Conferencias sobre literatura musical: Verdi
Se trata de la primera ópera madura de Verdi (1851), en la que el compositor se alejó de los temas heroicos y recurrió a los conflictos generados por la desigualdad social.
En el núcleo trama- El drama de Víctor Hugo "El rey se divierte", prohibido inmediatamente después del estreno por socavar la autoridad del poder real. Para evitar choques con la censura, Verdi y su libretista Francesco Piave trasladaron la locación de Francia a Italia y cambiaron los nombres de los personajes. Sin embargo, estas alteraciones “externas” no disminuyeron en modo alguno el poder de la denuncia social: la ópera de Verdi, como la obra de Hugo, expone la anarquía moral y la depravación de la sociedad secular.
La ópera consta de tres actos, durante los cuales una y sólo una escena se desarrolla intensa y rápidamente. línea de la historia, asociado a las imágenes de Rigoletto, Gilda y el Duque. Esta atención exclusiva al destino de los personajes principales es característica de la dramaturgia de Verdi.
Ya en el primer acto, en el episodio de la maldición de Monterone, está destinado ese desenlace fatal al que conducen todas las pasiones y acciones de los héroes. Entre estos puntos extremos del drama, la maldición de Monterone y la muerte de Gilda, hay una cadena de clímax dramáticos interconectados que se acercan inexorablemente a un final trágico. Este:
- la escena del secuestro de Gilda en el final del Acto I;
- el monólogo de Rigoletto y la siguiente escena con Gilda, en la que Rigoletto jura vengarse del Duque (Acto II);
- El cuarteto de Rigoletto, Gilda, el Duque y Magdalena es la culminación del Acto III, abriendo el camino directo al fatal desenlace.
Imagen de Rigoletto
El personaje principal de la ópera, Rigoletto, es uno de las imágenes más brillantes creado por Verdi. Se trata de una persona sobre la cual, según la definición de Hugo, existe una triple desgracia (fealdad, enfermedad y una profesión despreciada). A diferencia del drama de Hugo, el compositor le puso su nombre a su obra. Logró revelar la imagen de Rigoletto con la más profunda veracidad y versatilidad shakesperiana. Se trata de un hombre de grandes pasiones, poseedor de una mente extraordinaria, pero obligado a desempeñar un papel humillante en la corte. Rigoletto desprecia y odia a la nobleza, no pierde oportunidad de burlarse de los cortesanos corruptos. Su risa no perdona ni siquiera el dolor paternal del viejo Monterone. Sin embargo, a solas con su hija, Rigoletto es completamente diferente: es un padre cariñoso y desinteresado.
El primer tema de la ópera, que abre una breve introducción orquestal, está asociado con la imagen del personaje principal. Este leitmotiv de la maldición, basado en la repetición persistente de un sonido en un ritmo punteado, dramático c-moll, en trompetas y trombones. El personaje es siniestro, lúgubre, trágico, acentuado por una intensa armonía. Este tema se percibe como una imagen del destino, del destino inexorable.
El segundo tema de la introducción se denominó “tema del sufrimiento”. Se basa en segundas entonaciones tristes, interrumpidas por pausas.
EN Iimagen de ópera(baile en el palacio del duque) Rigoletto aparece disfrazado de bufón. Sus travesuras, travesuras y andar cojo son transmitidos por el tema que suena en la orquesta (No. 189 por notas). Se caracteriza por ritmos agudos y "espinosos", acentos inesperados, giros melódicos angulares y actuaciones de "payaso".
Una marcada disonancia en relación con toda la atmósfera del baile es el episodio asociado con la maldición de Monterone. Su música amenazadora y majestuosa caracteriza no tanto a Monterone como el estado de ánimo de Rigoletto, conmocionado por la maldición. De camino a casa, no puede olvidarlo, por lo que en la orquesta aparecen siniestros ecos de la maldición l-va, acompañando el recitativo de Rigoletto. "Ese viejo me maldecirá para siempre". Este recitativo abre 2 fotos de la ópera, donde Rigoletto participa en dos escenas a dúo de color completamente opuesto.
La primera, con Sparafucile, es una conversación enfáticamente “profesional” y comedida entre dos “conspiradores”, que no requirió cantar cantilena. Está diseñado en colores sombríos. Ambas partes son completamente recitativas y nunca se unen. El papel de “cimentación” lo desempeña una melodía continua al unísono de octava de violonchelos y contrabajos en la orquesta. Al final de la escena, la maldición vuelve a sonar, como un recuerdo inquietante.
La segunda escena, con Gilda, revela un lado diferente y profundamente humano del personaje de Rigoletto. Los sentimientos de amor paternal se transmiten a través de una amplia cantilena típicamente italiana, un ejemplo sorprendente de la cual son los dos ariosos de Rigoletto en esta escena: "No me hables de ella"(núm. 193) y “Oh, cuida la lujosa flor”(dirección a la criada).
El lugar central en el desarrollo de la imagen de Rigoletto lo ocupa él. escena con cortesanos después de que Gilda es secuestrada 2 acciones. Rigoletto aparece cantando canción del bufón sin palabras, en cuya fingida indiferencia se sienten claramente el dolor y la ansiedad ocultos (gracias a la escala menor, la abundancia de pausas y segundas entonaciones descendentes). Cuando Rigoletto se da cuenta de que el duque tiene a su hija, se quita la máscara de fingida indiferencia. La ira, el odio y la súplica apasionada se escuchan en su trágico aria-monólogo. "Cortesanas, las demonios del vicio".
El monólogo tiene dos partes. La parte I se basa en la recitación dramática, en ella se desarrollan los medios expresivos de la introducción orquestal a la ópera: el mismo patético do menor, expresividad verbal melodías, energía del ritmo. El papel de la orquesta es extremadamente importante: el flujo incesante de figuras de cuerdas, la repetición repetida del motivo del suspiro, la pulsación excitada de los sextillizos.
La segunda parte del monólogo se basa en una cantilena suave y conmovedora, en la que la rabia da paso a la oración. (“Señores, tengan piedad de mí).
El siguiente paso en el desarrollo de la imagen del personaje principal es Rigoletto el Vengador. Así aparece por primera vez en la nueva escena de dueto con su hija en el Acto 2, que comienza con la historia del secuestro de Gilda. Al igual que el primer dúo de Rigoletto y Gilda (del 1er movimiento), incluye no sólo canto en conjunto, sino también diálogos recitativos y arioso. Los episodios cambiantes y contrastantes reflejan diferentes matices. estado emocional héroes. La sección final de toda la escena se suele llamar "dúo de venganza". El papel principal lo desempeña Rigoletto, quien jura vengarse cruelmente del duque. La naturaleza de la música es muy activa, decidida, lo que se ve facilitado por un tempo rápido, una fuerte sonoridad, estabilidad tonal, dirección ascendente de las entonaciones y ritmo que se repite persistentemente (núm. 209). “Duet of Revenge” finaliza los 2 actos de la ópera.
La imagen de Rigoletto el vengador se desarrolla en el tema central 3 acciones, brillante cuarteto , donde se entrelazan los destinos de todos los personajes principales. La lúgubre determinación de Rigoletto se contrasta aquí con la frivolidad del duque, la angustia mental de Gilda y la coquetería de Maddalena.
Durante una tormenta, Rigoletto hace un trato con Sparafucile. La imagen de la tormenta tiene un significado psicológico, complementa el drama de los héroes. Además, la despreocupada canción del Duque, “Heart of Beauties”, juega un papel crucial en el tercer acto, sirviendo como un contraste extremadamente sorprendente con los dramáticos acontecimientos del final. La última interpretación de la canción le revela a Rigoletto una terrible verdad: su hija se ha convertido en víctima de venganza.
La escena de Rigoletto con la moribunda Gilda, su último dueto - este es el desenlace de todo el drama. Su música está dominada por la declamación.
Los otros dos personajes principales de la ópera, Gilda y el Duque, son psicológicamente profundamente diferentes.
Lo principal está en la imagen. gilda- su amor por el duque, por el que la niña sacrifica su vida. La caracterización de la heroína se da en la evolución.
Gilda aparece por primera vez en una escena a dúo con su padre en el Acto I. Su entrada va acompañada de un brillante retrato temático en la orquesta. El ritmo rápido, el alegre do mayor y los ritmos de baile con síncopas "traviesas" transmiten tanto la alegría del encuentro como la apariencia brillante y juvenil de la heroína. El mismo tema continúa desarrollándose en el propio dúo, uniendo frases vocales breves y melodiosas.
El desarrollo de la imagen continúa en las siguientes escenas del Acto I: el dúo de amor de Gilda y el Duque y el aria de Gilda.
Recordando una cita de amor. El aria se basa en un tema, cuyo desarrollo forma una forma de tres partes. En la sección central, la melodía del aria está coloreada con una virtuosa ornamentación de coloratura.
Además de "Rigoletto", Verdi escribió la ópera "Ernani" basada en la trama de Hugo.
Una ópera en tres actos de Giuseppe Verdi (a menudo representada en cuatro actos), con libreto (en italiano) de Francesco Maria Piave, basada en el drama de Victor Hugo El propio rey divierte.
Caracteres:
DUQUE DE MANTUA (tenor)
RIGOLETTO, su bufón (barítono)
GILDA, hija de Rigoletto (soprano)
GIOVANNA, su doncella (mezzosoprano)
SPARAFUCILE, asesino profesional (bajo)
MADDALENA, su hermana (contralto)
CONDE MONTERONE (bajo o barítono)
Época: siglo XVI.
Ubicación: Mantua.
Primera representación: Venecia, Teatro La Fenice, 11 de marzo de 1851.
Ahora todo el mundo conoce tan bien las melodías de "Rigoletto" - "La donna e mobile" ("El corazón de una belleza"), el cuarteto ("Bella, figlia dell"amore" - "Oh, joven belleza") y otros. Es difícil imaginar que alguna vez fueron considerados peligrosos y demasiado libres. Sin embargo, los primeros lectores del libreto, y estos fueron los censores venecianos, lo encontraron tan obsceno que insistieron en una serie de cambios muy significativos. Y varios Años antes de que se escribiera una ópera, la obra en la que se basaba fue prohibida en París y retirada después de dos representaciones, a pesar de que su autor era el gran Víctor Hugo.
Esta obra fue el drama "Le roi s"amuse" ("El rey divierte"), y sus personajes principales son personajes históricos, el rey Francisco I de Francia y su bufón Triboulet. Su trama es básicamente la misma que la contada en La ópera Los censores, tanto en París como en Venecia, estaban preocupados por la apariencia poco halagadora en la que se presentaba al verdadero rey francés, esto fue en 1832, cuando las ideas del romanticismo y la revolución se sentían claramente en Europa. Los censores franceses creían que la presentación de una obra de este tipo en el escenario puede inspirar a la gente a emprender acciones revolucionarias. El libreto, leído por los censores venecianos, tenía un título diferente: "La maledizione" ("La condenación"), pero el vergonzoso gobernante en esta versión de la ópera seguía siendo la misma Francisco I.
Verdi tuvo que afrontar los mismos problemas cuando entregó Un ballo in maschera a los censores napolitanos para que lo leyeran. En el caso de Rigoletto, los cambios podrían realizarse con relativa facilidad. La escena se trasladó a Italia; el rey fue degradado a duque y su nombre fue cambiado de tal manera que, si no ficticio, al menos no hacía referencia a la familia ducal existente. El nombre del bufón también se cambió por uno completamente ficticio: Rigoletto. La ópera lleva el nombre de este nombre, que algunos creen que debería “tragarse tan fácilmente como sopa o pan fresco”.
El drama de Hugo también reapareció en escena en una época menos convulsa bajo el título "La venganza de un tonto". Se hizo muy popular gracias, entre otras cosas, a la maravillosa interpretación de Edwin Botha, que en él hacía el papel del bufón.
ACTO I
Escena 1. El disoluto duque de Mantua da un brillante baile en su palacio. Su actitud hacia las mujeres se expresa en la frívola aria "Questa o quella, per me pari sono" ("Esto o aquello, no lo sé"). En un momento, abandona brevemente el escenario para despedir a la esposa de uno de sus cortesanos. De repente, la diversión general y la música de baile son interrumpidas por una voz amenazadora. Este es el viejo Conde Monterone, que vino aquí con una maldición al Duque por insultar el honor de su hija. En ese momento, el bufón profesional del duque, el jorobado Rigoletto, se adelanta y se burla enojado del anciano. Monterone mantiene su dignidad. Y en el momento en que el duque ordena que detengan al conde, Monterone amenaza al duque con una terrible venganza y maldice a Rigoletto. Fue una maldición pronunciada por un padre insultado, y Rigoletto, que también es padre y un hombre profundamente supersticioso, se gira horrorizado.
Escena 2. Bajo el peso de la terrible maldición de Monterone, Rigoletto regresa a casa. Justo afuera de su casa, se encuentra con una figura alargada y de aspecto siniestro. Este es Sparafucile, el asesino. Como un profesional a un profesional, Sparafucile ofrece sus servicios al bufón de la corte en cualquier momento que los necesite. Mientras este hombre terrible se marcha, murmurando en voz muy baja su propio nombre - “Sparafucile” - Rigoletto exclama: “¡Pari siamo! Io la lingua, egli ha il pugnale” (“Con él somos iguales: tengo la palabra, y él la daga.” ) y canta un monólogo - una de las obras maestras de Verdi - maldiciendo su apariencia, su destino, su carácter. A esto le sigue un largo y bellísimo dueto entre Rigoletto y su hija, la joven Gilda (“Figlia!... ¡Mio padre!...” - “¡Gilda!... ¡Mi padre!...”). Para el bufón, ella lo es todo en la vida. Después de la muerte de su esposa, Rigoletto ya no tiene a nadie en el mundo y desea apasionadamente proteger a su hija de las maquinaciones del mundo. Al salir de la casa, ordena a la doncella de Gilda, Giovanna, que mantenga todas las puertas cerradas.
La orden de Rigoletto, sin embargo, no se ejecuta. Antes de que pudiera salir de su casa, el duque de Mantua, disfrazado de estudiante pobre (pero al mismo tiempo arrojándole a Giovanna una billetera para sobornarla para que le abra la puerta), entra al jardín. Y ahora ya le declara apasionadamente su amor a Gilda (“E il sol dell” anima” - “Créeme, el amor es el sol y las rosas”). Y cuando, alarmado por un ruido en la calle, se va, Gilda canta un aria "Caro nome che il mio con" ("El corazón está lleno de alegría"), llena de extático amor joven.
Se oye un ruido en la calle: han llegado los cortesanos (llevan máscaras) que planean secuestrar a Gilda, creyendo que ella es la amante de Rigoletto y no su hija. Para hacer la broma más divertida, piden ayuda al propio Rigoletto, explicándole que quieren secuestrar a la esposa del conde Ceprano, que vive cerca: le vendan los ojos y le obligan, desprevenido, a sujetar la escalera. Sólo después de que la empresa se ha ido con Gilda, Rigoletto se quita la venda de los ojos. Previendo algo terrible, entra corriendo a la casa con un grito de desesperación, gritando: “¡Gilda, Gilda!” ("¡Gilda, Gilda!"). La acción termina en el momento en que Rigoletto, con horror y temblor, recuerda la maldición de su padre sobre el viejo Monterone: La meledizione.
ACTO II
Salón en el palacio. El duque está emocionado. El día anterior regresó a la casa de Gilda, pero no la encontró allí. Ahora promete encontrar a los secuestradores y vengarse de ellos. Canta sobre su amada Gilda. Su aria (“Parmi veder le lacrime” - “Veo una dulce paloma”) es tan expresiva que casi no deja dudas sobre la sinceridad de su amor. Y cuando los cortesanos le informan - en un coro humorístico de burlas - cómo han secuestrado a la amante de Rigoletto (todavía no saben que Gilda es su hija) y la han llevado a su palacio, él, abrumado por la alegría, corre a verla. Tiene lugar una de las escenas más conmovedoras y dramáticas jamás escritas por Verdi. Entra Rigoletto, desesperado, tarareando, como debe hacer un bufón de la corte, la canción "La-ra, la-ra, la-ra, la-ra" ("La-ra..."), pero esta vez es suyo un canto alegre lleno de ansiedad y dolor. Busca a su hija por todas partes, y cuando aparece por un momento una página con un mensaje para el duque, entonces, por sus palabras, Rigoletto adivina que su hija está aquí, en el castillo del duque. Indignado y desesperado, se lanza hacia los presentes gritando: “Cortigiani, vil razza” (“Cortesanas, demonios del vicio”). Intenta atravesarlos hasta la puerta; sollozando, cae al suelo; les ruega lastimosamente, pero, ay, todo es en vano. Sólo cuando su hija aparece y corre a sus brazos, los cortesanos se retiran tímidamente. El dueto lloroso entre padre e hija se interrumpe cuando pasa Monterone, siendo conducido a la ejecución por los guardias. Rigoletto jura vengarse del duque. La acción termina con una repetición decisiva y severa del juramento de Rigoletto (“Si, vendetta, tremenda vendetta” - “Sí, ha llegado la hora de la terrible venganza”), mientras Gilda, su hija, le ruega el perdón de su amante.
ACTO III
Por la noche, en una posada abandonada a la orilla del río, Rigoletto se encuentra repitiendo sus maldiciones al duque, mientras Gilda todavía le ruega que perdone al duque. El burdel cerca del que se encontraban pertenece a Sparafucile, un bandido, y su invitado esa noche no es otro que el duque, esta vez disfrazado de oficial. Canta la melodía más popular de esta ópera: la canción "La donne e mobile" ("El corazón de una belleza..."), luego le declara su amor a Maddalena, la bella hermana de Sparafucile. Comienza un magnífico cuarteto: en la cabaña el duque prodiga confesiones de amor a Magdalena, a las que ella responde con coquetería y burla; al mismo tiempo, Gilda, espiándolos desde fuera, se desespera por el engaño de su amante que le ha revelado; Rigoletto intenta consolarla.
Otros acontecimientos se desarrollan rápidamente. Rigoletto envía a Gilda a cambiarse de ropa para ir a Verona, ciudad donde nadie la conoce ni a ella ni a Rigoletto y donde empezarán nueva vida. Él mismo todavía tiene sus propios planes para esta noche. Por veinte coronas contrata a Sparafucile para matar al duque. Habiendo acordado con él sobre esto, Rigoletto se marcha. El duque se queda dormido. Ahora Maddalena convence a su hermano para que perdone al joven que le gustaba y reemplace el cuerpo matando a un extraño que se acerca a ellos esa noche (“Somigla un Apollo quel giovine” - “Nuestro invitado, guapo y cariñoso”). Estalla una tormenta. Gilda, vestida con un traje de hombre, regresó aquí y fue testigo de la conversación entre Sparafucile y Maddalena. Llama a la puerta de su taberna. Gilda decidió sacrificarse para salvar a su amante infiel. Sparafucile la aturde y la mete en una bolsa. Al regresar, Rigoletto, habiendo recibido una bolsa pesada y seguro de que el cuerpo del duque está en ella, se regodea con su víctima. Pero su alegría no dura mucho. Desde la casa llega la voz familiar del Duque, tarareando de nuevo - esta vez con un tono especialmente irónico - la canción “El corazón de una belleza…” Horrorizado, Rigoletto rompe la bolsa y encuentra a su hija en ella. Gilda se despide mientras da su último suspiro; él le ruega que no muera. Y cuando ella calla para siempre, él agita el puño hacia el cielo y exclama una vez más: "¡Ah! ¡La maledizione!". (“¡Ah! ¡Ahí es donde está la maldición del viejo!”). La maldición está completa.
Henry W. Simon (traducido por A. Maikapara)
El éxito del estreno en Venecia (después de numerosos ensayos agotadores) fue total, y las representaciones posteriores (veintiuna) lo confirmaron. Las valoraciones de los críticos fueron más cautelosas, más bien perplejas, respecto a aquellas “innovaciones” que ahora nos parecen más fáciles de reconocer y apreciar. La obra maestra de Verdi inició una marcha triunfal por los teatros de Italia y otros países (a excepción, hasta 1857, de Francia debido a la protesta de Hugo, autor de la fuente literaria de la ópera, el drama "El rey se divierte") .
Personajes y escenarios, como sabemos, aparecieron en escena con toda su vitalidad. El duque de Mantua es una imagen brillante y asombrosa, que da la impresión de integridad a pesar de toda la antipatía que evoca su moral. Debe ser juzgado cuando se encuentra en el centro de su corte, con cuya representación Verdi rápidamente se familiarizó, reduciendo su tamaño en comparación con la corte del rey francés Francisco I (el protagonista del drama de Hugo); Los censores venecianos no aprobaron llevar al rey al escenario, así como no aprobaron la joroba de Rigoletto y la bolsa en la que colocaron a la moribunda Gilda; estos detalles se mantuvieron sin cambios gracias a la fuerte voluntad de Verdi. La censura conservadora atacó la ópera fuera de Venecia, desalentando de todas las formas posibles el peligroso complot. Mientras tanto, el traslado de la acción de Francia a Mantua y la sustitución del magnífico palacio francés por el de Mantua resultaron muy beneficiosos para el estilo dramático de Verdi de estos años: en un entorno más íntimo, los héroes son reducidos y empujados a un marco estrecho, casi imposible, a juzgar por su apariencia "estatuaria", pero al mismo tiempo se acercan al público (y en el futuro, incluso prefiriendo un espacio más grande, Verdi utilizará la técnica de tales restricciones para influir directamente en el público) .
La corte de Mantua está muy bien representada ya en el primer acto, verdadero punto de partida de todas las líneas argumentales que se desarrollan y se cruzan posteriormente. La vanidad de los cortesanos se ve agravada por su descarada rudeza, que el duque Don Juan, con gran plausibilidad, intenta compensar con una inclinación por el amor tierno, completamente ajena al verdadero Don Juan, el héroe de Mozart. Es este tipo de amor el que le atrae hacia Gilda, la paloma salvaje, e introduce un sentimiento tiernamente patético y demasiado apasionado en todos los clichés galantes. Incluso en sus elogios a la hermana Sparafucile hay una pureza sublime que parece contradecir la naturaleza de esta cínica burocracia. Cuando Gilda es secuestrada sin su conocimiento, la excitación del joven Duque también es sincera, aunque los intérpretes de este papel suelen exagerarla, y aunque con la misma sincera facilidad (así parece) se apresurará a apoderarse de la niña, y luego Transfiere alegremente su atención a otros objetos. Los cortesanos de Verdi están unidos por una forma de pensar común, similar a la de las óperas cómicas de Mozart y Rossini. Sobre todos ellos cae la maldición de un verdadero aristócrata, Monterone: es una señal para revelar el destino de Rigoletto, condenado para siempre desde hace mucho tiempo, una imagen casi atemporal.
Gilda, como hija de su padre paria, tendría que alcanzar una felicidad enorme e inesperada, que la separaría por completo de su familia, o tomar otro camino, igualmente predeterminado y consistente, el camino del sacrificio personal.
Durante algún tiempo, su futuro está lleno de maravillosa incertidumbre (esto lo transmiten las vocalizaciones y las notas altas, puras y flexibles del aria “The Heart is Full of Joy”). Entonces todo va como ya sabemos. Gilda es demasiado etérea para ser feliz. Se trata de una imagen decorativa del primer romanticismo, que aún lleva el sello del siglo XVIII y la locura. Gente moderna, del que está tan lejos, sólo puede privarla de la pureza virginal.
Todos los hilos de acción convergen en el tercer acto en la forma clásica de un cuarteto, fiel a los cánones estéticos del primer romanticismo, observando aún las formas clásicas. El centro es la melodía principal del tenor, que se perfila como el verdadero objetivo de Rigoletto murmurando en la oscuridad. Ambas mujeres, por el contrario, permanecen presas del encanto del duque: Maddalena gorjea, Gilda capta su motivo (y, por así decirlo, la acerca a los impulsos y temblores del tenor), incapaz de separarse de él, aunque es detenida e interrumpida por su padre. De la combinación de una situación dramática y la técnica musical elegida, casi instrumental, nace un efecto teatral, visual y escénico de rara fuerza. Un diseño clásico y estricto, en el que los contrastes se complementan, de repente se derrumba bajo el embate de una tormenta, un verdadero sábado; A través de la tormenta se pueden escuchar las quejas de los desafortunados héroes y la risa indiferente del asesino, Sparafucile. Este personaje en su conjunto causa una impresión humorística, ya sea porque su carácter villano no es ajeno a un atisbo de simpatía, ya sea porque el pobre jorobado cree encontrar un camarada en este ahorcado. Su encuentro tiene lugar de noche en un callejón, en las oscuras profundidades de la conciencia. El despertar traerá horror, una cruel luz de decepción. La hija se convierte en víctima de la “justa venganza” de Rigoletto, justa, en opinión del infortunado, que se rebeló en vano contra un destino injusto y con ello pidió un nuevo castigo del “dios terrible”. Una ironía despiadada del destino. Incluso el rescate del duque evoca la simpatía del público, y parece que sólo a los ojos de Rigoletto parece un sinvergüenza. La culpa recae en quienes han vivido. Como consuelo, les quedan lágrimas que, tal vez, nunca se hayan derramado en un drama musical.
G. Marchesi
Historia de la creación
La trama de la ópera está basada en el drama de V. Hugo "El rey se divierte", escrito en 1832. Después de la primera actuación en París, que provocó una manifestación política, fue prohibida por socavar la autoridad del poder real. Hugo presentó una demanda, acusando al gobierno de arbitrariedad y restableciendo la censura destruida por la revolución de 1830. El juicio recibió amplia atención pública, pero la prohibición no fue levantada: la segunda representación de la obra "El rey se divierte" tuvo lugar en Francia sólo medio siglo después. El drama de Hugo atrajo a Verdi por sus brillantes contrastes románticos, su tormentoso choque de pasiones, su patetismo amante de la libertad y su intenso y dinámico desarrollo de la acción. Verdi consideró la trama de “Rigoletto” como la mejor de todas las que puso música: “Aquí hay situaciones fuertes, variedad, brillantez, patetismo. Todos los acontecimientos están determinados por el carácter frívolo y vacío del duque; Los miedos de Rigoletto, la pasión de Gilda, etc. crean maravillosos episodios dramáticos”. El compositor interpretó las imágenes de Hugo a su manera, lo que provocó la protesta del escritor. En un drama histórico con grandes escenas de multitud y numerosos detalles de la vida y el día a día de la corte de Francisco I (1515-1547). Verdi estaba ante todo muy interesado en el drama psicológico.
El texto de Hugo ha sido abreviado. La trama adquirió un sonido más íntimo; El énfasis se desplazó a mostrar las relaciones personales de los personajes en la psicología. situaciones agudas. Algunos recortes se debieron no sólo a las características específicas del género de la ópera y los planes individuales del compositor, sino también al temor a una prohibición de la censura. Sin embargo, Verdi no logró evitar un choque con la censura. A principios de 1850, desarrolló un plan detallado para la ópera, llamado “La Condenación”, y encargó a F. Piave (1810-1876), un experimentado libretista que colaboró con Verdi durante muchos años, la escritura del texto. Parte de la música ya había sido escrita cuando la censura exigió una revisión radical del libreto. Se pidió al compositor que eliminara al personaje histórico: el rey, que reemplazara al feo personaje principal (el bufón Triboulet) por el apuesto hombre de la ópera tradicional, etc. Verdi rechazó resueltamente las exigencias de la censura, pero la acción de la ópera fue trasladada del país. Al país durante mucho tiempo, se cambió el título, hasta que, finalmente, Francisco I se convirtió en el duque de Mantua, Triboulet, en Rigoletto, y la ópera recibió un nombre más neutral después del nuevo nombre del bufón.
La partitura de Rigoletto se completó muy rápidamente: en cuarenta días. El estreno tuvo lugar el 11 de marzo de 1851 en Venecia. La ópera fue recibida con entusiasmo y rápidamente se extendió por todos los escenarios europeos, lo que le dio a Verdi una gran popularidad.
Música
"Rigoletto" es uno de los más trabajos famosos Verdi. La acción de la ópera se basa en marcados contrastes dramáticos. En el centro se encuentra un agudo drama psicológico, multifacético, que describe la imagen de Rigoletto: un cáustico bufón de la corte, un padre amable y profundamente sufriente, un vengador formidable. Se le opone el frívolo y depravado duque, perfilado en el contexto de la vida cortesana. La pureza mental y la devoción desinteresada se personifican en la imagen de la joven Gilda.
Estos personajes contrastantes están vívidamente encarnados en la música de la ópera, con una notable riqueza de matices psicológicos.
La introducción orquestal presenta la trágica melodía de una maldición, que es importante en la ópera; da paso a la desenfadada música de baile que abre el primer acto. En el contexto de bailes y coros de danza, suena la brillante y alegre balada del Duque "Esto o aquello, no puedo decirlo". La maldición de Monterone "Una vez más un insulto" trae consigo un intenso drama; la patética melodía vocal está respaldada por un amenazador aumento de la sonoridad orquestal.
En el segundo acto*, la escena con Sparafucile y el episodio del secuestro, con sus tintes siniestros, desencadenan los episodios luminosos asociados a la imagen de Gilda. Un pequeño dúo entre Rigoletto y Sparafucile está precedido por el motivo de una maldición. El monólogo de Rigoletto "Somos iguales a él" revela una amplia gama de experiencias del héroe: una maldición del destino, la burla del duque, el odio a los cortesanos, el tierno amor por su hija. El dúo de Rigoletto y Gilda cautiva con melodías líricamente cálidas. El dúo entre Gilda y el Duque comienza en tonos oníricos; la hermosa melodía de la confesión del duque “Confía en mí, el amor es sol y rosas” se calienta con un sentimiento sincero. El aria de coloratura de Gilda “El corazón está lleno de alegría” encarna la imagen de una persona feliz chica amorosa. Su humor brillante y sereno contrasta con el inquietante colorido de la escena del secuestro, en el centro de la cual está el misterioso y apagado coro de los cortesanos "Silencio, silencio".
El tercer acto comienza con el aria del Duque “Veo una dulce paloma”; la melodiosa melodía transmite un sentimiento tierno y entusiasta. El aria es seguida por un coro jactancioso de cortesanos. En una gran escena dramática se transmite la angustia mental de Rigoletto; las miradas de ira (“Cortesanas, demonios del vicio”) son reemplazadas por súplicas apasionadas (“Oh señores, tened piedad de mí”). El dúo de Rigoletto y Gilda está precedido por el ingenioso relato de Gilda “Entré humildemente al templo”; luego las voces de los personajes se unen en una melodía iluminada y lúgubre. La maldición de Monterone suena como un oscuro contraste. Le responden las decididas frases de Rigoletto: “Sí, ha llegado la hora de la terrible venganza”.
En el cuarto acto, un lugar importante lo ocupa la caracterización del duque, la canción más popular "El corazón de la belleza". La música del cuarteto encarna con notable perfección sentimientos contradictorios: la confesión de amor del duque, las respuestas alegres y burlonas de Maddalena, los suspiros tristes de Gilda, los comentarios sombríos de Rigoletto. La siguiente escena, acompañada por un coro detrás del escenario que canta con la boca cerrada, tiene lugar con una tormenta como telón de fondo, lo que enfatiza la confusión mental de Gilda; El drama alcanza su clímax en el momento en que se escucha la canción despreocupada del duque. El dúo final entre Rigoletto y Gilda, “Allí en el cielo”, ** se hace eco de su dúo en el Acto II; Al final de la ópera, el motivo de la maldición vuelve a sonar amenazadoramente.
* Verdi tiene la segunda escena del primer acto.
** A menudo producido en producciones.
Druskin
"Rigoletto" (1851, basado en la obra de Hugo "El rey se divierte") es un drama musical de agudo contenido conflictivo, lleno de contrastes brillantes y antítesis agudas. Verdi apreció mucho los méritos artísticos del libreto, lo consideró uno de los mejores de sus óperas y notó en él “situaciones fuertes”, “variedad, brillantez, patetismo”. De hecho, la trama de "Rigoletto" se desarrolla de forma orgánica y rápida, revelando contradicciones en el estatus social de los héroes, en su carácter moral y en su psique. Verdi destacó especialmente el papel eficaz de las fuerzas negativas: todos los acontecimientos que agravan el choque de intereses y el drama de las situaciones son provocados por las aventuras disolutas del duque inmoral y la corrupción de los cortesanos.
En el centro de la ópera se encuentra la trágica imagen de un feo bufón, distorsionado por la vida. (Amante de los fuertes contrastes, Hugo vistió la alta dignidad humana con una fea forma externa (¡recordemos, junto con el bufón Triboulet, el prototipo literario de Rigoletto, Quasimodo!), y dio a la fealdad espiritual, a la insignificancia moral la apariencia de engañoso, brillante, pero belleza vacía (como Phoebus de Chateaupert o el prototipo del duque en la obra de Hugo es el rey Francisco I).). Tiene una mente extraordinaria, pero desempeña un papel humillante en la corte. Este es un hombre de grandes pasiones, que odia y desprecia a la nobleza. Otro lado profundamente humano del carácter de Rigoletto se revela en su actitud hacia su hija Gilda. Esta imagen inmaculada encarna el polo brillante del drama: la pureza de Gilda contrasta marcadamente con la bajeza moral de la mafia secular. El destino castiga al bufón por burlarse del dolor paternal de Monterone. Después de haber planeado una cruel venganza contra el duque, que deshonró el honor de su hija, Rigoletto se convierte en el asesino involuntario de Gilda. Así, en un mundo de engaño y violencia, triunfa el mal sin sentido.
La música de Verdi transmite maravillosamente los contrastes de la vida. Cada imagen está repleta de yuxtaposiciones nítidas. La brillantez y el rápido movimiento del baile con el que se abre la ópera se contrasta con el dramatismo de la maldición de Monterone. (Verdi a menudo presentaba imágenes de bailes en los momentos del comienzo o el desenlace de la acción: en el contexto de la ruidosa agitación de la vida, el destino personal de los héroes de la ópera se destacó más claramente, y en base a soltero movimientos de danza desarrollados varios episodios escénicos. Estos son los dos bailes de La Traviata, correspondientes a la exposición y clímax del drama; en el baile tiene lugar el desenlace de la acción: la muerte del personaje principal de las óperas “Ernani” y “Un ballo in maschera”; una importante función dramática la desempeñan las escenas de baile de Macbeth, las Vísperas sicilianas, etc.). Al comienzo de la segunda imagen, se crea un color diferente: la conversación entre Rigoletto y Sparafucile se mantiene en tonos oscuros y misteriosos y, como un recuerdo inquietante, suena el leitmotiv de la maldición; pero una luz repentina ilumina la música que caracteriza el encuentro del infortunado bufón con su hija. Igualmente contrastantes son los episodios iniciales del Acto II, donde el aria elegíaca del Duque se yuxtapone con la marcha frívola de los cortesanos y el monólogo de Rigoletto lleno de trágica grandeza. Estas antítesis vitales se transmiten con enorme poder de expresión en el último acto: el drama de los sentimientos de Gilda y Rigoletto, la tormenta que se desarrolla, se desencadena bruscamente con la canción despreocupada del Duque (se interpreta tres veces a lo largo del acto, invariablemente en B). importante). Los contrastes surgen no sólo adentro pinturas, pero también entre a ellos. Particularmente sorprendente es el contraste entre el comienzo de la ópera con la balada del Duque, indisolublemente ligada a la atmósfera general del baile de la corte, y el final, donde la canción, cercana en espíritu a la balada, contrasta con el trágico desenlace contra el telón de fondo de una noche siniestra y tormentosa (El contraste entre los dos bailes de La Traviata se resuelve de manera similar; en el contexto de la diversión festiva, surgen alegres sentimientos de amor entre Violetta y Alfred, mientras que las escenas de carnaval del final del segundo acto resaltan claramente el drama de la pelea: en el primer caso, los héroes fusionado con la situación de vida que los rodea, en el segundo oponerse a a ella.).
Las fuerzas impulsoras del drama se describen en tres áreas de entonación principales.
El Duque se caracteriza por la composición típica de las canzonetas italianas: canciones elegantes y relajadas:
Se caracterizan por la ligereza, la movilidad y el ritmo agudo. Estas melodías describen el encantador externo La aparición del duque. Sin embargo, no está dotado de la profundidad de experiencias y pensamientos; por lo tanto, sin recurrir a técnicas de agudización satírica, Verdi expone el vacío del mundo espiritual del libertino de la alta sociedad.
Se utilizan los mismos medios para exponer el esplendor externo y la pobreza espiritual de los cortesanos que rodeaban al duque. Y aquí Verdi recurre a los géneros de la música cotidiana: danza (rigaudon, minueto en la cuarta escena), marcha (la marcha As-dur, el coro "Hush, Hush" en la segunda escena del Acto I y la marcha A-dur). del Acto II). Se trata de un ámbito cercano a Herzog tanto por su método dramático como por su entonación. Al igual que en sus características, en ésta predomina la ligereza, la movilidad y la agudeza rítmica.
La complejidad psicológica de la imagen de Rigoletto, en cuya alma se entrelazan sentimientos contradictorios, se transmite con veracidad y gran perfección artística. Los rasgos trágicos de su personaje se expresan de muchas maneras, especialmente en relación con el leitmotiv de la maldición, que, en un patético do menor, abre una breve (¡sólo 34 compases!) introducción orquestal a la ópera:
La melodía se basa en un ritmo convulsivo de dos puntos y la armonía se basa en un acorde de séptima alterado. Este es al mismo tiempo el leitmotiv y la leitarmonía de la ópera: se representan repetidamente en momentos de tensión dramática. Sobre el desarrollo de estos medios expresivos Se construye la primera parte del monólogo de Rigoletto “Cortesanos, demonios del vicio” (por cierto, también en do menor), en el mismo acto su imperativo llamamiento a los cortesanos - “Váyanse todos ahora”, algunos episodios del final, etc
Pero en la primera mitad de la ópera, este rostro, distorsionado por el sufrimiento, aparece bajo la apariencia de un bufón. Con sutiles toques orquestales, Verdi llama la atención sobre los aspectos externos de la imagen: el andar deliberado de Rigoletto, burlándose de las "travesuras":
Finalmente, los sentimientos de amor paternal se representan con medios especiales. Su expresión musical cautiva por su humanidad, gran calidez y moderación:
Las características de Gilda tienen un color individual. En la segunda escena del Acto I, especialmente en el aria de Gilda, emergen los rasgos que Verdi suele dotar de imágenes de niñez y encanto femenino (cf. las exposiciones iniciales de las imágenes de Leonora en Il Trovatore, Violetta en La Traviata). Esta música es alegremente lúdica, juguetona y despreocupada, lo que se acentúa por la ligera movilidad de la melodía, el ritmo caprichoso y el uso de pasajes virtuosos. En el Acto II, Gilda aparece de manera diferente. Su ingeniosa historia sobre su encuentro con el duque se acerca a la melodía popular:
El papel de Gilda está repleto de momentos dramáticos. Como Rigoletto, el principio declamatorio se introduce en la canción y la transforma. Indicativas a este respecto son las entonaciones de un amplio suspiro, a veces un gemido, con el que, a medida que se desarrolla el drama, la parte vocal de Gilda se satura cada vez más (por primera vez se escucharon tales "suspiros" en la introducción orquestal a la ópera):
Las esferas consideradas se unen en el cuarteto del último acto: este es el punto más alto en el desarrollo del drama. El duque, Gilda, Maddalena y Rigoletto corrieron la misma suerte. La fatal coherencia se ve acentuada por el movimiento continuo de la música; Los participantes en el drama recogen líneas individuales y las complementan. Pero al mismo tiempo, sus papeles están individualizados: las frases de las canciones del Duque y la coqueta movilidad de la melodía de Maddalena se combinan con la melodía amplia y emocionalmente rica de las declaraciones dramáticas de Gilda y Rigoletto. La claridad de la composición ayuda a identificar el significado de los acontecimientos que tienen lugar: el cuarteto tiene dos partes, cada una con tres estrofas: la segunda parte está significativamente dinamizada respecto a la primera, y si al principio dominaban las características melódicas del Duque, luego, al final, prevalecen las frases emocionadas de Gilda, “apoyadas” por la parte de orquesta:
La ópera "Rigoletto" es la etapa más importante en el establecimiento de nuevos principios en la obra de Verdi. Está conectado con muchos hilos con sus obras posteriores. Particularmente importantes son los métodos de desarrollo musical y dramático de principio a fin, que ayudan a superar el desmembramiento de la llamada "estructura numérica", pero al mismo tiempo no violan la integridad arquitectónica de los episodios centrales de la acción. .
Verdi presta especial atención a dramatizar las formas del aria introduciendo en ella momentos recitativos. Se esfuerza por lograr una fusión orgánica de los elementos de declamación y canto. Uno de los logros más notables en esta dirección es el monólogo de Rigoletto, que en su estructura formal representa un aria de dos partes (aunque con una comparación inusual de los personajes del movimiento: primero más rápido, luego más lento), pero dando un "final" inseparable. "hasta el final" expresión de los sentimientos polares de ira y oración.
En la ópera, la importancia de las escenas dialógicas en las que la tensión dramática conversación reemplazó los dúos estereotipados de la práctica italiana anterior, donde las partes de los participantes no estaban individualizadas y las melodías se interpretaban en terceras o sextas. El lugar central aquí lo ocupan dos escenas dialógicas ampliamente desarrolladas de Rigoletto y Gilda: en la segunda escena del Acto I y en el Acto II. Estos dos encuentros tienen un contenido diferente: el primero habla de alegría, el segundo de dolor y sufrimiento.
También se ha incrementado la función dramática de la orquesta, interviniendo activamente en la acción escénica, no limitándose únicamente al papel de soporte acorde de la voz. Así, la tormenta del final no es sólo una imagen pictórica espectacular, sino que complementa y desarrolla el drama de los sentimientos de los héroes de la ópera.
El plan tonal de la ópera también se volvió más significativo y dramáticamente determinado. La tonalidad Des-dur en “Rigoletto” tiene un importante significado figurativo y semántico: termina tanto la primera escena como el final, pero al final esta tonalidad, debido al “oscurecimiento” del color general, es reemplazada por la menor. del mismo nombre. Des-dur también contiene la segunda parte del monólogo de Rigoletto y su dueto con Gilda y el cuarteto. (Verdi recurría a menudo a las tonalidades Des-dur y des-moll al expresar los momentos culminantes de un drama personal, dando a estas tonalidades un cierto significado figurativo y semántico. Así, La Traviata, como Rigoletto, termina en des-moll; en Un ballo en maschera "El desenlace del drama - el "dúo mortal", durante el cual ocurre el asesinato de Richard, va a Des-dur (el final de la ópera - si menor); en "Aida" el "dúo mortal" también va primero a Des-dur (el final de la ópera - Ges-dur); en "Trovador" los momentos dramáticos centrales están conectados por las claves Des-dur, as-moll, es-moll, etc.).
En la esfera tonal de Des-dur también están As-dur (introducción, episodios del dúo de Rigoletto con Gilda en la 2ª escena del Acto I, también hay una marcha de los cortesanos, un juramento de venganza, que finaliza el Acto II) y Es-dur (minueto de la introducción, episodios del citado dúo, estribillo “Hush, hush”). De ahí los fines de los actos, justificados por la lógica armónica: el primero en es-menor y el segundo en As-dur. Verdi llevará a cabo el desarrollo tonal modal de la misma manera sistemática y significativa en sus óperas posteriores.
Los altos méritos ideológicos y artísticos de "Rigoletto" causaron dificultades especiales en la puesta en escena de la ópera. Su destino escénico es notable por las duras pruebas que vivieron las obras de Verdi. Cuando se escribió la mayor parte de la música, las autoridades policiales prohibieron este tema tiránico. (También se prohibió la producción de la fuente literaria, la obra de Hugo "El rey se divierte" (sólo tuvo lugar una representación en París en 1832). Verdi se vio obligado a trasladar el lugar de Francia a Italia y cambiar los nombres de los personajes. .). Con gran dificultad, con la ayuda de amigos y de sus numerosos admiradores, Verdi logró la producción de la ópera. Se representó en escenarios de Italia con varios nombres, a menudo con cambios arbitrarios en la ubicación y el escenario de la acción.
A pesar de que han pasado unos 165 años desde la creación de la ópera, "Rigoletto" sigue siendo popular entre los aficionados al arte de todo el mundo.
Historia
La ópera “Rigoletto” de Verdi fue creada entre 1850 y 1851. En tan poco tiempo, Giuseppe logró escribir su visión de la obra de Victor Hugo, que se tituló “El rey se divierte”.
Cuando el escritor creó su obra, fue prohibida. Las autoridades francesas sintieron que la historia socavaría la confianza en el tribunal.
Verdi también podría caer en desgracia. Tuvo que cambiar varios personajes existentes. En particular, el rey fue reemplazado por un duque y el bufón se convirtió en Rigoletto. El resumen permanece prácticamente intacto. El compositor era un fanático de la obra de Victor Hugo. Intentó volver a contar la historia tal como la vio.
Francesco Maria Piave, viejo amigo de Verdi, se encargó de crear un libreto para Rigoletto. A continuación se describe un resumen.
Originalmente se planeó que Rigoletto se convirtiera en un héroe apuesto en lugar de un feo bufón.
Esta obra se mostró por primera vez en Venecia en marzo de 1851.
Adaptación
El diputado Víctor Hugo nunca buscó agradar a las autoridades y mostró la vida la gente común, con todos los horrores y vicios de la pobreza. Del mismo modo, no tuvo miedo de describir la corte real. La ópera Rigoletto de Verdi excluyó cualquier mención del monarca.
En su obra, no sólo mostró a Hugo tomando personas reales en posiciones de poder y colocándolas en situaciones inverosímiles. Este acto audaz en ese momento no pudo escapar a la atención de los dignatarios. Ella provocó toda una serie de escándalos. Se prohibió la producción de "El rey se divierte". La ópera “Rigoletto” de Verdi no está tan politizada.
El personaje principal de la historia.
Hugo se aleja de las imágenes románticas de jóvenes apuestos en la corte. Crea un enano feo, que se convirtió en una alegoría de todo el régimen político que existía en ese momento. El bufón, burlándose de los vicios de los poderosos, podría existir en la realidad.
Aunque no existieran, los patios de Luis XII son absolutamente reales.
Triboulet se convirtió en una auténtica leyenda. Lo cantaban con tanta frecuencia en baladas, se escribían historias sobre él, se mencionaba en proverbios y misterios, que ahora a los científicos les resulta difícil juzgar cuál de todo esto era ficción y cuál era verdad. Tampoco está claro si existió.
Víctor Hugo tenía su propia visión de este personaje. Le dio al bufón nuevos rasgos de carácter y lo convirtió en el personaje principal.
La trama principal se basó en los intentos del comediante de la corte de combinar dos personalidades diferentes. Bajo el rey, era un burlador muy descarado que intentaba a toda costa divertir a su amo. En la vida cotidiana, Triboulet parecía una persona amable, decente y de gran corazón. Vio todos los defectos en la vida en el patio de los holgazanes ricos y los condenó por ello.
Como resultado, el bufón cae en una de las crueles travesuras de su amo.
Hugo aceptó montar la obra y se proyectó en 1832 en un teatro local. Después de la primera visualización, la producción fue prohibida por burlarse del poder del rey.
Pero cuando el último monarca de Francia, Napoleón III, fue depuesto, se permitió la obra. Pasaron cincuenta años y volvió al teatro sin mencionar a Rigoletto. El resumen de la obra también provocó polémica pública.
EN Imperio ruso En aquel momento nadie sabía nada de esta obra maestra. La obra fue prohibida por considerar que podía amenazar el poder del emperador.
Cómo se creó la ópera "Rigoletto" de Verdi: en abreviatura
El italiano Verdi eligió este éxito literario muchos años después para su imagenes inusuales, declaraciones audaces, relevancia. Se propuso escribir una ópera en una época en la que la obra todavía estaba prohibida.
Verdi decidió que la trama sería perfecta para la producción musical.
Se decidió cambiar la mimada Francia por la apasionada Italia. El compositor también acortó toda la trama para llenar de música la parte principal.
Cuando el escritor revisó la ópera, a Hugo no le gustó. Observó que Verdi eliminó toda la tragedia política y se centró en la historia del bufón.
Si bien a Hugo le gustaron las alusiones políticas de la obra, el músico prefirió la historia romántica de un hombre.
Verdi iba a llamar a la ópera "La Damnation" por el desafortunado destino de Triboulet.
Censura
Surgieron dificultades entre el compositor y la administración del teatro, donde se iba a realizar por primera vez el estreno de la ópera. No les gustó el hecho de que Rigoletto de Verdi no fuera un hombre guapo clásico, sino un terrible jorobado. Él respondió que era esta imagen la que le parecía más atractiva. Giuseppe tenía muchas ganas de ver cómo un hombre aparentemente feo conquistaría a todos con su belleza interior.
La lucha contra la censura también se manifestó en el hecho de que Verdi se negó a cortar el libreto, cambiar al jorobado por un personaje típico o sacar al monarca Francisco de la trama.
Comenzó a buscar teatros donde se pudiera representar la ópera. Fue rechazado. Todo el mundo quería que Verdi eliminara los indicios de la dureza de corazón de quienes estaban en el poder.
Y así el rey se convirtió en duque, y Triboulet se llamó Rigoletto. El resumen permaneció casi intacto. El compositor cedió al ver su obra en escena. No podía esperar tanto como el propio Hugo.
Ópera "Rigoletto". Resumen
Todo comienza con el hecho de que un bufón en presencia de un noble molesta excesivamente a un tal Conde Monterone. Se enoja con el monstruo y lo maldice para siempre.
El bufón Rigoletto divierte al público eligiendo a los nobles ricos como objeto de burla. Quieren vengarse de él. En ese momento aparece Monterone y lanza una maldición sobre el duque. Este último abusó de su hija. Rigoletto sufre junto con el Conde. El resumen no puede dejar de mencionar que a partir de ese momento, el bufón ve todos los fracasos como una maldición hecha realidad.
El disoluto duque se enamora de la hija de Rigoletto, Gilda, sin saber de su origen. Harto de la joven belleza, se enamora de Maddalena, la hermana del bandido local Sparafucile.
Clímax
En este momento, los cortesanos, interpretados por el bufón, deciden vengarse de él. Le vendan los ojos a Rigoletto y lo convencen de secuestrar a una condesa llamada Ceprano. En lugar de una mujer ficticia, el bufón les ayuda a robar a Gilda, sin saberlo. Al darse cuenta de lo que había hecho, Rigoletto pide a los nobles que dejen ir a la niña, diciendo que es su hija. En ese momento, Gilda viene a recibirlo desde los dormitorios ducales. El propio dueño de la casa lleva mucho tiempo en brazos de Maddalena. Frente a ellos, confiesa que está enamorado de la hermana del ladrón. La engañada Gilda está desesperada. Y Rigoletto decide persuadir a Sparafucile para que mate al duque.
Maddalena se entera del acuerdo de su hermano y le ruega que no lo haga. Después de muchas discusiones, él acepta. Deciden matar a la primera persona que entre por la puerta. Gilda, habiendo perdido la esperanza de un futuro feliz, escucha la conversación y se acerca a ellos.
Desenlace
Cuando Rigoletto viene a tomar el pedido, ve una bolsa con un cuerpo. Entonces se escucha la voz del Duque desde otra habitación. No entiende a quién le dejaron en el bolso. Y entonces Rigoletto ve a su hermosa hija muerta. El dolor del padre es inconsolable. Esta es toda la ópera “Rigoletto”, resumen que acaba de ser contada.
La música de la ópera cambia constantemente hasta volverse alarmante para realzar el próximo drama y mostrar los sentimientos del bufón acerca de su maldición.
Caracteres:
| duque de mantua | tenor | |
| Rigoletto, bufón de la corte | barítono | |
| Gilda, su hija | soprano | |
| Esparafucil, bandido | bajo | |
| Magdalena, su hermana | mezzosoprano | |
| Giovanna, la criada de Gilda | mezzosoprano | |
| Marullo | ) cortesanos | tenor |
| Borsa | bajo | |
| Conde Ceprano | bajo | |
| Condesa Ceprano | mezzosoprano | |
| Página | soprano | |
| Oficial | barítono | |
| Cortesanos, pajes, sirvientes. | ||
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La acción se desarrolla en Mantua (Italia) en el siglo XVI. |
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HISTORIA DE LA CREACIÓN
La trama de la ópera está basada en el drama de V. Hugo "El rey se divierte", escrito en 1832. Después de la primera actuación en París, que provocó una manifestación política, fue prohibida por socavar la autoridad del poder real. Hugo presentó una demanda, acusando al gobierno de arbitrariedad y restableciendo la censura destruida por la revolución de 1830. El juicio recibió amplia atención pública, pero la prohibición no fue levantada: la segunda representación de la obra "El rey se divierte" tuvo lugar en Francia sólo medio siglo después.
La dramaturgia de Hugo me atrajo por sus brillantes contrastes románticos, su violento choque de pasiones, su patetismo amante de la libertad y su intenso y dinámico desarrollo de la acción. Verdi consideró la trama de “Rigoletto” como la mejor de todas las que puso música: “Aquí hay situaciones fuertes, variedad, brillantez, patetismo. Todos los acontecimientos están determinados por el carácter frívolo y vacío del duque; Los miedos de Rigoletto, la pasión de Gilda, etc. crean maravillosos episodios dramáticos”. El compositor interpretó las imágenes de Hugo a su manera, lo que provocó la protesta del escritor. En un drama histórico con grandes escenas de multitud y numerosos detalles de la vida y el día a día de la corte de Francisco I (1515-1547). Verdi estaba ante todo muy interesado en el drama psicológico.
El texto de Hugo ha sido abreviado. La trama adquirió un sonido más íntimo; el énfasis se centró en mostrar las relaciones personales de los personajes en situaciones psicológicamente agudas. Algunos recortes se debieron no sólo a las características específicas del género de la ópera y los planes individuales del compositor, sino también al temor a una prohibición de la censura. Sin embargo, Verdi no logró evitar un choque con la censura. A principios de 1850, desarrolló un plan detallado para la ópera, llamado “La Condenación”, y encargó a F. Piave (1810-1876), un experimentado libretista que colaboró con Verdi durante muchos años, la escritura del texto. Parte de la música ya había sido escrita cuando la censura exigió una revisión radical del libreto. Se pidió al compositor que eliminara al personaje histórico: el rey, que reemplazara al feo personaje principal (el bufón Triboulet) por el apuesto hombre de la ópera tradicional, etc. Verdi rechazó resueltamente las exigencias de la censura, pero la acción de la ópera fue trasladada del país. Al país durante mucho tiempo, se cambió el título, hasta que, finalmente, Francisco I se convirtió en el duque de Mantua, Triboulet, en Rigoletto, y la ópera recibió un nombre más neutral después del nuevo nombre del bufón.
La partitura de Rigoletto se completó muy rápidamente: en cuarenta días. El estreno tuvo lugar el 11 de marzo de 1851 en Venecia. La ópera fue recibida con entusiasmo y rápidamente se extendió por todos los escenarios europeos, lo que le dio a Verdi una gran popularidad.
TRAMA
Baile en el palacio del duque de Mantua. El duque corteja a la condesa Ceprano, poniendo celoso a su marido. El bufón se burla airadamente del conde Cepraio y aconseja al duque que rapte a la encantadora condesa esa misma noche; Ceprano enfurecido jura vengarse de Rigoletto. La diversión del baile se ve interrumpida por la aparición del Conde Monterone, quien exige que el Duque le devuelva a su hija. El bufón se burla de Monterone. El duque ordena que se detenga al conde. Monterone amenaza al duque con una terrible venganza por el deshonor de su hija y maldice a Rigoletto.
La maldición de Monterone persigue a Rigoletto. Al regresar a casa a altas horas de la noche, se encuentra con el asesino Sparafucile, quien le ofrece sus servicios. El bufón está preocupado por el destino de su querida hija Gilda, que vive en un suburbio remoto con su doncella Giovanna. Le prohibió salir de casa por temor al duque y sus sirvientes corruptos. Un día en la iglesia, Gilda conoció a un joven cuya belleza la cautivó. De repente la niña lo ve frente a ella. Es el duque disfrazado de estudiante. Le promete apasionadamente su amor eterno a Gilda. Al quedarse sola, la niña se entrega a dulces sueños. Mientras tanto, los cortesanos se reúnen en casa de Rigoletto: planean secuestrar a Gilda, considerándola la amante del bufón. Atormentado por sombríos presentimientos, Rigoletto regresa a casa y los encuentra en la oscuridad. Para disipar las sospechas del bufón, uno de los cortesanos habla del inminente secuestro de la condesa Ceprano, que vive cerca. Rigoletto acepta ayudar a los cortesanos. Luego se pusieron una mascarilla y la ataron con un pañuelo encima. Los gritos ahogados de Gilda se pueden escuchar desde lejos. Rigoletto se arranca la venda y se horroriza al descubrir que su hija ha sido secuestrada.
El duque está trastornado: la bella desconocida ha desaparecido, todas las búsquedas han sido en vano. Los cortesanos, queriendo animarlo, hablan de la aventura de la noche: la amante de Rigoletto está ahora en el palacio. El duque se apresura felizmente a sus aposentos. Entra Rigoletto tarareando una canción; busca a su hija por todas partes, ocultando su desesperación bajo un fingido descuido. Al enterarse de que Gilda está en el palacio, exige enojado que le devuelvan a su hija, pero los cortesanos hacen oídos sordos a las amenazas y súplicas del bufón. En ese momento, Gilda sale corriendo de los aposentos del duque llorando. Rigoletto jura vengar la vergüenza de su hija; Conocer a Monterone, que está siendo conducido a prisión, fortalece su determinación. Gilda, asustada, le ruega a su padre que perdone al duque.
Lugar de reunión sencillo en la orilla del río. Noche muerta. El duque viene aquí disfrazado; se deja llevar por una nueva pasión: la bella Maddalena, la hermana del bandido. Convencida de la traición de su amante, Gilda se despide de sus brillantes sueños. Su padre la envía a Verona; cambiando a traje de hombres, debe salir de Mantua esta noche. Rigoletto se quedará para pagar a Sparafucile por el asesinato y arrojar él mismo el cuerpo del odiado Duque al río. Comienza una tormenta. Maddalena, fascinada por el apuesto joven, le pide a su hermano que lo perdone. Después de mucha persuasión, Sparafucile acepta matar a la primera persona que llame a la puerta. Gilda escucha esta conversación; ella todavía ama al duque y vino aquí para advertirle del peligro inminente. Para salvar a su amante, Gilda está dispuesta a dar su vida. Ella entra con valentía a la casa del bandido. La tormenta amaina. Rigoletto regresa. Sparafucile saca una bolsa que contiene un cadáver. El bufón triunfa: ¡finalmente se venga! A punto de arrojar el cadáver al agua, Rigoletto se horroriza al escuchar el alegre canto del duque. Corta la bolsa y ve a Gilda muriendo.
MÚSICA
"Rigoletto" es una de las obras más famosas. La acción de la ópera se basa en marcados contrastes dramáticos. En el centro se encuentra un agudo drama psicológico, multifacético, que describe la imagen de Rigoletto: un cáustico bufón de la corte, un padre amable y profundamente sufriente, un vengador formidable. Se le opone el frívolo y depravado duque, perfilado en el contexto de la vida cortesana. La pureza mental y la devoción desinteresada se personifican en la imagen de la joven Gilda.
Estos personajes contrastantes están vívidamente encarnados en la música de la ópera, con una notable riqueza de matices psicológicos.
La introducción orquestal presenta la trágica melodía de una maldición, que es importante en la ópera; da paso a la desenfadada música de baile que abre el primer acto. En el contexto de bailes y coros de danza, suena la brillante y alegre balada del Duque "Esto o aquello, no puedo decirlo". La maldición de Monterone "Una vez más un insulto" trae consigo un intenso drama; la patética melodía vocal está respaldada por un amenazador aumento de la sonoridad orquestal.
En el segundo acto, la escena con Sparafucile y el episodio del secuestro, con sus tintes siniestros, desencadenan los episodios luminosos asociados a la imagen de Gilda. Un pequeño dúo entre Rigoletto y Sparafucile está precedido por el motivo de una maldición. El monólogo de Rigoletto "Somos iguales a él" revela una amplia gama de experiencias del héroe: una maldición del destino, la burla del duque, el odio a los cortesanos, el tierno amor por su hija. El dúo de Rigoletto y Gilda cautiva con melodías líricamente cálidas. El dúo entre Gilda y el Duque comienza en tonos oníricos; la hermosa melodía de la confesión del duque “Confía en mí, el amor es sol y rosas” se calienta con un sentimiento sincero. El aria de coloratura de Gilda "El corazón está lleno de alegría" encarna la imagen de una niña feliz y amorosa. Su humor brillante y sereno contrasta con el inquietante colorido de la escena del secuestro, en el centro de la cual está el misterioso y apagado coro de los cortesanos "Silencio, silencio".
El tercer acto comienza con el aria del Duque “Veo una dulce paloma”; la melodiosa melodía transmite un sentimiento tierno y entusiasta. El aria es seguida por un coro jactancioso de cortesanos. En una gran escena dramática se transmite la angustia mental de Rigoletto; las miradas de ira (“Cortesanas, demonios del vicio”) son reemplazadas por súplicas apasionadas (“Oh señores, tened piedad de mí”). El dúo de Rigoletto y Gilda está precedido por el ingenioso relato de Gilda “Entré humildemente al templo”; luego las voces de los personajes se unen en una melodía iluminada y lúgubre. La maldición de Monterone suena como un oscuro contraste. Le responden las decididas frases de Rigoletto: “Sí, ha llegado la hora de la terrible venganza”.
En el cuarto acto, un lugar importante lo ocupa la caracterización del duque, la canción más popular "El corazón de la belleza". La música del cuarteto encarna con notable perfección sentimientos contradictorios: la confesión de amor del duque, las respuestas alegres y burlonas de Maddalena, los suspiros tristes de Gilda, los comentarios sombríos de Rigoletto. La siguiente escena, acompañada por un coro detrás del escenario que canta con la boca cerrada, tiene lugar con una tormenta como telón de fondo, lo que enfatiza la confusión mental de Gilda; El drama alcanza su clímax en el momento en que se escucha la canción despreocupada del duque. El dúo final entre Rigoletto y Gilda, “Allí en el cielo”, se hace eco de su dúo en el Acto II; Al final de la ópera, el motivo de la maldición vuelve a sonar amenazadoramente.
1 En los escenarios soviéticos suele representarse en cuatro actos.
2 Verdi tiene la segunda escena del primer acto.
3 A menudo producido en producciones.
