano de la percepción (a través de la estilización de las formas) para concentrar la atención del sujeto en los aspectos cualitativos de la imagen. La elección de los dibujos preferidos indica la importancia para el referente de las características más expresivas de la imagen artística para él.

Al seleccionar escalas semánticas verbales que le permitan describir holístico impresión a partir de la percepción de imágenes pictóricas, nos basamos en la investigación del espacio semántico verbal de Bentler, Lavoie y Petrenko. Identificaron los siguientes indicadores:

1) calificación: agradable - desagradable, claro - oscuro, hermoso - feo;

2) actividad: activa - pasiva, excitada - relajada, rápida - lenta;

3) orden: ordenado - caótico, estable - cambiante, inmóvil - en movimiento;

4) complejidad: complejo - simple, misterioso - ordinario, ilimitado - limitado;

5) fuerza: grande - pequeña, fuerte - débil, pesada - ligera;

6) comodidad: seguro - peligroso, suave - duro, gentil - áspero.

Para los factores presentados, el valor promedio de las dependencias de correlación no excede 0,2, lo que indica su relativa independencia. Como resultado de un estudio empírico de la naturaleza de la percepción de las imágenes que desarrollamos de acuerdo con las escalas verbales anteriores, se identificaron seis factores independientes entre sí que determinaron la naturaleza. holístico percepción que tienen los sujetos del material de prueba.

1) evaluación: formal – significativa (Figuras 21 y 22), agresiva – amable (Figuras 23 y 24);

2) actividad: tranquila – activa (Figuras 25 y 26);

3) fuerza: pesado – ligero (Figuras 27 y 28);

4) orden: rígido – plástico (Figuras 29 y 30);

5) realidad: concreta – abstracta (Figuras 31 y 32);

6) comodidad: cerrado – abierto (Figuras 33 y 34).

Arroz. 21

Arroz. 22

Arroz. 23

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Arroz. 28

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Arroz. treinta

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Arroz. 34

El estudio de la naturaleza de la percepción de las imágenes artísticas en una muestra interétnica de encuestados (más de 1.700 personas) nos permite hablar de la comparabilidad de los indicadores cualitativos del dibujo seleccionados con las escalas verbales presentadas anteriormente (p = 0,001). A diferencia de los dibujos de prueba de las escalas no verbales de Bentler y Lavoie, Bayes y Jacobovits, todas las imágenes que creamos tienen contenido del tema. Cada imagen tiene una expresividad específica, reflejando el contenido del factor articulado. Mirémoslos.

Factor "puntuación" Se estudió mediante la percepción de dibujos de dos faroles. Primero - "formal"(Figura 21); el artista lo dota de tales cualidades artísticas que evocan en el sujeto que lo percibe la impresión de precisión, severidad y estática; La imagen es interesante de percibir, pero no evoca sentimientos fuertes. En otras palabras, para alguien que contempla el diseño de una linterna, su forma es más importante que su contenido.

Al crear la imagen de la segunda linterna (Figura 22), el artista distorsiona deliberadamente su forma para que al percibirla el sujeto experimente una sensación de tensión. Al contemplar una imagen, el espectador experimenta una sensación de “movimiento”, lo que genera una sensación de poder. La imagen de la linterna es "significativo"; en el tema evoca una serie interminable de asociaciones.

En el segundo par de dibujos. factor de "evaluación" la imagen de una bardana (Figura 23) se percibe como “ agresivo": la punta de las agujas curvas le da una apariencia amenazadora. A diferencia de la imagen de una bardana, la imagen de una manzanilla (Figura 24), dotada de formas suaves y redondeadas, evoca una experiencia positiva, en particular, se asocia con el concepto. "Amable". La naturaleza ambivalente de la percepción evoca la imagen de una manzanilla, que se representa de formas "agresivas". Las hojas puntiagudas de la planta están pintadas de blanco y negro, lo que añade una impresión contradictoria al conjunto. Esta solución artística evoca una rica serie asociativa y sentimientos de naturaleza opuesta, cuyo análisis nos permite abrir áreas problemáticas en la percepción que el referente tiene de sí mismo y del mundo.

En el factor “actividad” “La imagen de una rosa (Figura 25) es equilibrada, tranquila y no tiene fuerza activa. La segunda imagen es exactamente lo contrario. "Actividad" expresado en dibujar en diagonal sobre una hoja de forma alargada “lápiz”. Se intensifica como resultado de la exageración del tamaño y la forma de la varilla, cuyo movimiento se dirige hacia el "borrador de goma" doblado por la mitad (Figura 26). Quien percibe el dibujo tiene la impresión de actividad e incluso agresión por parte del “lápiz” hacia el “borrador”.

En el factor "fuerza" calidad "pesadez" dotado de la imagen de una flor de piedra (Figura 27), cuyas proporciones y dimensiones hablan de su poder. La sensación de pesadez surge de la asociación con la imagen de una roca cristalina rugosa. Se realza con el uso del negro y el dibujo de esquinas afiladas. La segunda imagen es una flor de “contorno” (Figura 28), que transmite calidad "ligereza"– tiene características tales como línea refinada, ligereza, falta de base. Para el sujeto que la contempla, la imagen es transparente e ingrávida.

En el factor “orden” dos imágenes - "rígido" Y "el plastico". Para representar la cualidad de la rigidez, el artista recurrió a la imagen de una planta seca (Figura 29): no hay movimiento en el dibujo, las líneas están quebradas, predomina el color negro. Como todo lo seco, está desprovisto de vida y, por tanto, rígido. La cualidad de la plasticidad se refleja en la imagen de dos tulipanes entrelazados (Figura 30). La plasticidad está asociada con la impresión de movimiento, que se transmite dibujando la flexibilidad de las líneas, el volumen de las formas, la cercanía de las relaciones de los objetos (ambos tulipanes “luchan” el uno hacia el otro).

Para investigación factor "realidad" Se seleccionaron dos dibujos a través de imágenes artísticas. "específico"(Figura 31), que representa objetos fácilmente reconocibles: un bolígrafo y un tintero, y "abstracto"(Figura 32), que representa una flor fantástica: la imaginación del artista.

En el último factor – “comodidad” – se estudiaron dos cualidades características de la imagen artística: "cerrazón" Y "franqueza", que se transmitieron dibujando varias formas de flores (Figuras 33 y 34).

Como hipótesis, planteamos la posición según la cual la elección del encuestado de una u otra imagen artística está determinada por su orientación hacia formas externas de autorrepresentación, hacia prioridades estéticas en la percepción de los objetos de la realidad. Como regla general, la actitud hacia una imagen se basa en el principio de "nos guste o no". A una persona le gusta lo que está en sintonía con su alma. Al mismo tiempo, es posible que él mismo no sea consciente de los motivos de su preferencia. El contenido de sus experiencias está oculto y, por tanto, no puede racionalizarse. El sujeto es capaz de adivinar las razones y motivos de su elección, pero no puede explicarse con precisión los motivos de su preferencia. Una imagen artística percibida no puede dejar de evocar en su alma una respuesta de un tipo u otro. Cuanto más claramente se comprende el sujeto a sí mismo, más convincentes serán sus argumentos a favor de la elección de un patrón de sonido particular. En otras palabras, el estudio de las características y cualidades preferidas del sujeto de la imagen artística percibida permite revelar el contenido de sus actitudes personales, sus prioridades en la percepción de los objetos de la realidad.

El procedimiento para diagnosticar el espacio semántico no verbal de un sujeto se realiza en dos etapas. En la primera etapa, se le pide que elija la más atractiva entre las imágenes presentadas. En este caso, el sujeto desconoce el significado de las imágenes. En la segunda etapa distribuye siete pares de dibujos según las escalas verbales correspondientes. En cada pareja, el sujeto elige su imagen preferida y la describe. A continuación, se realiza un análisis de las imágenes que prefiere en comparación con las formas de sus representaciones externas: la forma de movimiento, el habla, el timbre de la voz, la naturaleza de la mirada, las expresiones faciales, los gestos, el estilo de dibujo y el naturaleza del baile libre. Como resultado de la interpretación de los resultados de la observación, se describe el espacio de formas de representaciones no verbales del sujeto. Así, una comparación de las formas artísticas y efectivas de representación del referente permite determinar los rasgos de su individualidad.

Prueba "medios rizomorfos"

Como resultado de un estudio experimental de la naturaleza de la percepción del material visual, se hizo evidente que cada sujeto de percepción da preferencia inconscientemente a aquellas características artísticas en la imagen percibida que le dan un sentimiento de satisfacción. Sin embargo, la interpretación de la naturaleza de la experiencia del sujeto de la obra de arte percibida no puede ser efectiva sin comprender la influencia de la imagen misma en el estado mental del perceptor.

De la teoría de la psicología del arte se sabe que el tipo de percepción está determinada por el impacto en la psique de las cualidades del objeto de contemplación. Cada individuo tiene su propio conjunto de características artísticas relevantes e irrelevantes que determinan la aceptación o el rechazo de una imagen holística. El tema de la percepción está influenciado por factores como el tema de la imagen, la estructura de la composición, la combinación de colores, el conjunto de elementos de la composición, la elección de la perspectiva, etc. Cada indicador juega un papel particular en la percepción de la imagen, y por lo tanto cada composición artística tiene uno u otro grado de estabilidad, dinamismo y tensión.

La investigación de R. Arnheim muestra que la imagen centrada en la composición de un cuadro se percibe equilibrada en relación con los contornos (Arnheim, 2000, p. 23). A medida que un objeto se aleja del centro, la naturaleza de su percepción también cambia. Al acercarse a los límites del contorno, el objeto "crea" tensión en la composición, debido a su ubicación cercana a los límites. Para el sujeto que percibe la composición, tal posición del objeto provocará una sensación de tensión, ya que la conciencia del observador busca estabilizar la imagen en el espacio de la composición.

Sin embargo, cada persona tiene su propio estilo individual a la hora de armonizar la imagen en la composición. Para algunos encuestados, una imagen centrada provoca una experiencia positiva; para otros, la atención es atraída por un objeto desplazado con respecto al centro, es decir, una imagen descentrada. Otros más tienden a preferir una posición del objeto que crea tensión psicológica. Sin embargo, el propio sujeto perceptor, en el proceso de percepción, por regla general, no determina las razones de su elección de la posición del objeto en la imagen.

Para estudiar el espacio psicológico de una persona dentro de los límites de sus preferencias culturales, desarrollamos una prueba proyectiva, llamada " Ambientes rizomorfos". La metodología incluye cinco tareas de prueba.

Rizoma (de fr. rizoma - “rizoma”) es un concepto en la filosofía del posmodernismo, que captura una forma fundamentalmente no estructural y no lineal de organizar la integridad (Postmodernism, 2001).

La primera tarea es seleccionar el patrón preferido entre tres opciones posibles: una imagen centrada, una imagen ligeramente desplazada del centro y una imagen ubicada cerca de los límites del contorno. Por la naturaleza de la preferencia del sujeto por la ubicación del objeto: el círculo, podemos hablar de su estado psicológico, su orientación subcultural.

La segunda tarea incluye tres etapas. En la primera etapa, el sujeto clasifica las respuestas a partir de la percepción de tres obras musicales, en la segunda, viendo tres reproducciones artísticas, en la tercera, escuchando fragmentos de tres obras literarias. Cada obra de arte corresponde a un movimiento artístico específico: clásico, moderno, posmoderno. Así, se presentan como extractos literarios textos de las obras de Maurice Maeterlinck “El pájaro azul”, Bertolt Brecht “Madre coraje y sus hijos”, Samuel Beckett “Comunicación”. A partir de la elección de la obra y del patrón circular correspondiente, podemos hablar del espacio cultural y subcultural del sujeto que la percibe, del tipo de su carácter y de su estado de ánimo.

La tercera tarea es una escala de valoración subjetiva del estado del referente: físico, emocional-sensorial, cognitivo, creativo. El estado físico y psicológico del sujeto de la prueba hace sus propios ajustes al elegir sus opciones de respuesta preferidas y cambia las prioridades en la percepción de las imágenes artísticas. Sin embargo, a pesar de la naturaleza situacional, la tendencia general de las preferencias culturales se mantiene.

La cuarta prueba que llamamos "imagen del mundo", representa cuatro dibujos compuestos por un conjunto de dos figuras. El fragmento interno del dibujo corresponde a la naturaleza de la percepción del sujeto de la imagen de su "yo", el fragmento externo corresponde a la naturaleza de la percepción del mundo que rodea al sujeto. Los encuestados mentalmente equilibrados, por regla general, eligen formas redondeadas, mientras que los agresivos eligen formas "rotas". Los estudios han demostrado que para los representantes de la cultura tradicional, "suavizar las esquinas" tiene una función protectora: la elección de dos formas redondas habla no tanto de paz interior como del deseo de parecer tranquilo y tolerante ante situaciones de conflicto.

La quinta tarea es Prueba de creatividad de Torrance, lo que nos permite determinar el grado de creatividad del sujeto, su capacidad para ir más allá de los estereotipos.

Realizamos un estudio del espacio cultural de los encuestados en diferentes grupos nacionales y subculturales: en Moscú, Riga, Crimea. Se examinaron más de cuatrocientas personas divididas en ocho grupos homogéneos. Los resultados de la comparación de los indicadores de las pruebas presentadas permitieron identificar cuatro tipos de estrategias en el comportamiento humano.

Para la mayoría de los encuestados (el 72%, llamémoslos “conservadores”), llama la atención la posición centrada del círculo. Al percibir una obra de arte, eligen composiciones tranquilas y equilibradas. Por regla general, se trata de obras de música y pintura clásicas, el carácter positivo de la imagen literaria, el tipo lírico del héroe, la ausencia de conflicto en las situaciones descritas. Según la cuarta prueba, la mayoría de los encuestados tienden a percibir su mundo interior como un círculo: definen el mundo exterior para ellos como un espacio armonioso y equilibrado. Los indicadores de originalidad en la prueba de creatividad son bajos, lo que indica la incapacidad de los referentes para producir nuevas ideas: percibir el mundo fuera de los estereotipos es una dificultad obvia para los encuestados de este grupo.

El segundo grupo de encuestados (9%, “marginales”) se caracteriza por una preferencia por composiciones que experimentan estrés psicológico al percibirlas. En la prueba de "ambientes rizomórficos", esta es la elección del tercer círculo, que se desplaza al máximo hacia los límites del patrón. Entre las obras musicales y literarias, llama especial atención el tema del sufrimiento y el enfrentamiento. En música y pintura, estas son obras del posmodernismo, en literatura hay tramas de las obras de Bertolt Brecht ("Madre Coraje y sus hijos") y Samuel Beckett ("Comunicación"). Para este grupo de encuestados es indicativo nivel alto creatividad, búsqueda de soluciones no estándar.

Los representantes del tercer grupo más pequeño (5%, “liberales”) prefieren imágenes descentradas y ligeramente desplazadas, al percibirlas no experimentan ningún sentimiento de tensión. Les atrae el segundo dibujo del círculo, obras de art nouveau en las tres áreas del arte. Su nivel de creatividad es mayor que en el primer grupo, pero menor que en el segundo. Los encuestados del grupo "liberal" se inclinan a buscar soluciones no estándar, pero la elección de las formas de representación tiene una base libre de conflictos.

El último cuarto grupo de encuestados (14%) no tiene formas y estrategias pronunciadas para percibir la imagen. Para los representantes de este grupo, la elección de las obras de arte está determinada por el estado de ánimo momentáneo o los artefactos. La originalidad del pensamiento según la prueba de Torrance no es alta, lo que indica un bajo nivel de atención, baja motivación en la autoexploración y superficialidad en la percepción del material experimental.

Así, la prueba de los “Ambientes Rizomórficos” puede utilizarse en el estudio del espacio cultural humano. Las estrategias de vida también determinan la naturaleza de la percepción que el sujeto tiene de las obras de arte. Para los encuestados que están insatisfechos con ellos mismos y con las manifestaciones del mundo exterior, una preferencia típica es por estilos y formas en el arte que evocan un sentimiento de tensión, incertidumbre y agresión. Los encuestados que se aceptan a sí mismos dentro de los límites del mundo social existente se caracterizan por una elección de imágenes artísticas, al percibirlas experimentan una sensación de claridad, equilibrio y falta de conflicto. En otras palabras, por la naturaleza de las preferencias del sujeto por determinadas formas y estilos en el arte, podemos hablar del contenido de su "mundo interior", las formas externas de su representación.

Terapia de dibujo

Técnica “Completar la historia”

Una imagen expresiva atrae la atención de una persona. Me gusta un objeto expresivo porque la expresividad es uno de los signos de la belleza de su imagen. Un objeto feo no tiene expresión. Lo feo, más bien, perturba a una persona, ya que la forma y el contenido de tal imagen no se corresponden con las ideas estéticas del perceptor. Lo bello se manifiesta en la armonía, en el orden de la composición, hermosa imagen tiene una estructura ordenada. Y luego podemos decir que la capacidad de crear una imagen artística holística atestigua la integridad de la psique del creador. En otras palabras, podemos plantear la hipótesis de que el objetivo del trabajo arteterapéutico es armonizar la conciencia del referente en el proceso de creación de una composición artística expresiva.

Para confirmar este supuesto, analizamos los resultados del trabajo terapéutico utilizando el método “Completar la historia”. El algoritmo de acción es el siguiente: el referente, junto con el psicólogo, durante el dibujo conjunto, componen una historia, la secuencia de acción se determina en el proceso de discusión del contenido del trabajo. La tarea del psicólogo es ayudar al referente a encontrar soluciones artísticas que le permitan realizar su plan artístico al crear una imagen expresiva (Figura 35). Se supone que en el proceso de creatividad conjunta no solo se corrige el estado emocional y sensorial del referente, sino que también se transforman las estrategias estereotipadas de su percepción de sí mismo y del mundo.

Arroz. 35. Terminando la historia

Para resolver este problema, un psicólogo, basándose en la naturaleza del dibujo y la interpretación del contenido de la imagen creada, realiza un diagnóstico de detección de los rasgos principales del personaje del referente. En el curso del trabajo conjunto, el psicólogo propone objetos y formas de dibujar una composición artística que, desde su punto de vista, determinan la posibilidad de crear una imagen expresiva, percibida tanto por sus características formales como sustantivas.

Nuestros estudios sobre la efectividad de esta técnica cuando se trabaja en grupos terapéuticos mostraron una relación directa entre el éxito del proceso terapéutico y el nivel de estética de la imagen creada. En este sentido, surge la pregunta sobre la capacidad del propio psicólogo para crear una composición artística expresiva. En nuestra práctica de realizar sesiones de arteterapia, un psicólogo y un artista trabajan juntos. Si el primero dirige el proceso creativo e interpreta sus resultados, entonces la tarea del segundo es ayudar al referente a encontrar medios y técnicas artísticas que le permitan formar una imagen completa, congruente y que tenga un significado estético para él. La experiencia de la participación del artista como coterapeuta ha demostrado que la profundidad de elaboración de la imagen y su encarnación estética no solo reflejan la transformación de los estándares artísticos del referente, sino que también indican un cambio en su actitud tanto hacia lo representado. tema y a sí mismo. Cuantas más impresiones estéticas reciba el referente de la imagen creada conjuntamente, más fuerte será la transformación positiva de sus ideas e intenciones personales.

¿Qué sucede en la mente del referente cuando crea una imagen artística que es estéticamente significativa para él? La belleza es la cualidad de la forma. Hermosa forma– educación estructurada, tiene orden interno. El orden, a su vez, refleja la capacidad del referente para expresar una idea en forma artística, dotándola de características estéticas. Al crear una imagen artística completa, el sujeto, en el proceso de trabajo, organiza sus propias ideas sobre el tema que le preocupa. Al conocer el tema de la imagen, elaborar su composición artística, cambiar su actitud hacia lo representado y, por tanto, su actitud hacia sí mismo, el referente en el proceso de creatividad llega a conocerse a sí mismo. El artista coterapeuta, utilizando la magia del color y la forma, le ayuda a penetrar “profundamente” en la imagen, a encontrar en ella lo que está en sintonía con su alma. La imagen estética gusta al referente, porque la composición artística congruente habla de la plenitud de su trabajo interno.

Una imagen artística aparece expresiva y bella no tanto por la impresión de comprender su contenido, sino por la percepción de la armonía de su color y diseño formal. Cabe señalar que, salvo raras excepciones, el referente puede empatar. La creatividad fea es bastante inexpresiva y fea. Como regla general, las técnicas para dibujar formas no están fácilmente disponibles para un participante en una sesión de arteterapia; las técnicas para trabajar con color y claroscuro están más cerca. En tal creatividad, la forma artística se manifiesta mínimamente; su representación no se enfatiza en el trabajo conjunto. El papel determinante en el trabajo artístico terapéutico lo desempeña la capacidad de transmitir tonos de color, luces y sombras, y el uso de la textura de las hojas al crear una imagen estética. El papel del artista en este tipo de trabajo es primordial, ya que es su intuición y habilidad profesional las que permiten crear una composición completa. El psicólogo finaliza la sesión terapéutica con un análisis tanto del producto de la creatividad como del proceso en sí. Así, la estética y la expresividad de una imagen artística son un criterio objetivo para la eficacia del trabajo terapéutico.

Cuento terapéutico “Autorretrato”

Al percibir una cosa, un fenómeno, una persona, intentamos ver y adivinar sus rasgos esenciales en los rasgos externos del objeto de contemplación, cuya naturaleza nunca nos será accesible para un conocimiento completo. ¿Qué mantiene nuestra mirada fija en tal o cual detalle, la característica del objeto de percepción? ¿Son estos signos factores objetivos que determinan la experiencia de un sentimiento de expresividad? ¿O son simplemente ecos de nuestra percepción típica de un objeto, formada en el proceso de ontogénesis? Una pregunta relevante es también ¿hasta qué punto la conciencia humana es capaz de impartir una expresividad al objeto de contemplación que no es inherente a su naturaleza original?

El problema de la expresividad es de suma importancia tanto en las artes visuales, que actúa como forma y medio para mostrar el significado artístico, como en la psicología, en la que la expresividad se considera como la presentación por parte del sujeto de su “mundo interior” al “ externo”, como forma de reflejo de sus problemas psicológicos.

Cabe señalar que el criterio de expresividad artística puede actuar como indicador integrador de la capacidad del sujeto para objetivar la imagen de su “yo”, indicando su conocimiento de sí mismo. A medida que el sujeto se reconoce a sí mismo como una personalidad “individualizada”, la naturaleza y la calidad de la imagen que dibuja de sí mismo cambia. Al darse cuenta de las peculiaridades de su personalidad en el proceso de arteterapia, el individuo aprende a transmitir de manera más precisa y expresiva su conocimiento sobre sí mismo en una imagen artística. Al mismo tiempo, el proceso de transformación de la autoimagen durante una sesión terapéutica se produce de forma latente. Veamos un ejemplo de nuestra práctica.

Un joven de nacionalidad letona, apasionado por los enfoques de la psicoterapia orientados al cuerpo y la PNL, tenía grandes dificultades para dibujar. Todas sus obras artísticas se distinguieron por la vaguedad al dibujar los detalles de la imagen, la incertidumbre al representarse a sí mismo, el exceso de color, la falta de formas completas, los trazos descuidados y el descuido al representar los detalles de la composición. Las proyecciones artísticas de la personalidad transmitían con precisión los problemas psicológicos del joven: dificultades para objetivar la imagen real de sí mismo, dificultades en la comunicación, demostratividad en el comportamiento.

Después de haber completado dos talleres de arteterapia a lo largo de un año, nuestro encuestado se “sumergió” en el estudio de su imagen, completando alrededor de 40 bocetos de autorretrato en tres días. Las dos últimas obras transmitieron con precisión su similitud (Figuras 36 a 41).

¿Cómo logró hacer esto? ¿Qué pasó en su imaginación mientras se exploraba a sí mismo a través del dibujo? Sus primeros trabajos representan un intento de estudiar de forma no sistemática su apariencia, para luego resaltar los rasgos más significativos de su imagen. La ausencia de elementos relacionados en la imagen artística, la inexpresividad de las formas, la negligencia y la redundancia de los trazos indican la falta de una idea holística del artista. Al parecer, en esta etapa del trabajo hubo una integración de ideas sobre la imagen de uno mismo en las estructuras profundas de la psique.

Al examinarse frente al espejo, el referente encuentra los elementos clave de la composición, que se convierten en la base para construir una futura imagen holística. La impresión de uno mismo "trabajado" en el dibujo durante el día se completa durante el sueño a nivel del inconsciente. Y, como resultado de este proceso, la mano del pintor se vuelve más segura y precisa al dibujar los detalles de la imagen.

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2.2. Métodos de arteterapia y terapia creativa utilizados para el estrés traumático y los trastornos postestrés. Al brindar asistencia arteterapéutica a quienes experimentan estrés traumático y trastornos postestrés, se puede utilizar de forma individual,

La técnica se utilizó para trabajar con solicitudes: comprender lo que me está pasando (la vida).

Instrucción paso a paso.

1. Haz una serie de dibujos en hojas de papel separadas. (Preparar hojas de formato A4 y A3, pinturas, gouache, lápices). Dibujamos lo que está sucediendo ahora, el estado de hoy. Dibuja en cualquier orden.
~ Mi vida es como un camino.
~ Mi vida es como un río.
~ Mi vida es como una montaña.
~ Mi vida es como la comida.
~ Mi vida es como el fuego.
~ Mi vida es como un juego.

2. ¿Cuéntame qué dibujaste? ¿Cómo te sientes cuando miras tu dibujo? ¿Cómo responden estos sentimientos en el cuerpo? Describe qué es un símbolo de carretera para ti. (ríos, montañas, comida, fuego, juegos). Trabajamos de principio a fin con un solo dibujo. Una persona puede describirlo de esta manera: "El camino para mí es el camino hacia la meta". Y en el dibujo representaba un camino, como en un cuento de hadas, con tres ramales, como si vas a la izquierda, encontrarás un higo con mantequilla.

¿Cómo puedes explicarte a ti mismo lo que está sucediendo en tu vida basándose en esta imagen?

Posibles respuestas: No tengo ninguna meta ahora, no sé adónde ir, ni siquiera adónde iré, perderé algo, etc. Entonces, ¿cómo se relaciona tu creencia sobre la imagen con tu vida, con lo que te está sucediendo? ¿O de qué se trata en tu vida?

3. ¿Miras tu dibujo ahora? ¿Cómo te sientes? ¿Qué sucede en el cuerpo? ¿Quieres pintar encima, quitar o terminar de pintar algo? En caso afirmativo, proporcionamos el dibujo y el cliente realiza los cambios que desee. (es necesario tener gouache blanco disponible). La corrección se produce en la actualidad. Generalmente, después de realizar cambios en un dibujo, aunque sea un pequeño detalle, se produce una rápida metamorfosis interna. El cliente pintó sobre los ramales de la carretera, dejando el central, dibujó un árbol en perspectiva desde arriba y dibujó una gasolinera y una tienda de kebab en el lateral.

4. Ahora le pedimos al cliente que nos cuente desde el dibujo ¿cómo es su vida, como un camino (río, montaña, comida, fuego, caza)? Por ejemplo, una historia podría sonar así: “Mi vida es un camino recto, asfaltado, no muy ancho, pero tampoco angosto, con tráfico en ambos sentidos. Este es el camino de una ciudad a otra. Hay lugares donde poder repostar el coche, tomar un refrigerio y relajarse. Después de esto, puedes seguir adelante con seguridad. Necesito ir donde el árbol sea visible. Ese es el propósito de mi viaje. Lo veo y estoy tranquilo y feliz porque queda muy poco por delante. Hay ligereza en el cuerpo".

(Preste atención a la secuencia de dibujos y al formato del papel. Lo que es una prioridad, juzgue por el símbolo. Prestamos atención a los sentimientos y sensaciones en el cuerpo durante una conversación basada en el dibujo. En principio, aquellos que están familiarizados con los métodos terapéuticos más modernos saben que con este material se pueden realizar diagnósticos).

A cualquiera que tenga un mínimo conocimiento del simbolismo le resultará fácil realizar este ejercicio. Hay mucha información sobre el estado actual. El inconsciente simplemente comparte felizmente contigo en un lenguaje que entiende. La corrección ocurre ante tus ojos.

2. DIBUJOS DE SENTIMIENTOS Y EMOCIONES

Propósito y objetivos prioritarios:

Identificación del trasfondo emocional, emociones, sentimientos, vivencias actualizados; en una situación estrés agudo- asistencia inmediata, respuesta a experiencias traumáticas, liberación emocional;

“trabajar” emociones y sentimientos, incluidos los reprimidos;

Psicoprofilaxis de experiencias emocionales negativas y sus manifestaciones; cambio emocional;

Promover el desarrollo de la espontaneidad, la reflexión, la manifestación de los verdaderos sentimientos;

Armonización del estado emocional como potencial para superar cambios destructivos de personalidad y crecimiento personal;

Desarrollo de la creatividad.

Materiales: hojas de papel blanco de diferentes formatos, lápices simples, pinceles, acuarelas, cuencos de agua.

Etapa de configuración

Se pide a los participantes que escriban en una hoja de papel el nombre de las emociones, sentimientos, experiencias y estados que pudieron recordar. A continuación, de esta lista, se le pide que seleccione el sentimiento más fuerte, la experiencia que provoca una respuesta emocional en ese momento.

Al dar instrucciones, es importante enumerar la variedad de términos que se utilizan para describir una amplia gama de expresiones emocionales para que los participantes no tengan dificultades intelectuales para distinguir conceptos al compilar una lista.

Escenario trabajo individual(desarrollo del tema)

Instrucciones

Usando un simple lápiz en una hoja de papel A3 o A4, haga un dibujo del contorno de la emoción (sentimientos, experiencias, estados) elegida para “trabajar”.

Realiza las siguientes manipulaciones con el papel (prestando atención a los pensamientos y sentimientos que surgen en ti durante el trabajo): arruga una hoja de papel con los contornos del dibujo, luego bájala un rato al agua, enderezala, colóquelo sobre la mesa y solo entonces coloree lo dibujado con un simple lápiz imagen.

Piensa en un título y una historia que tu “imagen” pueda contar. Intente entablar diálogos entre los objetos representados o partes de la imagen.

Etapa de discusión y análisis reflexivo

Los participantes colocan sus obras en el espacio de la oficina, se sientan en círculo para discutir y verbalizar las emociones y sentimientos que experimentaron en el proceso de creación artística. Cada uno, si lo desea, muestra su dibujo, dice su nombre y cuenta una historia.

Los participantes a menudo cambian el nombre original, ya que en el proceso de trabajo la imagen que se crea se transforma y, por lo tanto, la idea cambia y se realizan significados ocultos. Durante la discusión, puede utilizar correctamente “preguntas-indicaciones” para facilitar la conciencia y la transformación de experiencias traumáticas en experiencias ingeniosas. Es especialmente importante crear una atmósfera segura de confianza, apertura y empatía para que la retroalimentación brindada no cause sentimientos traumáticos y sea percibida adecuadamente por la persona. Esta puede ser una experiencia útil para construir una estrategia de comunicación constructiva y nuevos contactos emocionales.

La sesión de arteterapia finaliza con cambios en el producto artístico creado de acuerdo con los deseos del autor.

En general, el resultado práctico esperado del trabajo arteterapéutico es la transferencia de la experiencia adquirida al comportamiento interpersonal diario del sujeto fuera del grupo terapéutico.

Nota.

Para representar emociones y sentimientos, es importante animar a los participantes a crear imágenes espontáneas, evitando, si es posible, imágenes estereotipadas y basadas en tramas. Dibujo no estructurado: líneas, contornos, manchas ayudan a nivelar el patrón cognitivo, promueven la creatividad y la libre expresión, estimulan los procesos de autoconocimiento.

Un enorme potencial positivo radica en la posibilidad de múltiples transformaciones en el proceso de trabajar en una imagen: un contorno apenas perceptible se refracta con un simple lápiz, cambiando el contorno del objeto representado cuando el papel se arruga y luego se sumerge en agua y se alisa. Fuera denuevo. Luego, con la ayuda de pinturas de acuarela, se agrega color al dibujo, como si "revelaran" o colorearan la imagen deseada.

Trabajar con acuarelas sobre papel arrugado y húmedo tiene un profundo significado psicológico y un notable efecto terapéutico, ya que permite conseguir una mayor expresividad y al mismo tiempo una liberación emocional. Uno de los mecanismos psicológicos de la respuesta emocional radica en la peculiaridad de la acuarela como material visual.

Fuente: Oksana Rozdorskaya

3. Ejercicio para trabajar con límites personales “MAPA DE MI VIDA”

Instrucciones:

"Dibuja un mapa de tu vida, donde tú y todas las personas que te rodean son países. Sois de diferentes tamaños, tenéis diferentes relaciones. Con algunos tenéis fronteras comunes, con otros no. Con algunos podéis bordear el agua. Con alguien puede tener una determinada zona común: una unión aduanera o el Acuerdo Schengen, con alguien un régimen de visas simplificado, con alguien uno más complicado.

¿Y luego mira tu dibujo y recuerda cuáles eran los límites, digamos, hace cinco años?

Y a veces ayuda ver muchas cosas. Por ejemplo:

Quizás hace cinco años tenías muchos límites y conexiones estrechas, muchos contactos y conflictos. Y es por eso que ahora estás “sobresaturado de comunicación” y te has convertido… en una isla… Que nadie toca ni captura.

Quizás, por el contrario, hayas pasado de un estado de aislamiento a conexiones estrechas y fuertes.

¿Quizás tu país está siendo constantemente invadido por otros países y no sabes cómo resistirlo?

¿O tal vez tú mismo capturas a todos los que te rodean y conquistas las tierras? (Es difícil admitirlo, pero cada persona tiene ese deseo, solo que en una escala diferente)

Tal vez dividas a los países en aliados, con los que tienes relaciones simplificadas, y en oponentes, con los que construyes vallas y preparas empresas contra ellos...

Y cuando vea los patrones principales, le resultará más fácil comprender dónde esforzarse. ¿Necesitas aprender a defenderte o necesitas aprender a vivir en paz y no atacar? ¿Necesita aprender a construir relaciones o necesita permitirse un descanso y estar solo?

4. Técnica artística terapéutica "DIBUJO EN CÍRCULO"

La técnica funciona muy bien en la primera consulta, en una situación en la que la solicitud es difícil de formular y las expectativas del cliente no están claras.

Para trabajar necesitarás un conjunto de diversos materiales visuales: papel de diferentes formatos, lápices, rotuladores, pasteles, pinturas de acuarela, aguada.

1. Invitamos al cliente a relajarse, concentrarse en sus sensaciones aquí y ahora, y dibujar en la hoja un círculo del color y tamaño que desee en ese momento.

2. Luego rellénalo con un dibujo.

3. A continuación, comentamos el dibujo, actualizamos pensamientos, sentimientos y sensaciones. Aclaremos: ¿cambió el estado durante el proceso de dibujo? ¿Quieres cambiar algo? Si es necesario, el cliente ajusta el dibujo: lo completa, lo pinta, lo borra, etc.

Por supuesto, el dibujo contiene cierta información de diagnóstico. Al igual que cuando analizamos las técnicas proyectivas, prestamos atención al tamaño del círculo, su colocación en la lámina, el grosor de las líneas, la presencia o ausencia de color, etc. Sin embargo, el abordaje terapéutico pasa, ante todo, por no interpretar el dibujo, pero siguiendo las emociones y sensaciones del cliente. Es importante que vea cómo percibe su trabajo.

Puedes utilizar el dibujo en círculo y en trabajo en grupo. Primero, cada uno dibuja su propio círculo en una hoja común grande y luego el espacio vacío se llena entre todos. El proceso puede tener un poderoso efecto sobre los recursos, pero a veces puede provocar la liberación de emociones negativas.

Lo más valioso de esta técnica es la oportunidad de resolver la situación aquí y ahora y ajustarla en la dirección correcta.

5. Técnica "MAPA DE OBJETIVOS"

1. Traza tu mano en un papel y obtén el contorno de tu futura tarjeta.
2. Llene el mapa con diferentes paisajes: marque montañas, llanuras, ríos, cascadas, glaciares, gargantas, desiertos, bosques, claros, mares, océanos, etc.
3. Utilice la casilla de verificación para indicar el objetivo por el que se esfuerza.
4. Designa un punto de partida en tu ruta
5. Dibuja una línea de puntos para una ruta que tenga un principio y un final.
6. Indique dónde se encuentra ahora en su viaje.
7. Escribe los símbolos: define tus montañas, árboles, mares...
8. Compáralos con tus emociones, sensaciones, estados.

Información que revela la imagen:
- La naturaleza de la ruta habla de cómo una persona se pone obstáculos en la vida y cómo los supera.
- ¿En qué tipo de paisaje cayó la bandera objetivo: un desierto, una cascada... y qué significa esto para ti?
- Si en tu ruta pasas por todos los paisajes, eres una persona creativa, no, eres un performer.
- Si la entrada y la salida coinciden, la persona termina donde empezó, pero en un nivel superior.
- Observa qué emociones sentiste antes de lograr tu objetivo.
- La entrada está abajo, la salida está arriba: una persona pasa de la práctica a la teoría y, en consecuencia, viceversa.
- Entrada por la izquierda, salida por la derecha: una persona completa la tarea, aunque al principio está muy ansiosa.
- Entrada por la derecha, salida por la izquierda: intuición desarrollada, sentido de lo nuevo.
- Dividir no la página, sino el mapa en tres partes diagonal y verticalmente: la parte izquierda es el pasado, la parte central es el presente, la parte derecha es el futuro. La parte superior son pensamientos, la parte central son ideas, planes, la parte inferior son acciones.

Caja de dominio

Lyudmila Lebedeva

Técnica "El hombre que recoge una manzana de un árbol"

Lebedeva Lyudmila Dmitrievna- doctor ciencias pedagógicas, Profesor del Departamento de Pedagogía y Psicología de Escolares de la Universidad Pedagógica Estatal de Ulyanovsk.

Defendió la primera tesis doctoral en Rusia sobre la arteterapia en la educación. Autor de más de 120 trabajos científicos, incluidos artículos en revistas: “Pedagogía”, “Educación Pública”, “ Escuela primaria", "Tecnologías escolares","Psicólogo en la escuela"“Educación”, “Didacta”, en el semanario “Psicólogo escolar”, etc. Director del curso de formación avanzada en la especialidad “Pedagogía y Psicología (especialización: arteterapia en educación) en la Universidad Pedagógica Estatal de Ulyanovsk.

Tiene experiencia Asesoramiento psicológico en formato de arteterapia con grupos de diferentes edades, realiza programas educativos originales en ciudades de Rusia y países vecinos. Desarrolla enfoques no convencionales y más efectivos. en la zona comunicación empresarial, estrategias para el éxito profesional y personal.

La mayoría de las personas tienen experiencia práctica en recoger una manzana de un árbol, o al menos imágenes visuales de este proceso en sus mentes. Este hecho forma la base de la técnica proyectiva gráfica desarrollada por los arteterapeutas Litsda Gantg y Carmello Tabone (Gantt L.. & Tabone C. Fomal Elements Art Therapy Scale. The Rating Manual. Gargoyle Press Morgantown, WV. 1998.)

La modificación rusa de la tecnología se presenta en los estudios de A.I. Kopytina, E. Svistovskaya (Svistovskaya E. Escalas terapéuticas artísticas de elementos formales: un estudio piloto intercultural. // Arte curativo.

Revista de Arte Terapia, No. 2, 2000. Con. 54-78.)

Instrucciones:

Dibuja una persona recogiendo una manzana de un árbol.

Materiales:

Papel A4, un juego de rotuladores o lápices de 12 colores, incluidos gris y negro.

Interpretación de resultados:

Sin embargo, la mayoría de los sujetos (tanto niños como adultos) representan no sólo a una persona que recoge una manzana de un árbol, sino a una persona que se encuentra en una situación extremadamente difícil, que necesita superar dificultades abrumadoras para completar la tarea. Vale, basta de cha. Hay cientos de dibujos en los que el sujeto representado, “de puntillas” con todas sus fuerzas, alcanza una manzana o sacude un árbol; derriba frutas con un palo; sube las escaleras; sube al maletero; Incluso conquista la cima de una montaña, y con un resultado desconocido para el espectador.

Se cree que el dibujo sobre papel representa un trabajo en la frontera del contacto entre el mundo interno y externo (G. Schottenloher, “Drawing and Image in Gestalt Therapy”. San Petersburgo: Editorial Pirozhova, 2001.P.220) En el Al mismo tiempo, los “artistas” proyectan espontáneamente sobre el papel imágenes visuales ricas en simbolismo.

Los símbolos suelen verse como signos o imágenes de diversas realidades psicológicas.

Es bien conocido el simbolismo mitológico de la manzana.

En el mito bíblico, la serpiente tentadora sedujo a Eva para que comiera la manzana, el fruto prohibido del árbol del conocimiento del bien y del mal.

La diosa de la discordia Eris arrojó una manzana dorada a los invitados. Con la inscripción "A la más bella", sobre cuya posesión discutieron Afrodita, Atenea y Hera. Como resultado, la causa u objeto de la disputa se llama alegóricamente hueso de la discordia.

No menos figurativa es la expresión “una manzana en bandeja de plata...”.

Coger una manzana en el contexto de símbolos dinámicos representa una acción durante la cual una persona manifiesta la capacidad de avanzar hacia la meta de su “liberación” mental.

El lenguaje del dibujo y los símbolos se compara con la voz del inconsciente, que suena en esos momentos en los que la conciencia carece de palabras. La interpretación revela la originalidad del mundo mental del dibujante.

Sin duda, cada imagen de un “hombre recogiendo una manzana” es profundamente individual. Al mismo tiempo, se pueden sistematizar formalmente varios dibujos por los siguientes motivos:

por contenido (trama), presencia de objetos especificados en las instrucciones (persona, árbol, manzana), integridad o fragmentación de la imagen de estos objetos;
por método de acción (lo que se representa: ¿preparación para la acción, la acción en sí o el resultado final?);
por resultado (qué esfuerzos hizo una persona para lograr la meta, qué tan exitoso es el resultado: ¿se recogió la manzana?).

Ilustraciones

Historias similares ocurren en los adultos.

El segundo tipo de imágenes incluye las siguientes ilustraciones.

En la Fig. 2 figura. Lebedeva2 No es difícil ver los increíbles esfuerzos que tiene que realizar un escalador para conseguir el codiciado fruto. (El autor es un estudiante de 20 años). Además, al igual que en el trabajo de un niño de diez años, solo se indica la acción (una persona toma una manzana), se desconoce el resultado final ( Fig. 3).

El tercer tipo de dibujos, por el contrario, no contiene información sobre cómo se logró el objetivo. El espectador sólo ve el resultado: manzanas en las manos, una cesta, etc. (Fig. 4, 5).

Prestemos atención a los rasgos característicos y al simbolismo de los dibujos presentados. La imagen de una rama en lugar de un árbol, según algunos investigadores, supuestamente indica infantilidad, y un tamaño demasiado grande del objeto indica holgura y libertad interior.

B. E. Egorov y E. S. Romanova interpretan estos signos de manera diferente. Según ellos, los frutos que maduran son los problemas de maduración de la personalidad del “artista”. La cantidad de frutas representadas es igual a la cantidad de problemas resueltos en los que se está trabajando activamente, y las manzanas caídas indican problemas que ya se han resuelto (Enciclopedia psicoterapéutica / Editado por B.D. Karvasarsky, San Petersburgo: Peter, 1999. P. 752 ).

Según Koch, la presencia de manzanas en un árbol significa un sentimiento de culpa.

Es importante prestar atención al aspecto de la manzana visualizada: madura, jugosa o verde, arrugada; agrio o dulce; ¿sabroso o salvaje?

Hay dibujos en los que una persona recoge una manzana del suelo, a menudo con gusanos o podrida, e incluso se la come (ver Fig. 5). Un caso especial es el de una persona imaginaria que recoge manzanas que se han caído o que alguien ha recogido. Estos “signos” dejan en el dibujante la impresión de angustia psicológica.

La imagen dinámica de una persona cogiendo una manzana se puede atribuir a los llamados "símbolos infantiles". Son impresiones de la primera infancia que pueden despertar sentimientos y emociones positivas. Entre ellos: unas vacaciones, globos aerostáticos, un desfile, fuegos artificiales, un río al atardecer, una canción infantil o un libro. Estos símbolos y escenas simbólicas están dirigidos al estado prepsicótico de una persona. Ayudan a establecer una conexión con la parte normal de su personalidad, que en este momento puede estar oculta o reprimida.

La técnica de utilizar símbolos a través de su visualización ayuda, dice R. Assagioli. lograr la integración de elementos conscientes de la personalidad con los inconscientes y, en cierta medida, el pensamiento lógico con manifestaciones personales inconscientes y no lógicas. Sin embargo, este método es difícil de aplicar a sujetos demasiado extrovertidos, rígidos o intelectuales que tienen ideas objetivas muy claras a nivel de su conciencia."I" y una conexión débil con el inconsciente. A estas personas no les gustan los símbolos o, en cualquier caso, los símbolos no les dicen nada (Assagioli R. “Psicosíntesis. Principios y técnicas” / Traducido del inglés por E. Petrova. M.: EKSMO-Press Publishing House. 2002. Pág.416).

Basado en materiales del libro “La práctica de la arteterapia: enfoques, diagnósticos, sistema de clases” / San Petersburgo: Rech, 2003